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miércoles, 27 de abril de 2011

MUSICA MAESTRO

FECHA DE ESTRENO
15 de Agosto de 1946
TITULO ORIGINAL
Make Mine Music
DIRECTOR
Jack Kinney, Clyde Geronimi, Hamilton Luske, Joshua Meador, Robert Cormack
PRODUCTORES
Walt Disney
GUION
Walt Disney, James Bordrero, Homer Brightman, Erwin Graham, Eric Gurney, T Hee, Sylvia Holland, Dick Huemer, Dick Kelsey, Jesse Marsh, Tom Oreb, Cap Palmer, Erdman Penner, Harry Reeves, Dick Shaw, John Walbridge, Roy Williams
REPARTO
Nelson Eddy (Narrador, personajes de “La Ballena que Quería Cantar en la Opera), Dinah Shore (Cantante de “Un Sueño en Silueta”), Benny Goodman (Compositor de “Cuando los Gatos se Juntan”), The Andrews Sisters (Cantantes de “Historia de un Idilio”), Jerry Colonna (Narrador de “El Bate de Casey”), Sterling Holloway (Narrador de “Pedro y el Lobo”), Andy Russell (Cantante de “Tres Palabras”), David Lichine (Bailarín de “Un Sueño en Silueta”), Tania Riabouchinskaya (Bailarina de “Un Sueño en Silueta”), The Pied Pipers (Cantantes), The King’s Men (Cantantes en “Los Guerreros”), The Ken Darby Chorus (Cantantes en “Tarde Azul”)
CINEMATOGRAFÍA
Inaplicable
BANDA SONORA
Charles Wolcott, Herman Hand, Edward H Plumb
DISTRIBUIDA POR:
RKO Radio Pictures Inc
DURACIÓN
74 minutos
CLASICO ANTERIOR
Los Tres Caballeros
SIGUIENTE CLASICO
Las Aventuras de Bongo, Mickey y las Judías Mágicas

NARRADOR: “Ahora Willie nunca podrá cantar en la ópera. Pero no seas demasiado duro con Tetti-Tatti, pues el no era capaz de entenderlo. El que Willie pudiera cantar era un milagro, y la gente no esta acostumbrada a los milagros. Y a ti, pequeño y leal amigo, no estés tan triste, porque los milagros nunca mueren de verdad. En algún lugar del cielo reservado para las criaturas, Willie continúa cantando, ahora con cien voces, cada una más deslumbrante que la anterior, y en esa voz tan alegre seguirá cantando para siempre.”

CURIOSIDADES
Se trata del octavo clásico animado de Disney, y la tercera película paquete (consistente en distintos cortos) que la compañía estrenó durante la década de 1940. En total se trata de seis películas paquetes, que el estudio creó durante una época de crisis debido a la Segunda Guerra Mundial. A esta película le siguió “Las Aventuras de Bongo, Mickey y las Judías Mágicas”, “Tiempo de Melodía” y “La Leyenda de Sleepy Hollow”. Tras esto, el estudio se recuperaría gracias al éxito de “Cenicienta”.
En “Música Maestro” se abandonó el estilo de las anteriores películas paquetes “Saludos Amigos” y “Los Tres Caballeros”. En esta ocasión no se narrarían viajes culturales a través de historias, sino que se intentó recrear el estilo de “Fantasía” combinando cortos con música. La diferencia radicó en que en esta ocasión se intentó hacer uso de de música moderna, en el marco de la década de 1940 en el que la película se estrenó.
La animación del poema “Tarde Azul” había sido creada para la película “Fantasía” de 1940, más específicamente para el corto “Claro de Luna”. En su momento el segmento tuvo que ser cortado, y se decidió utilizarlo en esta película con una nueva composición musical.
En el segmento de “El Bate de Casey”, se puede apreciar un letrero en la pared del estadio que anuncia que Mudville 9 están jugando contra Burbank en el partido decisivo. Esto no es otra cosa que un juego de palabras para hacer referencia a la ubicación de los Estudios Walt Disney.
“The Andrews Sisters” colaboraron en la película en el segmento “Historia de un Idilio”. El grupo volvería a colaborar en la película paquete “Tiempo de Melodía” de 1948, cantando en el segmento “Little Toot”. Nelson Eddy cantó en todos los tonos, desde base hasta soprano, en el corto de “La Ballena que Quería Cantar en la Opera”.
El segmento más popular de toda la película fue el de “Pedro del Lobo”, por mantener el estilo de un cuento popular, con un uso de la música considerado extraordinario. De hecho, este segmento ha sido editado también en video, siendo este considerado como uno de los mini clásicos de Disney (Algo que también ocurrió con el segmento “Bongo” del siguiente clásico, por poner un ejemplo).Sin embargo, la crítica y el público no acogieron la película favorablemente. Esto se debió a que era el primer estreno de Disney tras finalizar la Segunda Guerra Mundial. Por este motivo, el público esperaba que el estudio regresara al estilo de sus cinco primeros clásicos, algo que no tuvo lugar.
Cuando la película fue lanzada en video, el corto de “Los Martins y los Coys” fue eliminado de esta. La razón era debida al uso de armas de fuego por parte de los dos clanes que dudaban en utilizarlas para acabar los unos contra los otros. Esto fue considerado como excesiva violencia, a pesar de que no se mostraba a nadie muriendo en ningún momento. Otro motivo era la violencia implícita entre la pareja superviviente, que aunque tampoco era visible, se daba a entender por los objetos y ruidos que procedían de la casa. En definitiva el segmento se retiró por su violencia, y nunca ha sido editado en video o DVD.

