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miércoles, 30 de enero de 2013

ALIEN RESURRECCION

FECHA DE ESTRENO
26 de Noviembre de 1997
TITULO ORIGINAL
Alien Resurrection
DIRECTOR
Jean-Pierre Jeunet
PRODUCTORES
Gordon Carroll, David Giler, Walter Hill, Bill Badalato
GUION
Joss Whedon
REPARTO
Sigourney Weaver (Ellen Ripley), Winona Ryder (Annalee Call), Dominique Pinon (Vriess), Ron Perlman (Johner), Gary Dourdan (Christie), Michael Wincott (Frank Elgyn), Kim Flowers (Sabra Hillard), Dan Hedaya (General Perez), J.E. Freeman (Doctor Wren), Brad Dourif (Doctor Gediman), Raymond Cruz (DiStefano), Leland Orser (Purvis), Carolyn Campbell (Doctora Williamson), David St. James (Doctor Sprague), Tom Woodruff Junior (Alien)
CINEMATOGRAFÍA
Darius Khondji
BANDA SONORA
John Frizzell
DISTRIBUIDA POR:
20th Century Fox
DURACIÓN
109 minutos
PRECEDIDA POR:
SUCEDIDA POR:

PURVIS: “¿Qué es lo que llevo dentro?”
ANNALLEE CALL: “No podemos abandonarle aquí.”
CHRISTIE: “¿No habías venido para evitar que se extendieran?”
ANNALLEE CALL: “Eso debe tener un proceso. ¿No se puede detener?”
DOCTOR WREN: “Aquí no puedo. El laboratorio no funciona.”
PURVIS: “¿Qué tengo dentro?”
CHRISTIE: “Me lo cargaré, en la nuca. Sin dolor, puede ser lo mejor.”
PURVIS: “¿Qué es lo que llevo dentro?”
SABRA HILLARD: “Tiene que haber otra manera.”
PURVIS: “¿Qué demonios llevo dentro?”
ELLEN RIPLEY: “Tiene un monstruo en el pecho. Estos hombres secuestraron su nave y vendieron los tubos criogénicos a un humano, que le metió un alienígena dentro, un ser espantoso. Dentro de unas horas, le reventará la placa torácica para salir y usted morirá. ¿Alguna pregunta?”
PURVIS: “¿Quién es usted?”
ELLEN RIPLEY: “Soy la madre del monstruo.”

CURIOSIDADES
Impresionados con su trabajo como guionista, la 20th Century Fox contrató a Joss Whedon para escribir el guion de la cuarta entrega de la saga “Alien”. El guion inicial de Whedon incluía un tercer acto en la Tierra, que narraba una batalla final por la supervivencia del planeta. De hecho, Whedon había escrito cinco versiones de ese acto final, aunque ninguna de ellas terminó por formar parte de la película.
Inicialmente, el estudio había tenido la idea de que la película se centrara alrededor de un clon de la fallecida Newt, ya que Ellen Ripley ya había fallecido en la anterior entrega. Whedon creó un borrador de treinta paginas tratando con esta idea, pero aunque el estudio quedó impresionado decidió que la historia se centrara en un clon de Ripley, quien consideraban era el ancla de la saga. Whedon tuvo que rescribir el guio para traer de vuelta a Ripley, una tarea que consideró extremadamente difícil. 
La idea de la clonación surgió de los productores David Giler y Walter Hill, quienes se oponían a la producción de esta cuarta película al pensar que acabaría por arruinar la franquicia.
Sigourney Weaver había deseado acabar con el personaje de Ripley en la tercera parte, para evitar que el personaje acabara volviéndose ridículo, constantemente luchando contra monstruo. En aquel entonces, ya se estaba considerando la idea de realizar “Alien vs Predator”, por lo que Weaver había insistido en matar a Ripley, ya que el concepto de esa película le parecía espantoso. Sin embargo, Weaver quedó impresionada con el guion de Whedon. La actriz tuvo la idea de que el proceso de clonación de Ripley no saliera del todo bien, lo que le daría la oportunidad de explorar más a fondo su personaje, que quedaría convertido en mitad alien mitad humana, sin que quedara demasiado claro a quien permanecía leal. Esto supuso un concepto muy interesante para Weaver, quien consideró que la película devolvía el espíritu de las dos primeras. Por ello, decidió participar con un sueldo de once millones de dólares.
La primera elección de los productores para dirigir la película fue Danny Boyle, quien había triunfado con “Trainspotting”. Boyle y su productor se reunieron con los supervisores de efectos especiales para discutir sobre la película, pero Boyle terminó por rechazar el proyecto, que no le acababa de interesar. Peter Jackson también recibió la oferta de dirigir la película, y también la rechazó al no considerarla excitante. Tras el éxito de “Los Sospechosos Habituales”, 20th Century Fox intentó reclutar a Bryan Singer como director, pero este también lo rechazó. Fue entonces cuando los productores le ofrecieron el puesto a Jean-Pierre Jeunet, ya que estos consideraban que tenía un estilo visual único. Jeunet acaba de completar el guion de “Amélie”, y quedó sorprendido con la oferta, ya que pensaba que la franquicia había finalizado con “Alien 3”, y consideraba que realizar una cuarta parte era una mala idea. Sin embargo, Jeunet aceptó dirigir la película, que contaba con un presupuesto de setenta millones  de dólares. Necesitó un traductor, ya que cuando el rodaje comenzó apenas hablaba inglés.
Fue idea de Jeunet el contratar al supervisor de efectos especiales Pitof, y al cinematógrafo Darius Khondji, ya que había trabajado con ambos en la película “La Ciudad de los Niños Perdidos”. Como referencia, Jeunet y su equipo volvieron a ver las tres películas anteriores, así como los recientes éxitos de ciencia ficción. También adquirieron los informes de producción de las anteriores películas de la saga para estudiar la preparación de las cámaras. Se le cedió a Jeunet el control creativo, y contribuyó con varios elementos para el guion, incluyendo cinco finales diferentes de los que terminó por descartar los más caros. También optó por darle a la película un toque de comedia oscura, y se le animó a incluir más violencia.
La película fue rodada en los estudios de Fox en Los Ángeles, California, desde octubre de 1996 a Febrero de 1997. Jeunet tuvo dificultades para hacerse con espacio en el estudio debido a que se estaban rodando futuros éxitos como “Titanic”, “Starship Troopers” y “Jurassic Park: El Mundo Perdido”. 
La cuarta entrega de la franquicia de Alien fue la primera rodada fuera de Inglaterra. Dicha decisión recayó en Weaver, que consideraba que los horarios de viajes de las anteriores entregas habían dejado al equipo agotado. La primera escena que se rodó fue la de la persecución de los Aliens bajo el agua, para el que se construyó un tanque de 36 por cuarenta y cinco metros, de una profundidad de cuatro metros y medio. Se optó por esto, pues la idea inicial de trasladar al equipo a una instalación de San Diego era demasiado cara. Debido a las características de dicha escena, ser un buen nadador era un requisito para todo el equipo y reparto. El reparto se entrenó en piscinas de Los Ángeles con buceadores profesionales, para aprender  utilizar el equipo. Pasaron doce semanas y media adicionales entrenándose con el especialista Ernie Orsatti, y el cinematógrafo Peter Roman, especializado en rodajes bajo el agua. Winona Ryder se enfrentó a las mayores dificultades, ya que a la edad de doce años había estado a punto de ahogarse.La película tuvo una gran acogida a nivel internacional, pero en Norteamérica fue la película que menos recaudó de toda la saga.

