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miércoles, 24 de septiembre de 2014

CANTANDO BAJO LA LLUVIA

FECHA DE ESTRENO
27 de Marzo de 1952
TITULO ORIGINAL
Singin' in the Rain
DIRECTORES
Gene Kelly, Stanley Donen
PRODUCTOR
Arthur Freed
GUION
Betty Comden, Adolph Green
REPARTO
Gene Kelly (Don Lockwood), Donald O’Connor (Cosmo Brown), Debbie Reynolds (Kathy Selden), Jean Hagen (Lina Lamont), Millard Mitchell (R.F. Simpson), Cyd Charisse (Bailarina), Douglas Fowley (Roscoe Dexter), Rita Moreno (Zelda Zanders)
CINEMATOGRAFÍA
Harold Rosson
BANDA SONORA
Nacio Herb Brown
DISTRIBUIDA POR:
Metro-Goldwyn-Mayer
DURACIÓN
103 minutos

KATHY SELDEN: “No existe nada que pueda separarnos. Nuestro amor perdurarás hasta que se enfríen las estrellas.”
DON LOCKWOOD: “¿Hasta que se enfríen las estrellas? Kathy te quiero.”
KATHY SELDEN: “Don, yo…”
DON LOCKWOOD: “Kathy estoy impaciente de terminar esta película. Se acabaran los secretos. Se lo diré a Lina, se lo diré a todo el mundo.”
KATHY SELDEN: “Tus admiradoras sufrirán una decepción.”
DON LOCKWOOD: “Para mí ya solo existe en el mundo una admiradora.”

CURIOSIDADES
A pesar de haberse convertido en todo icono de los musicales, y contar con algunos números memorables del género, la película tuvo un éxito muy moderado cuando fue estrenada. Gene Kelly no fue la primera opción para el papel de Don Lockwood. El papel recayó inicialmente en Howard Keel, pero fue reemplazado por Kelly debido a que los guionistas habían hecho que el personaje evolucionara desde ser un actor de Westerns a un actor de musicales. El personaje de Cosmo Brown estaba basado en el actor Oscar Levant, pero finalmente se optó por que fuera interpretado por Donald O’Connor por su excelente vena cómica. 
En los inicios de la producción, se barajaron varias actrices para el papel de Kathy Selden. Sin embargo, los directores Stanley Donen y Gene Kelly siempre han insistido en que Debbie Reynolds había sido siempre la primera en mente para el papel. Aunque la película utiliza la idea de que Kathy tiene que doblar la voz de Lina, en la escena de amor de los protagonistas fue Jean Hagen quien utilizó su verdadera voz. La propia Reynolds fue doblada en las canciones “Would You?” y “You Are my Lucky Star” por Betty Noyes, quien no recibió crédito alguno.
Para el papel de Lina Lamont, se consideró seriamente el contar con la actriz Judy Holliday, aunque esta sugirió que cambiaran de opinión y contaran con Jean Hagen, quien había sido su reemplazo en la producción de Broadway, “Born Yesterday”. Recién terminado su papel en “La Jungla de Asfalto” (1950), Hagen realizó una prueba ante el productor Arthur Freed, a la que añadió una imitación del personaje de Holliday, Billie Dawn, lo cual hizo que se hiciera con el papel. Su personaje está basado en la estrella del cine mudo, Norma Talmadge, cuya popularidad se vino abajo cuando comenzaron a estrenarse las películas habladas.
Durante la famosa escena en la que Gene Kelly canta “Cantando Bajo la Lluvia”, haciendo girar un paraguas, saltando sobre charcos, y quedando calado hasta los huesos, el actor se encontraba enfermo. De hecho, tenía una fiebre de treinta y nueve grados. La lluvia durante la escena provocó que el traje de algodón de Gene Kelly encogiera durante el rodaje. Un mito extendido era que Gene Kelly había logrado realizar todo el número musical en una sola toma, gracias a que las cámaras estaban colocadas estratégicamente en distintas ubicaciones. Sin embargo esto no es verdad, ya que rodar la secuencia requirió un total de tres días. Otro muto era que la lluvia estaba mezclada con leche para que las gotas fueran captadas por la cámara. Dicho efecto se logró con gran dificultad mediante el uso de retroiluminación.
Debbie Reynolds no era bailarina en la época en que participó en “Cantando Bajo la Lluvia”. Simplemente tenía experiencia como gimnasta. Aparentemente, Gene Kelly llegó a despreciarla por su falta de experiencia en el baile, lo que afectó seriamente a la actriz. 
Durante un nuevo encuentro, en el que Fred Astaire se encontraba en el estudio, el famoso bailarín encontró a Reynolds llorando debajo de un piano. Al escuchar lo que había ocurrido, Fred Astaire se ofreció voluntario para ayudarla con el baile. Más adelante, Gene Kelly reconoció que no había sido amable con Reynolds, y que se había sorprendido al ver que la joven todavía estaba dispuesta a hablarle tras la negativa experiencia. Después de rodar el número de “Good Morning”, los pies de Reynolds sangraban. Años más tarde, Debbie Reynolds declararía que dar a luz y el rodaje de la película habían sido las dos cosas más difíciles que había hecho en toda su vida. No fue la única en tener problemas, ya que Donald O’Connor tuvo que ser hospitalizado tras rodar el número musical “Haz Reír”. El motivo principal de este percance se debió a que fumaba hasta cuatro paquetes de cigarrillos diarios.
Con el paso del tiempo, Debbie Reynolds se hizo con la mayor parte del vestuario de la película. 
La razón no era otra que su impresionante colección de vestuario y objetos originales de diferentes películas, la cual almacenaba en su propia casa. La mayor parte de esos objetos fueron vendidos durante una subasta en Hollywood, la cual tuvo lugar en el año 2011. Aunque la mayoría de los objetos fueron vendidos a coleccionistas privados, y el traje y zapatos de Donald O’Connor, utilizados durante el número musical “Fit As a Fiddle”, fueron adquiridos por “Costume World, Inc.”. En la actualidad están expuestos en el Museo de Colección Mundial de Vestuario de Broadway, ubicado en Pompano Beach, Florida.
La película recibió dos nominaciones a los Oscars. Una fue a la Mejor Actriz Secundaria (Jean Hagen); y la otra a la Mejor Banda Sonora Original. Sin embargo, perdió en ambas categorías contra “Cautivos del Mal” y “Con una Canción en mi Corazón” respectivamente.