NOTA PERSONAL
Siempre he considerado esta película como el principio de la recuperación de Disney, aunque no destaque por ser brillante. La considero la tercera mejor de las denominadas seis películas paquetes que se estrenaron durante la década de 1940. A la hora de realizar una apreciación sobre el film es necesario examinar cada segmento, pero si hay algo que todos tienen en común, es el uso acertado de la música, que además es representativa de 1946.
En la película podemos apreciar dos tipos de segmentos, largos y cortos. Por lo general, y si bien se hace un uso acertado de la música, los segmentos de corta duración son generalmente pobres y poco logrados. “Tarde Azul” no parece tener un propósito narrativo coherente, y esto resulta más evidente cuando uno se percata de que es una escena cortada de “Fantasía”. Lo mismo sucede con “Tres Palabras”, que no resulta ser otra cosa que el intento de introducir una canción de amor sin narrativa alguna. “Después de que te Fueras” muestra una idea buena, la de mostrar instrumentos animados al compás de la música, pero termina por quedarse corta igualmente, sin desarrollar una idea que podría haber funcionado otorgándole una argumento de fondo. “Un Sueño en Silueta” nos muestra dos bailarines sobre los cuales se ha dibujado una silueta de color. De nuevo tenemos una buena idea que fracasa debido a la canción escogida, y acompañada de un baile más bien pobre. Finalmente, el único segmento corto que me pareció original fue de “Cuando los Gatos se Junta” por ser una alegoría brillante a la juventud de la época, siendo esta definida a través de la música que disfrutaba. Logra este segmento inspirar un sentimiento de juventud en el espectador, independientemente de la generación a la que pertenezca.
El resto de los segmentos son de mayor duración, y resultan más entretenidos al mostrarnos una historia con argumento que acompañan a selecciones musicales muy acertadas. Resulta cuanto menos curiosa la eliminación de “Los Martins & los Coys”, pues este me parece uno de los tres segmentos mejores de la película. Me parece exagerado preocuparse de la supuesta violencia que muestra, sobre todo cuando esta desarrollado en tono de comedia, y resulta ser francamente divertido. Dicha violencia no parece preocupar a los responsables del film en el segmento de “El Bate de Casey”. En este caso, se nos muestra a un deportista con la actitud de un matón arrogante, aunque quizás su inclusión sea debida a que dicho comportamiento le lleva al fracaso, lo que funciona como una moraleja adecuada. “Historia de un Idilio” funciona como una historia que defiende la fe en el amor. Me encantó la originalidad de usar sombreros “humanizados”. Se nos muestra el romance, la separación que sufre, la búsqueda para encontrarlo pasando por determinadas dificultades, y finalmente el triunfó del amor tras el periplo sufrido. El uso de la música es francamente excepcional. Llegando al segundo mejor segmento de la película “La Ballena que Quiso Cantar en la Opera” resulta una extraordinaria combinación de comedia y drama. Se nos muestra un personaje que resulta tierno a la par que divertido y original. No se puede decir otra cosa de una ballena que tiene la capacidad de cantar ópera. Sin embargo esos momentos divertidos dan lugar a un trágico final que dicho sea de paso es el final del film, algo que no estoy seguro haya sido algo acertado. Finalmente llegamos al mejor segmento de la película, y de hecho el más conocido a día de hoy, “Pedro y el Lobo”. Para un niño, la historia resulta toda una aventura en la que protagonista es el héroe que todo niño desearía ser. El patrón de la historia sigue el de la búsqueda, adquisición de aliados en esta, para terminar enfrentándose a un villano, en este caso el lobo. La historia también funciona para un adulto, ya que logra evocar esa sensación de aventura que teníamos siendo críos, y una sensación de nostalgia poco común.
En definitiva, la película en conjunto no me parece mala, e incluso supera a algunos clásicos posteriores que no funcionaban como películas paquete. Aunque la calidad de la animación so supera a la de los cinco primeros clásicos de Disney, tiene una cualidad muy fuerte a su favor, y esta no es otra que una excelente banda sonora, representativa de una época.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
LOS MARTINS & LOS COYS (The Martins and the Coys): La historia narra la rivalidad entre dos clanes, el de la familia Martin y la familia Coy. En un enfrentamiento, los miembros de los clanes se matan los unos a los otros. Solo sobrevive un muchacho y una machaca de cada clan respectivamente. En lugar de seguir luchando, los jóvenes se enamoran y terminan por contraer matrimonio ante la desaprobación de los espíritus de sus respectivas familias que observan desde de el cielo. Sin embargo, tras casarse la pareja cae en la violencia, reanudando la violencia de los clanes.
TARDE AZUL (Blue Bayou): Este pequeño segmento combina música con paisajes de tonalidades azules. Dentro de estos paisajes que muestran un bosque y una laguna, sirven de encuentro para el despertar de una grulla, que eleva el vuelo para dirigirse al horizonte volando en compañía de otra.
CUANDO LOS GATOS SE JUNTAN (All the Cats Join In): En este segmento se nos muestra la popular música que enganchó a la juventud de la década de 1940. Al llegar el fin de semana, vemos como una pandilla de muchachos se reúnen para bailar al ritmo de su música favorita.
TRES PALABRAS (Without You): El segmento nos muestra una canción nostálgica cantada por Andy Russell. En ella se combinan imágenes que evocan la soledad del amante perdido sin su otra mitad.
EL BATE DE CASEY (Casey at the Bat): El segmento esta basado en el poema de Ernest Thayer. Narra la historia de un jugador de baseball llamado Casey de gran talento, pero que termino por fallar en el momento crucial de un partido debido a su personalidad egocéntrica.
UN SUEÑO EN SILUETA (Two Silhouettes): El segmento muestra a los bailarines de ballet danzando, David Lichine y Tania Riabouchinskaya, pero sus figuras se muestran en forma de siluetas de colores que cubren el aspecto de ambos. Dinah Shore interpreta la canción al ritmo de la cual ambos cantan.
PEDRO Y EL LOBO (Peter and the Wolf): Un niño ruso llamado Pedro desea salir a la caza de un lobo que atemoriza la región haciendo uso de su fusil de juguete, pero su abuelo se lo ha prohibido terminantemente sabiendo el peligro que esto conlleva. A pesar de esto, Pedro escapa durante la siesta del abuelo. A su búsqueda del lobo se unen el pájaro Sasha, el pato Sonia y el gato Iván. El pintoresco cuarteto termina dando con el lobo para salir huyendo. Pero cuando el lobo devora a Sonia, el resto deciden atacar. Sasha acude en busca de unos cazadores cercanos, pero cuando estos llegan, Pedro ha logrado atar al feroz animal, regresando al pueblo victorioso. Sin embargo, Sasha pronto descubre que Sonia ha sobrevivido al ataque. Basado en la pieza del mismo titulo de 1936, por Sergei Prokofiev.
DESPUES DE QUE TE FUERAS (After You’ve Gone): Es un segmento muy corto que muestra a una serie de instrumentos bailando al son de la orquestra de Benny Goodman.
HISTORIA DE UN IDILIO (Johnnie Fedora and Alice Blue Bonnet): Es la historia cantada de un sombrero llamado Johnnie enamorado del sombrero de mujer Alice, en el escaparate de una tienda. Cuando Alice es vendida, Johnnie queda solo y desolado. Pasado un tiempo, Johnnie es vendido, y una tarde logra dar con ella. Escapando de la cabeza de su vuelo, Johnnie acude a su encuentro para acabar perdido en la ciudad, y sirviendo de sombrero de un caballo de carruaje. Sin embargo, Johnnie descubre que Alice es el sombrero del otro caballo, de manera que ambos logran reencontrarse de nuevo, para pasar su vida juntos.
LA BALLENA QUE QUISO CANTAR EN LA OPERA (The Whale Who Wanted to Sing at the Met): En el periódico local sale la noticia de una ballena que canta ópera narrada por un marinero. Un empresario que lee la noticia decide ir en busca de la ballena pensando que esta ha podido tragarse a un gran cantante de ópera. La ballena, que se llama Willie, siempre ha soñado que cantar en la ópera. Al descubrir que el empresario la busca gracias a una gaviota, Willie acude en su busca también. El empresario desea matar a la ballena para rescatar al cantante que cree se ha tragado. Willie demuestra que puede cantar a tres voces, lo cual hace que el empresario crea que ha tragado a tres cantantes de ópera. Mientras Willie sueña con convertirse en un éxito en la ópera, el Empresario dispara sobre la ballena acabando con su vida. Sin embargo, Willie podrá seguir cantando en el cielo.

ESCENA
Aquí he decidido enlazar en segmento que fue eliminado de la edición de la película en DVD “The Martins and the Coys”.


miércoles, 20 de abril de 2011

QUO VADIS?