NOTA PERSONAL
Me acuerdo perfectamente del día en que fui a ver esta película al cine, y de cómo fue muy duramente criticada por los espectadores. A mí personalmente me gustó mucho, ya que siempre me había parecido que cuanto más Aliens mejor era la acción. De hecho la tercera película de la saga me había parecido malísima, y me pareció que esta película estaba muy por encima de su predecesora.
Me encanto la evolución del personaje de Ripley como clon, y esa ambigüedad acerca de su naturaleza a lo largo de la película. Hay escenas que me parecieron simplemente formidables, como la de Ripley descubriendo sus clones defectuosos, la persecución bajo el agua, o el parto de la Reina, quien da luz al hibrido.
A mí me pareció que la película tenía un ritmo trepidante, logrando enganchar mi atención en todo momento. El enfoque visual de Jeunet también me pareció de lo más acertado, y agradecí que incluyera a actores con los que estaba acostumbrado a trabajar, ya que encajaban muy bien en su visión. 
Incluso el personaje del androide, interpretada por Winona Ryder, me pareció bastante logrado. También me pareció logrado el caos inicial que se desata en la nave cuando los Aliens son liberados.
Lo único que siempre he lamentado ha sido que no expandieran el conflicto de los Aliens en la Tierra. Sin embargo, he disfrutado de las dos películas de “Alien vs Predator”, que aunque si tenían lugar en la Tierra era en nuestro presente y no el futuro. Aunque quien sabe, quizás tengamos suerte y esto sea algo que podamos terminar por ver en un futuro.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
Doscientos años después de la muerte de Ellen Ripley, científicos militares a bordo de la nave espacial Auriga, consiguen crear un clon de la mujer, utilizando en ADN de muestras de sangre que se le habían tomado antes de morir, en el planeta prisión. 
Una vez logrado, los científicos extraen con éxito el embrión de la Reina Alien que había estado creciendo dentro de Ripley antes de que muriera. En vista de que el clon de Ripley sigue vivo, los científicos deciden conservarla para estudiarla. La Reina Alien madura poniendo huevos que son recopilados por los científicos para ser usados en un futuro. Por otro lado Ripley ha desarrollado una fuerza sobrehumana, grandes reflejos y acido por sangre, como resultado de que su ADN ha sido mezclado con el del Alien en el proceso de clonación. Ripley también desarrolla un vínculo telepático con los Aliens, y asegura a los científicos, que continúan manteniéndola bajo observación, que todos acabaran por morir.
A la nave Auriga llegan un grupo de mercenarios a bordo de la suya, la nave Betty, entregando a varios seres humanos que han secuestrado de una nave cuando se encontraban en estado de animación suspendida. Dichos humanos son usados por los científicos como víctimas de los abrazacaras procedentes de los huevos de la Reina. 
A la espera de ser pagados por la entrega, los mercenarios permanecen en el Auriga, donde conocen a Ripley, que les humilla con sus grandes habilidades físicas durante un partido de baloncesto. Entre los mercenarios se encuentra Call, quien se ha unido a la banda al descubrir el plan de los científicos, y pretende matar a Ripley antes de que la utilicen para recrear a los Aliens. Al visitarla en la celda, Call descubre que ha llegado demasiado tarde.
La mayoría de los Aliens comienzan a emerger de los cuerpos de sus anfitriones y crecen rápidamente. Encerrados en celdas, sacrifican a uno de los suyos para que su sangre de ácido abra una brecha en dichas celdas, logrando escapar. Cuando los científicos militares descubren a Call, los mercenarios se ven obligados a abrir su paso a fuerza de armas para escapar. En ese momento, los Aliens comienzan a crear estragos en la nave, y matan al líder de los mercenarios. El científico Doctor Wren revela a los mercenarios que la nave ha adoptado el plan de emergencia, siendo dirigida por piloto automático a la Tierra. 
Percatándose de que esto liberara a los Aliens en la Tierra, Ripley, los mercenarios, un marine llamado DiStefano, y no de los anfitriones de un embrión, llamado Purvis, intentan llegar a la Betty para escapar.
A medida que el grupo avanza por la dañada nave para escapar, las bajas comienzan a tener lugar entre los mercenarios. Ripley también descubre una sala, con proyectos fallidos de su clonación, la cual destruye enfurecida. El equipo se ve obligado a bucear por una zona inundada, perseguidos por Aliens que les conducen a una zona llena de huevos. Allí, Wren traiciona al resto, disparando sobre Call. La joven sobrevive, y los supervivientes descubren que Call es un androide, en este caso programado para comportarse y sentir como un ser humano.
Call realiza un interfaz con la nave Auriga poniéndola en una ruta de colisión con la Tierra, que destruya a los Aliens. A punto de llegar a la nave Betty, Ripley cae a través de una rejilla, y es conducida por los Aliens hasta la Reina. 
Esta también ha adquirido habilidades humanas del ADN de Ripley, y ha logrado quedar embarazada sin necesidad de poner huevos. Ripley observa como de dicho embarazo surge un hibrido monstruoso, que destruye a la Reina, y reconoce a Ripley como su madre. Ripley logra escapar hacia la nave.
Mientras tanto, los escasos supervivientes llegan a la Nave Betty, donde Wren les está esperando armado, exigiendo que Call aborte la destrucción del Auriga. Purvis nota como el embrión está listo a salir a través de su pecho, y coloca la cabeza de Wren junto a este. El embrión surge matando a Purvis, y acabando con la vida de Wren, atravesando su cabeza, tras lo cual es eliminado por el resto de los mercenarios que han logrado sobrevivir.
Ripley llega a la Nave, que despega del Auriga. Sin embargo, una de las puertas no ha quedado bien cerrada. 
DiStefano acude a investigar, y descubre al hibrido, que también ha embarcado y le asesina. El hibrido procede a atacar a Call, hasta que Ripley llega logrando calmar a la criatura. Ripley se corta la mano voluntariamente con los dientes de la criatura, y hace uso de su sangre de ácido para abrir un agujero a través de una ventana. El vacío del espacio absorbe al hibrido destruyéndolo, mientras la nave Auriga explosiona acabando a los Aliens a bordo. Los supervivientes llegan a la Tierra, donde Call confiesa que nunca ha estado. Ripley, siendo un clon de la original, también confiesa que es la primera vez que visita la Tierra.

ESCENA
Pues de nuevo, a falta de escenas en “youtube” (que a este paso tendrá que cerrar) dejo el tráiler de la película, con subtítulos en español
 

miércoles, 23 de enero de 2013

101 DALMATAS

FECHA DE ESTRENO
25 de Enero de 1961
TITULO ORIGINAL
One Hundred and One Dalmatians
DIRECTORES
Clyde Geromini, Hamilton Luske, Wolfgang Reitherman
PRODUCTOR
Walt Disney
GUION
Bill Peet
Basado en la novela de Dodie Smith
REPARTO (VOCES)
Rod Taylor (Pongo), Cate Bauer (Perdita), Betty Lou Gerson (Cruella De Vil, Señorita Birdwell), Ben Wright (Roger Radcliffe), Lisa Davis (Anita Radcliffe), Martha Wentworth (Nanny, Queenie, Lucy), Frederick Worlock (Horacio Badun, Inspector Craven), J. Pat O’Malley (Gaspar Badun, Coronel), Thurl Ravenscroft (Capitán), David Frankham (Sargento Tibbs), Barbara Baird (Rolly), Mickey Maga (Parche), Sandra Abbott (Penny), Mimi Gibson (Lucky), Tom Conway (Collie, Quizmaster)
CINEMATOGRAFÍA
Inaplicable
BANDA SONORA
George Bruns, Mel Leven
DISTRIBUIDA POR:
Buena Vista Pictures
DURACIÓN
79 minutos
CLASICO ANTERIOR
CLASICO SIGUIENTE

ROGER RADCLIFFE: “Cruella De Vil, Cruella De Vil, es todo un espanto, Cruella De Vil.”
ANITA RADCLIFFE: “No te hagas el chistoso.”
ROGER RADCLIFFE: “La carne de gallina te pondrá, Cruella, Cruella. La Dama Araña bien podría ser de un circo o de un vodevil.”