FECHA DE ESTRENO
8 de Noviembre de 1951
TITULO ORIGINAL
Quo Vadis
DIRECTOR
Mervyn LeRoy
PRODUCTOR
Sam Zimbalist
GUION
Samuel Nathaniel Behrman, Sonya Levien, John Lee Mahin
Basado en la novela de Henryk Sienkiewicz
REPARTO
Robert Taylor (Marcus Vinicio), Deborah Kerr (Ligia), Leo Genn (Petronio), Peter Ustinov (Nerón), Patricia Laffan (Popea), Finlay Currie (Pedro), Abraham Sofaer (Pablo), Marina Berti (Eunice), Buddy Baer (Ursus), Felix Aylmer (Plauto), Nora Swinburne (Pomponia), Ralph Truman (Tigelino), Norman Wooland (Nerva), Peter Miles (Nazario), Geoffrey Dunn (Terpnos), Nicholas Hannen (Seneca), DA Clarke-Smith (Phano), Rosalie Crutchley (Actea), John Ruddock (Chilo), Arthur Walge (Croton), Elspeth March (Miriam), Strelsa Brown (Rufia), Alfredo Varelli (Lucano), Roberto Ottaviano (Flavio), William Tubbs (Anaxander), Pietro Tordi (Galba)
CINEMATOGRAFÍA
Robert Surtees, William V Skall
BANDA SONORA
Miklós Rózsa
DISTRIBUIDA POR:
Metro-Goldwyn-Mayer
DURACIÓN
171 minutos

NERON: “¿Es ese el rehén que he traído para Vinicio?”
PETRONIO: “Sí, sí, mi divinidad.”
NERON: “Vinicio sabe escoger.”
POPEA: “Es encantadora. Eres generoso señor, puede que hayas concedido algo que te convenía a ti.”
NERON: “Sí. ¿Tú que crees, Petronio?”
PETRONIO: “Ponle un vestido al tronco de un olivo y mi pobre e inexperto sobrino creerá que es una beldad. Conozco tu incomparable discernimiento, mi señor, y estoy seguro que incluso desde aquí ya te has dado cuenta de que es demasiado estrecha de caderas.”
NERON: “Sí, sí, es exactamente lo que creo. Popea una mujer nunca debe jugar a otra, le falta conocimiento de causa. ¿No es verdad que es ingenioso lo que he dicho?”
PETRONIO: “Entre los dioses tu humor es único.”
NERON: “Querido Petronio… o sí, que estrecha es de caderas.”

NERON: “Tienes razón, mi incendio no arde lo bastante aún. ¿Y sabes porque? No he visto nunca arder una ciudad. Dices que es preciso sufrir una experiencia para crear algo. El escultor tiene su modelo, y yo no lo tengo.”
PETRONIO: “¿Quemar una ciudad con el fin de crear una epopeya? Es llevar demasiado lejos el principio del arte por el arte.”
NERON: “Ya termina la primavera. Llegará el calor del verano. Que hedor despedirá entonces Roma.”

CURIOSIDADES
Originalmente, John Huston iba a ser el encargado de dirigir la película, pero abandonó el proyecto debido a discrepancias concernientes al guión. Fue entonces cuando la dirección le fue otorgada a Mervyn LeRoy. El proyecto de la película comenzó en el año 1949. La idea original era contratar a Elizabeth Taylor en el papel de Ligia, y a Gregory Peck en el papel de Marco Vinicio. Sin embargo en el año 1950, la producción cambio de manos, y los papeles protagonistas pasaron a manos Deborah Kerr y Robert Taylor. De todas maneras, Elizabeth Taylor tuvo una breve aparición como prisionera cristiana en la arena del circo, aunque no recibió crédito por esta. Sophia Loren también aparece sin acreditar en el papel de una esclava en el palacio de Nerón.
Clark Gable rechazó el papel de Vinicio considerando que el uniforme le haría adoptar un aspecto ridículo. Kathleen Byron fue considerada para el papel de Ligia. Entre otras muchas actrices que se presentaron para las pruebas con la intención de obtener un papel, se encontraba Audrey Hepburn antes de ser famosa. Es también el debut cinematográfico de Bud Spencer, que interpreta a uno de los guardias del Emperador Nerón.
Peter Ustinov había adquirido el papel de Nerón un año antes de que el rodaje de la película comenzara. Durante ese tiempo de espera recibió una notificación afirmando que aunque seguían interesados en su participación, estaban preocupados de que fuera demasiado joven para interpretar a Nerón. Ustinov respondió señalando que Nerón había fallecido a los treinta y un años de edad, con lo que si esperaban demasiado, entonces sería demasiado mayor para interpretarlo. No tardó en recibir una respuesta que indicaba que sus datos históricos eran verdaderos, y que el papel sería suyo. Mervyn LeRoy aconsejó a Peter Ustinov como interpretar a Nerón explicándole que le imaginaba como un demente que no paraba de jugar consigo mismo por las noches. Ustinov utilizó esta depravación como base para su interpretación.
El modelo de la nueva ciudad de Roma que Nerón enseña a sus consejeros durante la película, fue originalmente construido por el gobierno de Mussolini como parte de una exhibición de arquitectura romana de 1937. Los productores lo tomaron prestado del gobierno italiano después de la guerra.
La película fue rodada en Roma y los Estudios Cinecittà. Entre sus logros se hizo con un record de uso de vestuario que incluía treinta y disfraces en total. También hay diento diez actores con algo que decir en la película, y se hizo uso de más de treinta mil extras. Uno de los problemas con los que se encontraron en el rodaje fue que los leones volvían a sus respectivas jaulas tras ser soltados, debido a que encontraban la arena del circo demasiado caliente. El director Mervyn LeRoy superó este problema haciendo que varios uniformes fueran rellenados por carne fresca.
La película recibió ocho nominaciones para los Oscar de la Academia. Dos de ellos fueron para Mejor Actor Secundario recayendo en Leo Genn (Por el papel de Petronio) y Peter Ustinov (Por el papel de Nerón). El resto de las nominaciones recayeron en Mejor Dirección Artística, Mejor Cinematografía en color, Mejor Diseño de Vestuario en color, Mejor Montaje, Mejor Banda Sonora y Mejor Película. Sin embargo, la película fue la gran perdedora de la entrega de aquel año, no logrando alzarse con un solo Oscar. La gran triunfadora de ese año fue “Un Americano en París”.

NOTA PERSONAL
Sin duda se trata de una de las grandes superproducciones de temática cristiana, y sobre el Imperio Romano, producidas. Indudablemente, existen innumerables incongruencias históricas que incluyen el verdadero modo en que el Emperador Nerón y la Emperatriz Popea, por poner un ejemplo, fallecieron. De todas maneras hay que recordar que la película no esta basada en hechos meramente históricos sino en la novela del mismo titulo escrita por Henryk Sienkiewicz.
A pesar de esto, es preciso señalar lo bien que la película muestra la corrupción del Imperio Romano, y su debilidad recayendo en ocasiones en Emperadores dementes incapaces de liderar por el pueblo. En ese sentido, creo que Peter Ustinov realiza una labor magistral interpretando a Nerón, logrando que el espectador comience riéndose de su peculiar excentricidad, para que este pase a provocar verdadero miedo y repulsa ante su demencia. Es sin duda una de las mejores interpretaciones de Ustinov, que bien se hubiera merecido un Oscar. La película muestra de una manera coherente el auge y caída del cristianismo durante el reinado de Nerón, que no dejó de convertir a dichos seguidores religiosos en mártires. Las escenas del circo son conmovedoras, y sin ser gráficas consiguen estremecer.
La película es todo un despliegue de poderío que se puede apreciar en escenas como la entrada de Vinicio en Roma, el Incendio de la ciudad, o las que tienen lugar en el circo. Es una de esas superproducciones que nos recordaran para la posteridad, que no hacen falta efectos generados por ordenador para crear algo grandioso.
La primera vez que pude ver la película era solo un crío, y fue en una de esas emisiones perpetuas de Semana Santa junto a otros films como “Ben-Hur”, que nos visitan siempre en la televisión durante esas fechas. A los ojos de un niño me pareció una película formidable que lo contenía todo: acción, romance, intriga, y cierto grado de terror. Sin lugar a dudas fue una película que no gozó de su merecida recompensa, al no lograr hacerse con un solo Oscar de sus ocho nominaciones. A pesar de esto, el tiempo la ha colocado en su sitio como todo un clásico del cine, imprescindible para cualquier espectador que se considere cinéfilo.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
La acción de la película transcurre entre el año 64 y el 68 después de Cristo. Tras el reinado del Emperador Claudio, el nuevo Emperador Nerón ha probado ser destructivo y corrupto, y su poder amenaza con acabar con la paz romana establecida, a la vez que el cristianismo comienza a incrementarse dentro del Imperio pagano, pero siempre oculto en la clandestinidad.
El Legado Marco Vinicio se encuentra de regreso tras participar en batallas contra los bárbaros, pero a punto de entrar en la ciudad recibe la orden de esperar. Vinicio se dirige a presencia de Nerón que le explica la espera se debe a la necesidad de otorgarle una entrada triunfal para beneficio del pueblo. El tío de Vinicio, Petronio, es el consejero favorito de Nerón y envía a Vinicio a descansar en la residencia de Aulio Placio. Allí Vinicio se enamora de Ligia, rehén convertida en hija adoptiva de Placio, y presencia la visita de Pablo, sin saber que es uno de los apóstoles de Jesucristo, y que la familia de Placio se ha convertido al cristianismo. Ligia se siente atraída hacia Vinicio, pero desaprueba su apego al Imperio Romano y su violencia.
Tras la entrada triunfal de Vinicio, este consigue que Nerón le haga entrega de Ligia, como recompensa de sus servicios, lo que desata los celos de la Emperatriz Popea. Petronio critica duramente los versos del Emperador sobre el fuego y lo que consume, pero lo hace con astucia ganando la gratitud de este. Sin embargo, Nerón comienza a considerar que sus versos no son dignos porque nunca ha contemplado una ciudad arder. Ligia consigue escapar con la ayuda de una cristiana en palacio llamada Actea, que al mismo tiempo esta enamorada de Nerón y es expulsada por esto, prometiendo regresar cuando el Emperador la necesite. Vinicio descubre que Ligia es cristiana y la localiza en un encuentro liderado por el apóstol Pedro. Intentando llevársela a la fuerza, Vinicio es herido, pero atendido por Ligia y su protector Ursus. Vinicio esta a punto de rendirse ante el amor profesado por Ligia, y conoce a Pablo que visita la morada en ese momento. Sin embargo, Vinicio es incapaz de adaptarse a una vida cristiana, lo cual incluye paz sumisión y la liberación de sus esclavos. Por ello decide liberar a Ligia de su control, tras hacer pedazos la cruz de madera que cuelga de una de las paredes, sucumbiendo a la ira una vez más.
Mientras tanto, la demencia de Nerón va en progreso, y decide hacer arder la ciudad de Roma para construir una nueva y componer una epopeya sobre la destrucción. Vinicio acude al rescate de Ligia dándose cuenta de la decadencia del Imperio debido al Emperador. El pueblo desata su ira sobre Nerón, y para escapar de esta, el Emperador culpa a los cristianos del incendio, y los hace capturar, incluyendo a Ligia y su familia. Por su parte, Petronio se muestra en contra del inminente asesinato de los cristianos, y presintiendo el suyo propio decide suicidarse, acto en el que su esclava y amante Eunice le acompaña. Deja atrás una carta a Nerón expresando su verdadera opinión sobre este. Tras alertar de la situación al General Galva para que acuda tomar el control del Imperio, Vinicio intenta rescatar a la familia de Ligia y es arrestado también debido a los celos de Popea.
Saliendo de Roma en compañía de un muchacho llamado Nazario, Pedro recibe un mensaje del Señor en la Vía Apia que le insta a regresar para apoyar a los cristianos. La masacre de los cristianos comienza en el circo, donde Pedro irrumpe acusando a Nerón de ser el verdadero artífice del incendio de Roma. Pedro es llevado a prisión mientras el primer grupo de cristianos es arrojado a los leones. En prisión, Pedro casa a Ligia y Vinicio que ha comprendido el verdadero valor pacífico del cristianismo. Otro grupo de cristianos es crucificado, entre los que se encuentra Aulio Placio, que vuelve a acusar a Nerón del incendio. La actitud de los cristianos, cantando ante su muerte con alegría, comienza a hacer dudar al pueblo que acude a las masacres del circo. Por su parte Pedro es crucificado boca abajo, al señalar que morir como Jesucristo es más de lo que merece.
Popea planea su venganza en la siguiente masacre circense. Ligia es atada a un poste en la arena donde se suelta a un toro, mientras Vinicio es obligado a observar desde el placo de Nerón. Ursus recibe la oportunidad de salvarla enfrentándose al animal, y lo logra. A pesar de eso Nerón ordena la muerte de Ursus y Ligia, hecho que pone al pueblo y sus consejeros en su contra. Vinicio salta a la arena y culpa a Nerón del incendio, consiguiendo que el pueblo le crea. También anuncia la inminente llegada de Galba para hacerse con el mando del Imperio. El pueblo se indigna ante la verdad, y la innecesaria masacre de los cristianos, volviéndose contra Nerón que escapa a palacio.
Sitiado allí, Nerón estrangula a Popea culpándola de todos los desastres que han acontecido. En ese momento reaparece Actea para ayudar, tal y como prometió, al ahora solitario Emperador. Rogándole que se suicide para acabar con algo de honor. Incapaz debido a su cobardía, Nerón le pide ayuda, y Actea empuja la daga hacia el pecho de Nerón que finalmente fallece.
Al amanecer, El General Galba entra en Roma para hacerse con el mando del Imperio, pero varios romanos sospechan que este no ha sido otra cosa que el principio del fin del Imperio. Vinicio, Ligia y Ursus abandonan Roma en compañía de Nazario. Al pasar por la Vía Apia encuentran el cayado de Pedro cubierto de flores milagrosamente. El grupo se percata de que el lugar es ahora sagrado. Tras abandonar el lugar, este es cubierto por una milagrosa luz que proclama “Yo soy el camino, la verdad, y la vida”.