CRUELLA DE VIL: “¿Qué no entienden ustedes? Esta noche.”
GASPAR BADUN: “Todavía están muy chicos.”
HORACIO BADUN: “No le saldrían ni una docena de abrigos de todos los perritos.”
GENERAL: “¡Abrigos de las pieles de los dálmatas!”
CRUELLA DE VIL: “Entonces con media docena me conformo. La policía ya anda cerca, y por eso tiene que ser esta noche.”
GASPAR BADUN: “¿Y cómo lo vamos a hacer?”
CRUELLA DE VIL: “Como ustedes quieran, con veneno, ahóguenlos o rómpanles el cráneo. ¿Tienen cloroformo?”
HORACIO BADUN: “Ni gota.”
GASPAR BADUN: “Ni éter también.”
HORACIO BADUN: “Tampoco.”
CRUELLA DE VIL: “No me importa como los maten pero háganlo ahora mismo.”

CURIOSIDADES
Se trata del décimo séptimo clásico animado de Disney. En 1956, Dodie Smith escribió un libro titulado “101 Dálmatas”. Cuando Walt Disney leyó el libro en 1957, este llamó su atención de forma inmediata, y no tardó en hacerse con los derechos, ya que Smith siempre había deseado en secreto, que Disney convirtiera su libro en película. Disney le encargó a Bill Peet que escribiera la historia, siendo esta le primera vez que una película de Disney contaba con un único guionista. Aunque Walt Disney no había estado tan involucrado en la producción de películas animadas como en años previos, siempre estuvo presenta durante las reuniones acerca de dicha producción. 
Sin embargo, Walt Disney quedó tan satisfecho con el primer borrador de Peet, considerándolo perfecto, que ya no tuvo demasiada participación en la película. Por su parte, Bill Peet le envió a Dodie Smith algunos dibujos de los personajes, y esta le escribió indicándole que de hecho había logrado mejorar la historia, y que los dibujos superaban las ilustraciones del libro.
Después de que “La Bella Durmiente”, extremadamente cara, fracasara en taquilla, se desató un debate sobre si se debía cerrad el departamento de animación del estudio Disney. De hecho durante la producción de “La Bella Durmiente”, Walt le había comunicado al animador Eric Larson su temor de estar seguro de poder continuar, debido a los altos costes. A pesar de dichos temores, Disney aún tenía un profundo cariño hacia la animación, ya que había construido su compañía sobre dicho estilo.
Ub Iwerks, al mando de los procesos especiales del estudio, había estado experimentando con fotografía Xerox para que ayudara en el proceso de animación. 
En el año 1959, ya había modificado una cámara Xerox para transferir los dibujos de los animadores directamente a células de animación, eliminando el proceso de entintado, lo que ahorraba tiempo y dinero, pero preservando la espontaneidad de los elementos dibujados. Sin embargo, debido a las limitaciones de la tecnología de entonces, Xerox era incapaz de desviarse de una definición borrosa, y carecía de la elegante cualidad del entintado a mano. Debido a que el estudio ya no podía permitirse el caro proceso de entintado, se cerró el departamento de entintado, lo que resultó en una reducción de personal de animación de más de quinientas personas a menos de cien.
Sin embargo, uno de los beneficios del Xerox resultó en que era una gran ayuda a la hora de animar a los dálmatas. De acuerdo a Chuck Jones, Disney fue capaz de realizar la película por la mitad del coste que hubiera resultado de tener que haber animado a todos los perros con sus respectivas manchas. Para lograr loas manchas de los dálmatas, los animadores pensaron en los patrones de manchas como constelaciones. 
Una vez elegían una “mancha ancla”, la siguiente era colocada en relación a la misma, y así sucesivamente, hasta que el patrón completo había sido logrado. Los 101 dálmatas contaban con 6,469,952 manchas. Pongo poseía 72 manchas, Perdita 69, y cada cachorro 32.
La producción también marcó un cambio en el estilo gráfico de la animación de Disney. “La Bella Durmiente” poseía un estilo más gráfico y angular que los anteriores clásicos animados, y el mismo estilo se trasladó a “101 Dálmatas” y sucesivas películas. Para “101 Dálmatas”, los artistas de fondos pintaron moldes poco definidos para representar objetos, y usaron la cámara Xerox para marcar detalles en el molde. A Walt Disney no le gustaba el aspecto artístico de “101 Dálmatas”, y sentía que se estaba perdiendo el elemento fantástico de sus películas animadas. El director artístico, Ken Anderson, se sintió bastante deprimido ante esto. Eventualmente, Disney aceptó dichos cambios realizados por Anderson.
Tal y como se había hecho con otros clásicos animados, Walt Disney contrató a una actriz para que realizara las escenas que sirvieran de referencia al proceso de animación. La actriz Helene Stanley sirvió de referencia real para el personaje de Anita. Stanley había realizado el mismo tipo de trabajo para los personajes de Cenicienta, y el de la Princesa Aurora en “La Bella Durmiente”. Por lo general, los animadores no apreciaban esta técnica, considerando que les alejaba de su habilidad para crear a los personajes, aunque aceptaban y entendían las directrices de Disney. Al contrario que con la técnica del rotoscopio, los animadores no trazaron el rodaje  de acción real, ya que esto hubiera provocado que la animación adquiriera un aspecto rígido y nada natural. En lugar de esto, estudiaron el movimiento de los personajes humanos, y los dibujaron después. El nombre de Cruella De Vil, es un juego de palabras, el nombre hace referencia a la Crueldad, y el apellido De Vil, a la palabra inglesa Devil, traducida como Diablo (Cruel Diablo).
Al contrario de la mayoría de los clásicos animados, “101 Dálmatas” solo contó con tres canciones.
Solo una de ellas, “Cruella De Vil”, tomaba una parte importante en la película. Las otras dos canciones fueron “Kanine Krunchiss Jingle”, que aparecía en un anuncio de televisión que veían los cachorros, y “Dalmatian Plantation”, de la cual solo dos líneas son cantadas por el personaje de Roger al final de la película. El compositor Mel Leven había escrito canciones adicionales para la película, pero estas terminaron por ser descartadas, al considerar que afectaban al ritmo de la acción.
La película fue la décima más taquillera de 1961, y una de las más populares del estudio en la década. Considerado como uno de los grandes clásicos animados de Disney, se realizaría una película de acción real en el año 1996, en la que la actriz Clenn Close interpretaría a Cruella De Vil. Tras el éxito de esta, se realizó una serie de dibujos animados.

NOTA PERSONAL
Pues tenemos otro de los grandes éxitos de Disney, quizás uno de los clásicos más aclamados. Entramos en una década en la que la animación de Disney tenía un gran estilo que marcó a grandes películas de animación. Dicho estilo terminaría por empeorar, y alcanzaría un gran estilo con el estreno ya moderno de “La Sirenita”.
Los personajes son entrañables, en particular la pareja de Roger y Anita, así como los geniales cachorros. Ni que decir tengo que Cruella De Vil es otra de las grandes villanas de la factoría Disney. Sin embargo, es curioso señalar que Cruella no alcanza un trágico final, algo característico de los villanos y villanas de Disney. Sobrevive a su accidente de coche sin mayor daño, pero no se revela al espectador si llega a ser arrestada o no. Es lógico pensar que no, ya que los únicos testigos de sus fechorías son animales. Ese error fue corregido en la versión de acción real de la misma película.
Sin duda el gran éxito de la película radica en el adorable diseño de los cachorros, que tienen momentos memorables. 
La película también sirve de homenaje a los dueños de perros, lo importantes que son estos animales para ellos, y para los amantes de los animales. Existe una clara crítica hacia el materialismo de la factoría de abrigos de pieles en la forma de Cruella, que no deja de ser una mujer vacía y sin acceso alguno a la felicidad. También son geniales los dos hermanos ladrones, que a veces me pregunto si sirvieron de inspiración para los de “Solo en Casa”. Si bien es cierto que los fondos y paisajes no son tan logrados como en otras ocasiones, el perder esto a favor de un excepcional diseño de personajes es de agradecer.
A pesar de su gran éxito, debo admitir que no está entre mis cinco clásicos favoritos (Siempre he sido más fan de “Los Aristogatos”), en parte por falta de una música que haga que la película reluzca, como es característico en estos clásicos. Sin embargo, sigue siendo una película atemporal, de la que es fácil disfrutar, sea cual sea la edad del espectador.
 
HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
Roger Radcliffe es un compositor soltero que vive en un apartamento de Londres junto a su perro dálmata Pongo. El perro esta aburrido de su vida solterona, con lo que decide buscar una esposa para Roger, y una compañera para si mismo. Mientras observa a varias mujeres paseando a sus perros por la ventana, se percata de la pareja perfecta, una mujer llamada Anita y su hembra de dálmata, Perdita. Pongo se apresura en sacar a su dueño de la casa, y le arrastra hasta el parque para preparar un encuentro. Accidentalmente, provoca que Roger y Anita caigan en un estanque, pero esto funciona y ambos se enamoran. Ambas parejas no tardan en casarse.
Más adelante, Perdita da a luz a quince cachorros. Uno de ellos está a punto de morir, pero Roger consigue revivirlo frotándole con una toalla, por lo que dicho cachorro recibe el nombre de Lucky (Afortunado). Esa misma noche, la pareja es visitada por Cruella De Vil, una mujer rica y materialista que había sido compañera de estudios de Anita. 
Cruella se ofrece a comprar los quince cachorros con una gran suma de dinero, pero Roger se enfrenta a la mujer indicando tajantemente que no están a la venta. Semanas más tarde, Cruella contrata a dos ladrones, Gaspar y Horacio Badun, quienes logran robar los cachorros. Cuando Scotland Yard es incapaz de determinar quiénes han sido los ladrones, y de encontrar a los cachorros, Pongo y Perdita hacen uso de una comunicación mediante ladridos entre los perros de Londres y las afueras, para que les ayuden a localizarlos.
Un viejo perro conocido como Coronel, junto a un caballo llamado Capitán y un gato llamado General, logra localizar a los cachorros en la Mansión del Infierno, estado familiar que ha sido dilapidado por Cruella. Allí se encuentran los cachorros, junto a muchos otros que hacen un total de noventa y nueva cachorros. Cruella se ha hecho con todos estos cachorros con la intención de usar su pelaje para crear abrigos de pieles. 
Al descubrir esto, el General se lo comunica al Coronel, y este envía dicha información a Londres. Al recibir el mensaje, Pongo y Perdita se escapan para rescatar a los cachorros. Mientras tanto, el General escucha como Cruella les ordena a Horacio y Gaspar que maten y despellejen a los cachorros esa noche, por temor a que la policía les encuentre. El General intenta rescatar a los cachorros mientras los ladrones ven la televisión, pero dicho intento de fuga es descubierto cuando el programa finaliza. Pongo y Perdita entran en la mansión a través de una ventana y se enfrentan a los dos ladrones, mientras el Coronel y el General guían a los cachorros a la libertad.
Pongo y Perdita se reúnen con sus cachorros, y el resto. Al ser informados del plan de Cruella, deciden adoptarlos, seguros de que Roger y Anita no los rechazaran. Comienzan su viaje de regreso a Londres, recibiendo ayuda de varios animales durante el camino, mientras Cruella, Horacio y Gaspar intentan localizarles. 
En un pueblo, todos los perros se cubren de hollín para hacerse pasar por labradores negros, y comienzan a subir a los cachorros a una camioneta. A punto de partir, la nieve que se funda revela a uno de los cachorros como dálmata, y Cruella descubre el engaño. En una persecución, Cruella sigue a la camioneta en su coche, pero termina por chocar con la que conducen Gaspar y Horacio. Cruella grita frustrada mientras los dálmatas escapan.
En Londres, Roger y Anita no logran pasar una navidad feliz, ni disfrutar del éxito de Roger con su canción sobre Cruella. De repente, los perros ladran fuera, y al abrir la puerta todos entran quedando limpios del hollín. Tras contar a los 84 cachorros extras, deciden usar el dinero de la canción para crear una granja donde podrán criar a sus 101 dálmatas.