ESCENA
Sin duda la escena más épica de esta gran producción. Roma arde en llamas mientras el demente Nerón observa para realizar su composición.

miércoles, 13 de abril de 2011

MOULIN ROUGE

FECHA DE ESTRENO
1 de Junio de 2001
TITULO ORIGINAL
Moulin Rouge!
DIRECTOR
Baz Luhrmann
PRODUCTORES
Baz Luhrmann, Fred Baron, Martin Brown
GUION
Baz Luhrmann, Craig Pearce
REPARTO
Nicole Kidman (Satine), Ewan McGregor (Christian), Jim Broadbent (Harold Zidler), Richard Roxburgh (Duque de Monroth), John Leguizamo (Henri de Toulouse-Lautrec), Jacek Koman (Argentino Narcoleptico), Caroline O’Connor (Nini Piernas en el Aire), Garry McDonald (Doctor), Keith Robinson (Le Pétomane), Natalie Mendoza (China Doll), David Wenham (Audrey), Kiruna Stamell (Le Petite Princesse), Kylie Minoge (Hada Verde), Deobia Oparei (Le Chocolat), Linal Haft (Warner), Arthur Dignam (Padre de Christian), Carole Skinner (Landlady), Jonathan Hardy (Hombre de la Luna), Tara Morice (Prostituta)
CINEMATOGRAFÍA
Donald McAlpine
BANDA SONORA
Craig Armstrong, Marius de Vries
DISTRIBUIDA POR:
20th Century Fox
DURACIÓN
128 minutos

HENRI DE TOLOUSE-LAUTREC: “Érase una vez un chico. Un chico embrujado y muy extraño. Dicen que había llegado de muy lejos, de muy, muy lejos por tierra y por mar. Algo tímido, y de expresión triste, pero muy sabio, eso sí. Un buen día, un mágico día se cruzó en mi camino. Y mientras hablábamos de muchas cosas, de bufones y de reyes, me dijo esto: ‘Lo más grande que te puede suceder es que ames, y seas correspondido’.”

SATINE: “Yo no puedo enamorarme de nadie.”
CHRISTIAN: “¿No puedes enamorarte? Pero una vida sin amor es terrible.”
SATINE: “No, tener que estar en la calle es terrible.”
CHRISTIAN: “No, el amor es como el oxigeno.”
SATINE: “¿Qué?”
CHRISTIAN: “El amor es algo esplendoroso; el amor nos eleva a nuestra esencia; todo lo que necesitas es amor.”

CURIOSIDADES
Se trata de la tercera película de la denominada “Trilogía del Telón Rojo” de Baz Luhrmann. La primera fue “El Amor esta en el Aire” (1992) y la segunda “Romeo + Julieta” (1996). A pesar de ser considerada una trilogía las tres películas no tienen conexión en su narrativa, simplemente el uso de una técnica cinematográfica específica, y el uso del telón rojo característico de un teatro. Baz Luhrmann se inspiró a la hora de realizar la película cuando viajó con su esposa a la India para trabajar en “En el Sueño de una Noche de Verano”. Una noche salieron y al ver el póster de una producción Bollywood decidieron acudir a ver la película. La audiencia estaba compuesta de dos mil miembros, y la pareja observó que la narración contenía comedia, tragedia, números musicales, y todo esto se concentraba en cuatro horas del estilo cinematográfico denominado como Hindi. La pareja encontró que dicha mezcla era formidable, y se preguntaron su podrían crear un estilo cinematográfico similar, y que de esta forma un musical pudiera funcionar de nuevo en la cultura americana mezclando tragedia y comedia. Su proyecto actual en aquel entonces era realizar “Romeo + Julieta”, `pero decidió que el siguiente sería un musical. Dentro de la película había una obra de teatro titulada “Espectacular, Espectacular”, la cual estaba parcialmente basada en un drama Sanskrit titulado “Mṛcchakatika”. En adición a la influencia hindú, Luhrmann sacó ideas de la tragedia griega de Orfeo y Eurídice. Orfeo era un genio de la música sin rival en el mundo, y los realizadores de la película decidieron replicar este hecho haciendo uso de canciones de mediados del siglo veinte, creada décadas después del año 1899 en que se centra la narración. De esta manera el personaje de Christian destacaría como un compositor brillante. La producción comenzó en noviembre de 1999, y fue completada en mayo de 2000, con un presupuesto de cincuenta y dos millones de dólares y medio. No hubo problemas destacables en la producción a excepción de cuando Nicole Kidman dañó sus costillas en una complicada secuencia de baile. La producción también tuvo conflictos de horarios debido a que McGregor también era requerido para el rodaje de “El Ataque de los Clones”. Debido a esto, parte del rodaje en Sidney tuvo lugar en Madrid. A la hora de seleccionar las canciones, Baz Luhrmann fusionar lo que el Moulin Rouge representaba para el público de 1899, y expresar esto de una manera contemporánea. Para ello se seleccionó música popular en su mayor parte extrapolada de la denominada “Generación MTV”. Le llevó dos años a Luhrman lograr hacerse con los derechos de todas las canciones que utilizó, pero esto probó ser uno de los mayores aciertos de la película que logró enganchar al público. La banda sonora arrasó en las listas de venta, editando dos discos. Originalmente se pensó en estrenar la película en las Navidades de 2000 con la intención de que fuera una candidata a varios Oscars, pero finalmente se retrasó el estreno para que Baz Luhrmann dispusiera de más tiempo de post producción. Se estrenó en Festival de Cannes de 2001 el 9 de Mayo. Tras una breve distribución el dieciocho del mismo mes, su estreno tuvo lugar el 1 de Junio. Ya con su estreno limitado, la película fue todo un éxito de taquilla recaudando más de doscientos cincuenta mil dólares en solo dos cines en un solo una semana. Dicho éxito se extendió a nivel nacional recaudando cincuenta y siete millones de dólares en los Estados Unidos. Una vez triunfó a nivel internacional consiguiendo una recaudación total de casi ciento ochenta millones de dólares. La película recibió ocho nominaciones a los Oscars: Mejor Película, Mejor Actriz (Nicole Kidman), Mejor Cinematografía, Mejor Montaje, Mejor Maquillaje, Mejor Sonido, Mejor Dirección Artística, y Mejor Vestuario. Sin embargo solo se alzó con dos Oscars a las dos últimas mencionadas nominaciones. “Come What May” era la única canción original de la película, pero fue descalificada para los nominaciones porque originalmente había sido escrita para la anterior película de Luhrmann, “Romeo + Julieta”.