ESCENA
Primera aparición de Cruella De Vil, una de las grandes villanas en la historia de los clásicos animados de Walt Disney.
 

miércoles, 16 de enero de 2013

KARATE KID

FECHA DE ESTRENO
22 de Junio 1984
TITULO ORIGINAL
The Karate Kid
DIRECTOR
John G. Avildsen
PRODUCTOR
Jerry Weintraub
GUION
Robert Mark Kamen
REPARTO
Ralph Macchio (Daniel LaRusso), Noriyuki “Pat” Morita (Keisuke Miyagi), Elisabeth Shue (Ali Mills), William Zabka (John Lawrence), Ron Thomas (Bobby Brown), Rob Garrison (Tommy), Juli Fields (Susan), Chad McQueen (Dutch), Tony O’Dell (Jimmy), Martin Kove (John Kreese), Randee Heller (Lucille LaRusso), Israel Juarbe (Freddy Fernandez), Dana Andersen (Barbara), Frank Burt Avalon (Chucky), Jeff Fishman (Billy), Ken Daly (Chris), Tom Fridley (Alan), Frances Bay (Anciana del perro)
CINEMATOGRAFÍA
James Crabe
BANDA SONORA
Bill Conti
DISTRIBUIDA POR:
Columbia Pictures
DURACIÓN
126 minutos
SUCEDIDA POR:
DANIEL LARUSSO: “¿Usted peleó con alguien alguna vez cuando era joven?”
KEISUKE MIYAGI: “Muchas.”
DANIEL LARUSSO: “Sí pero no tuvo el problema que yo tengo. ¿Verdad?”
KEISUKE MIYAGI: “¿Por qué? Pelea es pelea, siempre mismo.”
DANIEL LARUSSO: “Sí, pero usted sabía karate.”
KEISUKE MIYAGI: “Alguien siempre sabe más.”
DANIEL LARUSSO: “¿Entonces alguna vez le daba miedo pelear?”
KEISUKE MIYAGI: “Siempre miedo. Miyagi odia peleas.”
DANIEL LARUSSO: “Sí, pero les gusta el karate.”
KEISUKE MIYAGI: “¿Y?”
DANIEL LARUSSO: “Que el karate es pelea, se entrenan para eso.”
KEISUKE MIYAGI: “¿Eso lo qué tú crees?”
DANIEL LARUSSO: “No.”
KEISUKE MIYAGI: “¿Entonces por qué entrenas?”
DANIEL LARUSSO: “Para no tener que pelear.”
KEISUKE MIYAGI: “Miyagi alguna esperanza en ti.”

CURIOSIDADES
Inicialmente la película iba a ser guionizada por Dennis Palumbo, pero este puso la condición de que para hacerlo, tenían que permitir que Daniel perdiera el combate final. Su razonamiento era que el personaje de Miyagi se pasaba toda la película señalando que ganar o perder no era lo importante, por lo que lo lógico era que el personaje perdiera, si bien haciéndose con el respeto de sus antagonistas. Su idea no fue aceptada.
Kyle Eastwood se presentó a las pruebas por el papel de Daniel LaRusso, pero no se hizo con el papel. Charlie Sheen rechazó el papel de Daniel LaRusso. El legendario Toshirô Mifune se presentó a las pruebas por el papel de Miyagi. Aunque el equipo consideró que había realizado un trabajo excepcional, se consideró que su versión era extremadamente seria, por lo que fue rechazado. 
Mako fue considerado para el mismo papel, pero estaba involucrado en “Conan, el Destructor”. Pat Morita fue rechazado inicialmente para interpretar al personaje del Señor Miyagi, pero tras una segunda lectura se hizo con el papel. Elizabeth Sue interrumpió sus estudios en Harvard para poder interpretar al personaje de Ali Mills en la película. Chuck Norris recibió la oferta de interpretar al personaje de John Kreese, el director de la agresiva academia de karate. El actor rechazó dicho papel ya que no deseaba mostrar a estudiantes de karate en un tono que consideraba negativo. Por ello, el papel recayó en Martin Kove. El actor William Zabka interpretó al antagonista Johnny. A pesar de no tener experiencia en las artes marciales, era un consumado deportista de lucha libre.
El personaje del Señor Miyagi recibió su nombre de Chogun Miyagi, quien se convirtió en el predecesor del karate-jutsu en Okinawa, Japón. 
Era conocido como Sensei Miyagi y creó su propio estilo de karate-jutsu, el cual denominó “Goju Ryo”, lo que quiere decir “estilo duro y suave”.
Curiosamente, Karate Kid era el nombre de un personaje de “DC Cómics”,  del equipo conocido como la Legión de Superhéroes, compañía que poseía los derechos de dicho nombre. Sin embargo, la compañía concedió un permiso especial para que el nombre fuera utilizado en el título de la película. En los créditos finales hay un agradecimiento especial a DC Cómics.
El último golpe que el personaje de Daniel recibe, antes de ser rescatado por el Señor Miyagi, golpeó de verdad a Ralph Macchio haciéndole bastante daño. El estudio quería eliminar la escena en la Miyagi se emborrachaba al considerar que deceleraba el ritmo de la película. El director se opuso a esta idea considerando que la escena revelaba información importante del pasado del personaje. De hecho, dicha escena logró que Pat Morita fuera nominado al Oscar. 
Durante el rodaje en 1983, Ralph Macchio tenía veintidós años, edad que nadie se creía ya que parecía un preadolescente. Tras el rodaje de la película, el productor le regaló a Ralph Macchio el coche que su personaje pulía y recibía de Miyagi el día de su cumpleaños. La escena final del torneo de karate necesitó de quinientos extras.
La película tuvo tres secuelas. En la última, Miyagi se convierte en tutor de una muchacha, y el personaje de Daniel desaparece. También se realizó un remake en el año 2010.