NOTA PERSONAL
La película me impresionó de una manera impactante por su trama romántica, así como su fabulosa incorporación de la música moderna. Nunca me ha sorprendido el rotundo éxito del que se vio favorecida, al que hay que atribuir también las excelentes interpretaciones de Ewan McGregor y Nicole Kidman. Me encantó el mensaje del amor como una fuerza que puede superar todos los obstáculos que la vida le depare, así como la necesidad de dicha emoción para la supervivencia del ser humano. Desde ese punto de vista me encantó el personaje de Christian, que desde su punto de vista más inocente, y extremadamente optimista, consigue vencer a los obstáculos que el personaje de Satine ha construido a su alrededor. Ewan McGregor realiza una de sus interpretaciones más seductoras y convincentes, y desde mi punto de vista se merecía una nominación a los Oscars. El personaje de Satine no se queda atrás. Tenemos el claro ejemplo de una mujer cuya dificultosa vida le ha llevado a construir y levantar muros a su alrededor, que solo la privan de la oportunidad de amar y llevar a cabo sus sueños. El personaje convence al mostrarnos como va cediendo gradualmente ante los encantos de Christian, y esto la predispone a alcanzar la felicidad, cuando realmente ha llegado su última oportunidad. Que decir de la espectacular banda sonora, que no haya probado su éxito en ventas sucesivamente. El uso de canciones modernas fue toda una idea innovadora que funcionó a la perfección convenciendo en todo momento. Cada canción encaja a la perfección con sus respectivas escenas, proporcionando momentos románticos, dramáticos y humorísticos en distintos momentos. Personalmente solo puedo dudar de la capacidad romántica de aquel que no haya logrado conmoverse con esta excelente película. Sin duda alguna, yo desearía tener el optimismo del personaje de Christian, que transmite la necesidad que tenemos los seres humanos de amar.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
En el año 1899, un joven llamado Christian se muda al distrito Montmartre de Paris con la intención de convertirse en un escritor Bohemio. Dicho distrito es considerado un antro de perdición, y allí se encuentra el Moulin Rouge, un cabaret donde los caballeros buscan el consuelo de las jóvenes que allí trabajan. Christian siempre ha tenido una intensa fe en el poder del amor, a pesar de la desaprobación de su estricto padre que siempre ha mantenido una actitud más pragmática. El joven se instala en un apartamento en frente del Moulin Rouge, donde conoce a un grupo de artistas dirigidos por Toulouse-Lautrec. Estos se hayan atascados en la creación de su nueva obra “Espectacular, Espectacular”. Gracias al talento de Christian consiguen continuar con su creación, y este se convierte en el nuevo escritor del pintoresco grupo, algo que celebran tomando una copa de absenta. Esa misma noche, el grupo se dirigen al Moulin Rouge con la intención de que su propietario, Harold Zidler acepte comprar su creación para que sea interpretada allí. Para conseguir tal fin, Toulouse planea conseguir que Christian tenga una entrevista con la cortesana estrella del Moulin Rouge, Satine. Sin embargo, en ese mismo momento, Zidler se haya reunido con el Duque de Monroth, de quien espera la financiación para convertir el Moulin Rouge en un teatro. Para conseguir tal cosa, Zidler le ofrece la compañía de Satine cuando esta interpreta un número musical. Durante este, Zidler le indica que el Duque que puede financiarles, pero Satine confunde a Christian con el susodicho. Satine sufre un pequeño desvanecimiento que Zidler no tarda en cubrir. Tras el espectáculo, Satine se recupera y recibe a Christian pensando todavía que se trata del Duque. Christian se ha prendado de la joven, y consigue impresionarle con su poesía y música. Sin embargo, cuando Satine declara haberse enamorado de un Duque, este le hace ver que se trata de un simple escritor de Toulouse, que ha espiado la escena con el resto del grupo. En ese momento llega el Duque que no tarda en descubrir a Christian en la habitación de Satine. El grupo entra para hacerle creer que se encontraban ensayando la obra “Espectacular, Espectacular”. El Duque se muestra interesado por la trama que Christian improvisa. Se tratará de la historia de amor de una cortesana en la India con un pobre músico que toda el sitar. Dicha historia se verá amenazada por un malvado Maharajá que también codicia a la cortesana, pero el amor triunfará. El Duque accede a financiar la obra con la condición de obtener a Satine. Más tarde, Christian vuelve a visitar a Satine declarando su amor hacia ella. Esta se muestra reticente debido a su condición de cortesana, pero termina por ceder y admitir sus sentimientos. A partir de ese momento, la joven pareja comienza a verse a espaldas del Duque a medida que la compañía prepara la obra de teatro. Cuando el Duque se muestra más presente, Christian y Satine se excusan con la necesidad de ensayar el dialogo de la muchacha y revisar el texto constantemente. Para asegurar su financiación, el Duque se hace también con los papeles del Moulin Rouge y demanda que Satine este presente en una cena esa misma noche. Sin embargo, Satine enferma y comienza a toser sangre, con lo que le es imposible acudir. Zidler la excusa ante el Duque asegurando que Satine ha acudido a confesarse por sus pecadas, pues deseaba sentirse de nuevo virgen antes de entregarse al Duque. De regreso, Zidler es informado por el médico de que Satine esta muriéndose de tuberculosis. Satine se muestra preocupada por los crecientes celos del Duque, y le comenta a Christian que deben poner fin a su relación. Este la convence para que se eche atrás componiéndole la canción “Come What May”. Sin embargo, una cabaretera celosa le insinúa al Duque lo que esta pasando con la pareja, por lo que este exige que el final de la obra cambie y la cortesana termine con el malvado maharajá. Satine se ofrece para discutirlo durante una cena juntos, en la que planea ofrecerse al Duque para evitar la ruina de la función. Sin embargo, la joven no logra llevar esto a cabo, y sufre un intento de violación por el Duque. Un compañero la rescata y la joven planea fugarse con Christian para evitar la ira del Duque. Por su parte, el Duque advierte a Zidler que acabará con la vida de Christian, si Satine no es suya. Zidler comunica lo ocurrido a Satine, y también la hace saber que esta muriendo, logrando convencerla para que mientra a Christian diciéndole que no le ama, y que así el joven se vaya salvando su vida. Esto sume a Christian en una depresión, y en su intento de hablar con la joven en Moulin Rouge, termina con su expulsión a manos de los hombres del Duque. En la noche del estreno, Christian consigue infiltrarse en el Moulin Rouge enfrentándose a Satine para pagarle por “los servicios prestados”. En ese momento el telón sube, y Zidler excusa la presencia del joven haciendo creer a la audiencia que se trata del músico del sitar que ha cambiado de apariencia. A punto de marcharse, Satine canta la canción que le compuso declarando que aún le quiere, y la pareja se reconcilia en escena reestableciendo el final original de la obra. El guardaespaldas del Duque intenta acabar con la vida de Christian, pero Toulouse-Lautrec se lo impide, y el revolver sale disparado hacia la audiencia. El Duque lo recoge e intenta matar a Christian, pero es el propio Zidler el que le detiene de un puñetazo, ante lo que el arrogante hombre abandona el teatro. La obra culmina con una gran ovación, pero cuando el telón cae Satine sucumbe a su enfermedad. Antes de morir, le pide a Christian que siga adelante con sus escritos y su vida. Christian rompe a llorar ante la muerte de su amada ante la mirada del resto del reparto. Un año después el Moulin Rouge ha cerrado sus puertas, y Christian culmina su obra, la historia de su relación con Satine, “Un Amor que Vivirá Para Siempre”.

ESCENA
Sin duda mi canción favorita de la película, la mezcla declaratoria de Christian a Satine en el Elefante del Moulin Rouge.

jueves, 7 de abril de 2011

LA AMENAZA FANTASMA

FECHA DE ESTRENO
19 de Mayo de 1999
TITULO ORIGINAL
The Phantom Menace
DIRECTOR
George Lucas
PRODUCTORES
Rick McCallun, George Lucas
GUION
George Lucas
REPARTO
Liam Neeson (Qui-Gon Jinn), Ewan McGregor (Obi-Wan Kenobi), Natalie Portman (Reina Padmé Amidala), Jake Lloyd (Anakin Skywalker), Ian McDiarmid (Senador Palpatine / Darth Sidious), Ahmed Best (Jar Jar Binks), Pernilla August (Shmi Skywalker), Ray Park (Darth Maul), Anthony Daniels (C-3PO), Kenny Baker (R2-D2), Silas Carson (Nute Gunray), Hugh Quarshie (Capitán Panaka), Andy Secombe (Watto), Lewis MacLeod (Sebulba), Frank Oz (Yoda), Samuel L Jackson (Mace Windu), Terence Stamp (Canciller Finis Valorum), Brian Blessed (Boss Nass), Keira Knightley (Sabé)
CINEMATOGRAFÍA
David Tattersall
BANDA SONORA
John Williams
DISTRIBUIDA POR:
20th Century Fox
DURACIÓN
133 minutos
SUCEDIDA POR:
El Ataque de los Clones