NOTA PERSONAL
Pues se trata de una de mis películas favoritas de mi adolescencia. Tenía solo doce años cuando la vi, y me encantó. Por lo general no me gustan las películas de artes marciales, pero esta es especial. No vanagloria las peleas porque sí, y es que el film tiene un excelente planteamiento desde el comienzo. El personaje de Daniel es el ejemplo de un muchacho maltratado por los matones de instituto, y que se siente completamente fuera de lugar. 
El karate se convierte en su herramienta para que dicha situación finalice, pero sin que este se sumerja en un camino de violencia.
El film se preocupa con meticuloso cuidado de no mostrar el karate como algo violento ante los espectadores, sino como un método de defensa, y también un estilo de vida y filosofía. La mayoría de películas de artes marciales muestran estas de forma violenta, y para vanagloriar cierto complejo de “macho” que nunca he logrado comprender, y da gusto ver un punto de vista original y poco común.
Por supuesto, no puedo dejar de señalar al genial Pat Morita, ya que sin él la película no hubiera sido la misma. Pocas veces me he encontrado con un personaje tan bien diseñado en una película. Tenemos a un personaje que resulta una mezcla de sabiduría, serenidad, y un gran sentido del humor. La película está plagada de ingeniosos diálogos en los que participa, y que aun a día de hoy consiguen arrancarme carcajadas. 
Resulta formidable, especialmente, la escena en la que se emborracha y Daniel descubre su pasado. La relación entre ambos personajes funciona a la perfección, y tenemos la dualidad de maestro alumno, y de figura paternal y amigo.
Debo admitir que esta es una de esas raras ocasiones en las que la segunda parte me gustó mucho más, por el fondo cultural en el que se desarrolla, pero esta sigue siendo una excelente película.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
Daniel LaRusso es un estudiante de colegio, de último curso, que se acaba de trasladar con su madre desde Newark, Nueva Jersey, a Reseda, un vecindario en la región del Valle de San Fernando  de California. En su complejo de apartamentos reside un inmigrante de Okinawa llamado el Señor Miyagi, quien se dedica entre otras cosas a hacer reparaciones.
Recién llegado, Daniel es invitado a una fiesta de fin verano en la playa, donde conoce a la atractiva Ali Mills, animadora del instituto. Desafortunadamente, también conoce al exnovio de la muchacha, Johnny Lawrence. Johnny es el mejor estudiante de karate de la escuela Cobra Kai, donde recibe lecciones de John Kreese, un instructor agresivo y carente de ética. Johnny aparece en playa sufriendo un arranque de celos a ver a Ali con Daniel. Este sabe lo mínimo de karate gracias a libros, por lo que sufre una fuerte paliza a manos de Johnny. A pesar de que Ali se siente muy atraída hacia Daniel, este opta por comenzar a alejarse cuando Johnny y su pandilla comienzan a hacerle la vida imposible en el colegio.
En una ocasión, la pandilla hace que Daniel caiga por una colina con su bicicleta, por lo que esta queda destruida. Al volver a casa, el muchacho se desahoga con su madre, señalando su odio hacia su nuevo hogar. 
Miyagi escucha esa conversación y repara la bicicleta, tras lo cual inicia a Daniel en el arte de los Bonsáis. Sin embargo, las cosas empeoran cuando tras una fiesta de Halloween, Daniel vuelve a recibir otra paliza a manos de la pandilla. Miyagi llega a tiempo y derrota a los cinco miembros de esta, mostrando un gran dominio del karate, el cual lo aprendió gracias a su padre.
Sorprendido, Daniel le pide a Miyagi que se convierta en su maestro. Aunque este se niega, accede a acompañar al muchacho a Cobra Kai para resolver el conflicto. Allí conocen a John Kreese, quien es un veterano de las Fuerzas Especiales de Vietnam, y desprecia el concepto de la piedad. Al comprobar esto, Miyagi accede a que Daniel y Johnny resuelvan sus diferencias en un torneo de karate en un plazo de dos meses. Miyagi también exige que durante esos dos meses, la pandilla de Johnny deje a Daniel tranquilo para que pueda entrenarse. Kreese ordena a sus estudiantes que dejen a Daniel tranquilo, pero le advierte a Miyagi que si el joven no se presenta al torneo, se abrirá la veda de caza.
Miyagi se convierte en el maestro de Daniel y, poco a poco, en una figura paternal. Miyagi y Daniel hacen un juramento; el primero enseñara, y el segundo aceptara las instrucciones sin hacer preguntas. Comienza sus clases encargándole que realice tareas menores como dar y pulir cela a coches viejos, lijando un suelo de madera, o pintar una valla o la propia casa de Miyagi. Cada una de estas tareas está acompañada de movimientos específicos, que incluyen movimientos de manos en dirección a favor y en contra de las manillas del reloj, o ascendentes y descendentes de las muñecas. Inicialmente, Daniel no logra ver la eficacia de dichas clases, y comienza a sentirse cada vez más frustrado, pensando que no está aprendiendo nada de karate. Cuando Daniel verbaliza su frustración, Miyagi le muestra como al realizar estas tareas, Daniel ha aprendido bloqueos defensivos a través de memoria muscular. Durante un entrenamiento de equilibrio en la playa, Daniel observa como Miyagi practica una técnica denominada la “Grulla”. 
Según su maestro, si dicha técnica es realizada correctamente, no hay defensa para esta. Aunque Daniel quiere aprenderla, Miyagi le señala que no está preparado, y que es más importante para el muchacho aprender equilibrio.
A medida que el entrenamiento de Daniel progresa, sus lazos con Miyagi se estrechan. Descubre que Miyagi perdió a su esposa e hijo durante el parto en el Campo de Concentración de Manzanar, mientras se encontraba con el ejército de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. También descubre que ganó la Medalla al Valor por sus servicios contra las fuerzas alemanas en Europa. A  través de las enseñanzas de Miyagi, Daniel no solo aprende karate, sino lecciones valiosas como la importancia del equilibrio personal, reflejado en la creencia de que entrenarse en las artes marciales supone entrenar no solo el cuerpo, sino también la mente. Daniel aplica dichas lecciones para reforzar su relación con Ali. Se reconcilia con la joven, después de haber visto a Johnny besarla, sin saber que Ali le había golpeado después. Durante su cumpleaños, Miyagi le regala un kimono, y uno de los coches que limpió.
Llegado el día del torneo, Daniel sorprende a todos logrando llegar a las semifinales. Johnny logra avanzar hasta la final logrando ganar tres puntos sin respuesta ante un oponente de altas habilidades. Daniel debe enfrentarse en la semifinal contra Bobby Brown, el estudiante más compasivo de Kreese, y uno de los que ha sido menos agresivo con Daniel. Kreese le ordena a Bobby que deje a Daniel fuera de combate con un ataque ilegal sobre la rodilla. A regañadientes, Bobby cumple con la tarea quedando descalificado por dicha acción. Mientras Daniel se retuerce de dolor en el suelo, Bobby se disculpa antes de retirarse.
Aunque Miyagi le asegura que ya ha logrado probarse, Daniel cree que si no sigue adelante, sus acosadores habrán logrado acabar con él, y nunca encontrará un equilibrio personal. Miyagi accede a realizar una técnica de supresión de dolor para permitir que Daniel acabe el torneo. Justo cuando Johnny está a punto de ser declarado campeón, Daniel regresa al torneo para enfrentarse a su rival en la final. 
La lucha resulta nivelada, sin que ninguno de los dos rivales parezca romper a través de las defensas del otro. Durante una de las llaves, Daniel golpea a Johnny en la nariz, haciéndole sangrar.
Cuando Kreese examina a Johnny, le ordena que propine un golpe carente de ética sobre la pierna herida de Daniel. Johnny se muestra en contra de esto, pero accede debido a la intimidación de Kreese, pero Daniel vuelve a levantarse. Empatados, con el siguiente punto decidiendo la victoria, Johnny golpea en un movimiento ilegal la rodilla de Daniel. A penas manteniéndose en pie, Daniel decide usar la técnica de la grulla, con la que golpea a Johnny en la barbilla, haciéndole caer, y ganando el torneo.
Johnny, habiendo desarrollado respeto por su adversario, le entrega a Daniel el trofeo de sus manos. Ali y la madre de Daniel felices abrazan al muchacho por su victoria. Mientras tanto, Miyagi observa al muchacho, con una mirada de orgullo, mientras este no deja de repetir que ambos lo han conseguido.

ESCENA
Pues la escena no podía ser otra, pues la mítica de la película. Daniel LaRusso derrota a Johnny Lawrence con la técnica de la grulla.