YODA: “¿Cómo te sientes?”
ANAKIN SKYWALKER: “Frío señor.”
YODA: “¿Miedo tienes?”
ANAKIN SKYWALKER: “No señor.”
YODA: “Ver a través de ti podemos.”
MACE WINDU: “Concéntrate en tus sentimientos.”
KI-ADI-MUNDI: “Tus pensamientos se centran en tu madre.”
ANAKIN SKYWALKER: “La echo de menos.”
YODA: “Miedo de perderla, creo.”
ANAKIN SKYWALKER: “¿Qué tiene que ver eso con todo lo demás?”
YODA: “Absolutamente todo. El miedo es el camino hacia el lado oscuro. El miedo lleva a la ira, la ira lleva al odio, el odio lleva al sufrimiento. Percibo mucho miedo en ti.”

MACE WINDU: “No cabe duda, el misterioso guerrero era un Sith.”
YODA: “Siempre dos están, ni más ni menos. Un maestro y un aprendiz.”
MACE WINDU: “¿Quién ha sido destruido, el maestro o el aprendiz?”

CURIOSIDADES
Durante el proceso de escribir “La Guerra de las Galaxias” (1977), George Lucas declaró que se había dado cuenta de que la complejidad de la historia era demasiado extensa para que ocupara una sola película. Lo que fue la primera película de la saga pasó a convertirse en el episodio cuarto de la saga. Al comenzar a escribir “El Imperio Contraataca”, Lucas consideró llevar la película en direcciones completamente diferentes. De esta forma convirtió a Darth Vader en el padre del héroe Luke Skywalker, y desarrolló una historia de apoyo que mostraba como Vader había sido el caballero Jedi Anakin Skywalker, y su caída en el lado oscuro de la Fuerza. Con esta nueva historia de apoyo, Lucas terminaría desarrollando la conocida como segunda trilogía. Sin embargo al terminar con la tercera entrega “El Retorno del Jedi”, Lucas abandonó la idea. Tras perder parte de su fortuna en su divorcio de 1987, George Lucas perdió el interés en regresar a “Star Wars”, pero ya que había desarrollado la mayor parte de su historia de apoyo, la idea de las precuelas nunca le abandonó del todo. A principios de la década de 1990, Lucas observó como su saga renovaba su popularidad tras la publicación de una trilogía de novelas, escritas por Timothy Zahn, que continuaba los hechos narrados en “El Retorno del Jedi”, así como gracias a los cómics publicados por Dark Horse. Esto le hizo ver que el interés por la segunda trilogía estaba subiendo, y con la aparición de efectos especiales generados por ordenador, George Lucas decidió regresar a la saga. Comenzó a revisar la historia decidiendo que Anakin Skywalker sería su nuevo protagonista en lugar de Obi-Wan Kenobi, y que la nueva trilogía sería una tragedia examinando la caída de Anakin en el lado oscuro. De esta manera las seis películas se convertirían en una saga que mostraría la vida de Anakin desde su niñez hasta su muerte. Originalmente el titulo del Episodio I iba a ser “El Comienzo”, pero pasó a titularse “La Amenaza Fantasma” haciendo referencia a Palpatine, futuro Emperador, ocultando su verdadera identidad de Lord Sith tras la fachada de un Senador supuestamente trabajando para la sociedad. El coordinador de especialistas Nick Gillard fue contratado para crear nuevos estilos de lucha Jedi para la nueva trilogía, y este fusionó los estilos de lucha conocidos como kendo y kenjutsu con otras técnicas como los movimientos encontrados en el tenis, o en la tala de árboles. Lucas decidió convertir a la Orden Jedi en negociadores, que con el tiempo se verían obligados a convertirse en soldados tras una serie de manipulaciones. El vestuario de los habitantes de la galaxia sería más elaborado para mostrar una época en la que la diversidad era tolerada. El rodaje comenzó en junio de 1997 y finalizó en Septiembre del mismo año. Tuvo lugar en el Desierto de Túnez para las escenas de Tatooine, y en el Palacio Caserta de Italia para las escenas de Naboo. El estilo de crear miniaturas para los efectos especiales se desarrolló incorporando imágenes generadas por ordenador. El resultado mezcló antiguas técnicas con otras más nuevas. Considerando los problemas que R2-D2 había creado en la trilogía original, Lucas hizo que dos compañías distintas cooperasen para crear el nuevo modelo. Nueve modelos de R2-D2 fueron creados, de los cuales uno fue para que de nuevo fuera operado por Kenny Baker. Un estudio británico creó un R2 neumático que podía cambiar de poseer dos a tres piernas, y que fue utilizado en Túnez. La Carrera de Vainas fue inspirada en una de las escenas favoritas de George Lucas en la historia del cine, la Carrera de Cuadrigas de la película “Ben-Hur”. Toda la carrera fue creada por efectos generados por ordenador, a excepción de los planos de Jake Lloyd utilizando su vaina. John Williams pasó a encargarse de la banda sonora una vez más, y esta ocasión decidió emplear más instrumentos electrónicos como sintetizadores para incrementar el sonido y crear una atmósfera de misticismo y magia que una orquestra no podría conseguir por si sola. Al crear la música de Anakin, Williams intentó mostrar la inocencia de su juventud así como la premonición de que terminaría convirtiéndose en Darth Vader. La película fue nominada a los Oscars por Mejor Efectos Sonoros, Mejor Efectos Visuales, y Mejor Sonido. Sin embargo, perdió las tres candidaturas contra “Matrix” (1999).

NOTA PERSONAL
Dieciséis años después de la trilogía original, llegó esta nueva tan llena de controversia. Señalo esos dieciséis años, porque son mi argumento a favor de la nueva trilogía. Con esto no quiero obviar que esta no estuviera carente de fallos, pero considero que parte de mi generación se ha podido ver defraudada por la nueva trilogía, porque precisamente dieciséis años después ya no éramos los niños que vimos la saga original. Es inevitable que la percepción cambie, y que no percibamos las cosas de igual forma. De hecho recuerdo cuando vi “La Amenaza Fantasma por primera vez en el cine. La disfrute mucho a pesar de percibir determinados en continuidad, pero recuerdo a un niño que veía la película sentado delante de mi con la misma cara de asombro que yo vi la primera trilogía a su edad. Creo que ahí radica el problema. El niño se reía con Jar Jar Binks mientras que a mi me parecía más bien irritante, y percibía otras cosas de manera diferente. Particularmente hay un personaje que me pareció elaborado de una forma magistral en esta segunda trilogía. Este no es otro que Palpatine, ya que si hay algo que la trilogía muestra a la perfección es la debilidad de un sistema político que un abrir y cerrar de ojos puede terminar convirtiéndose en una dictadura. Palpatine se nos presenta como un villano experto en la manipulación de acontecimientos a su favor, pero sobre todo con una virtud inusual en un villano, la de la paciencia. No se apresura, sabe esperar al momento adecuado y permite que el tiempo deje que determinados acontecimientos den los resultados requeridos. Añadido a esto, Ian McDiarmid realiza una espectacular interpretación que hace de este desarrollo este dotado de gran credibilidad. En general debo admitir, que a pesar de determinados fallos inevitables, disfruté mucho de esta película, a pesar de no ser ya un niño.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
La Republica Galáctica se encuentra en periodo de declive debido a la corrupta burocracia y sus problemas económicos. Como respuesta a nuevos impuestos en las rutas de comercio, la Federación de Comercio organiza un bloqueo con sus naves de guerra alrededor del Planeta Naboo. Con la intención de resolver el problema, el Canciller Supremo Valorum envía a dos Jedi, el Caballero Qui-Gon Jinn y su aprendiz Obi-Wan Kenobi para que negocien con el Virrey de la Federación, Nute Gunray. Sin embargo, los Jedi ignoran que la Federación de Comercio se ha aliado con el Lord Sith Darth Sidious, que les ordena que asesinen a los dos Jedi, y procedan a invadir Naboo con sus droides de combate. Sidious les hace ver que convertirá esta invasión en legal, lo que da a entender que esta manipulando al Senado de la Republica. Los dos Jedi logran evitar su muerte, y se infiltran en una de las naves de la invasión, descendiendo hasta el Planeta Naboo. Allí, Qui-Gon salva la vida de un gungan exiliado llamado Jar Jar Binks cuando esta a punto de ser aplastado por un tanque de combate de la Federación. En deuda con los dos Jedi, Jar Jar accede a llevarlos a la ciudad gungan de Otoh Gunga, donde intentan reclutar la ayuda de sus habitantes para ayudar a la gente de Naboo. Sin embargo, las dos especies residentes de Naboo no se llevan bien, y los gungan rechazan ayudar, aunque entregan una nave submarina para que Qui-Gon y Obi-Wan puedan llegar a la Capital Theed de la superficie. Jar Jar es obligado a acompañarles para que pueda pagar su deuda con ellos. Mientras tanto, las fuerzas de la Federación han invadido Theed y la Reina Amidala ha sido capturada. Nute Gunray ha de obligar a la Reina a que firme un tratado que justifique la invasión para presentarlo ante el senado. Qui-Gon y Obi-Wan rescatan a la Reina y su sequito, y acompañados por el Capitán Tanaka escapan en su nave personal, eludiendo el bloqueo gracias a la ayuda de un pequeño droide llamado R2-D2. Sin embargo, la nave resulta dañada y se ve obligada a aterrizar en el planeta desértico Tatooine para realizar las necesarias reparaciones. Qui-Gon se dirige a la ciudad de Mos Espa en compañía de Jar Jar y R2-D2 para conseguir las nuevas piezas que requieren. Por orden de la Reina, la asistente de esta, Padmé les acompaña para conocer más acerca del planeta. Allí conocen a un joven esclavo llamado Anakin Skywalker, que trabaja para Watto, que posee una tienda de piezas de recambio. Sin embargo, Watto no acepta créditos de la Republica, y Qui-Gon fracasa en su intento de utilizar la Fuerza para convencerle. Anakin invita al grupo a pasar una inminente tormenta de arena en su casa, donde conocen a su madre, Shmi Skywalker. Anakin también les muestra el droide de protocolo que esta construyendo, C-3PO. Cuando Shmi declara que no existe padre para Anakin, pero que simplemente quedó embarazada de él, Qui-Gon sospecha que Anakin puede ser el Elegido para traer equilibrio a la Fuerza, según una profecía. También siente que la Fuerza es intensa en el joven, y envía una muestra de sangre a Obi-Wan que detecta un nivel de midiclorianos que supera a los del venerable Maestro Yoda. Por su parte, Sidious se entera de la fuga de la Reina y envía a su aprendiz Darth Maul a Tatooine para encontrarla. Qui-Gon descubre que Anakin es aficionado a las peligrosas Carreras de Vainas, y apuesta con Watto para introducir al joven en una inminente carrera. Si el joven gana, será liberado. Anakin consigue ganar la carrera comenzando a mostrar sus habilidades como piloto así como su uso de la Fuerza. Anakin es liberado y se ve forzado a dejar atrás a su madre, cuya liberación Qui-Gon no ha conseguido negociar. Antes de partir, Qui-Gon es atacado por Darth Maul, pero logra escapar tras una breve batalla, y la nave abandona el planeta. Durante el viaje se crean lazos afectivos entre Padmé y Anakin. El grupo llega al planeta capital de la Republica Coruscant. Allí, Qui-Gon se presenta ante el Consejo Jedi donde solicita que pongan a prueba a Anakin para que este se convierta en aprendiz. El Consejo somete el joven a pruebas, y detecta la intensidad de la fuerza en él, pero deniega su instrucción al considerar que es demasiado mayor, y que su dependencia de su madre le pone en peligro de caer en el lado oscuro de la Fuerza. En el senado, la Reina Amidala y el Senador Palpatine observan como se crea una investigación para averiguar lo ocurrido y se retrasa toda acción para retrasar la liberación de Naboo. Manipulada por el Senador Palpatine, la Reina declara una moción de censura contra el Canciller Valorum para que un nuevo Canciller surja que les ayude. El propio Senador Palpatine recibe una nominación, pero la Reina decide regresar a Naboo para liberar a su gente. Qui-Gon y Obi-Wan son asignados por el consejo para acompañar y protegerla, así como para determinar el posible retorno de los Sith. Anakin les acompaña también. De regreso en Naboo, el grupo intenta convencer a los gungan de nuevo para que les ayuden. La ciudad ha sido atacada y estos se han refugiado en un bosque. Padmé logra obtener su colaboración tras revelar que ella es la Reina, y que ha estado utilizando un señuelo hasta el momento para asegurar su seguridad. Su humildad consigue una alianza con los gungan que atraerán a los droides de la Federación a campo abierto, mientras el grupo retoma la ciudad y envía sus cazas a acabar con la única nave que queda del bloqueo, y cuya destrucción desactivará todos los droides. Jar Jar lidera a los gungan, que eventualmente son derrotados por los droides. El grupo llega a Theed, donde logran que los cazas salgan para atacar la nave de control en órbita, que resulta tener unas defensas formidables. Obi-Wan y Qui-Gon se enfrentan a Darth Maul, que asesina al segundo y pone al primero contra las cuerdas. Por su parte, Anakin se refugia en la cabina de un caza que termina lanzándose al ataque de la nave en orbita y entrando en su interior, donde queda temporalmente inutilizada. Padmé consigue capturar a al Virrey obligándole a firmar un nuevo tratado. Anakin reactiva su caza y dispara sobre generadores internos de la nave en orbita, provocando una explosión interna que la destruye y desactiva los droides en el planeta. Obi-Wan consigue acabar con la vida de Darth Maul, y promete entrenar a Anakin. El Senador Palpatine regresa a Theed tras haber sido elegido nuevo Canciller Supremo. Tras el funeral de Qui-Gon, Yoda y el Maestro Mace Windu se muestran preocupados por el regreso de los Sith. Obi-Wan es nombrado Caballero Jedi, y se le permite tomar a Anakin como su aprendiz a regañadientes. Tras una ceremonia de celebración, la Reina Amidala declara la paz y perpetua alianza con los gungan.

ESCENA
Aquí enlazo el formidable montaje resumen de la película realizado por el usuario “Claalc”.