NOTA PERSONAL
Se trata de uno de mis musicales favoritos, y además uno de los primeros que vi en televisión. La película mezcla grandes y Miticos números musicales, coreografías muy originales, canciones de las que se quedan grabadas, romance, y un gran sentido del humor que siempre logra hacerme reír.
Comenzaré por los actores. Todos me parecen formidables, pero reconozco que esta es otra de esas ocasiones en las que siempre he disfrutado mucho más de los actores secundarios que de los principales. Mi personaje favorito es sin duda el de la “villana” Lina Lamont, brillantemente interpretado por la genial Jean Hagen. Todas sus escenas consiguen siempre arrancar carcajadas múltiples. Su voz chillona, sus gestos superficiales pero cómicos, son el mayor aliciente cómico de la película. Las escenas de la grabación de sonido, incluyendo los problemas que tiene con los micrófonos, se mantienen como las más hilarantes de toda la película. Incluso en sus momentos “malvados”, me resulta imposible contener la carcajada.
Por supuesto, el siguiente personaje es el de Donald O’Connor, que interpreta a un divertido Cosmo Brown. Quizás es cierto que el personaje me gustaba mucho más cuando solamente era un crio, ya que en la actualidad me parece más cargante y sobreactuado. A pesar de eso, sigue teniendo escenas memorables, aunque creo que Jean Hagen le eclipsa claramente.
Gene Kelly y Debbie Reynolds proporcionan el romance necesario para que la historia funcione como es debido. Sus personajes tienen algún que otro momento divertido, pero sus escenas se centran más en la relación que se desarrolla entre ellos. En ese sentido, dicha relación funciona a la perfección y resulta hasta creíble. Su relación comienza por la confrontación entre ambos, pero a medida que la trama se desarrolla resulta evidente que tienen más cosas en común de lo que pueda aparecer inicialmente. Evidentemente, Jean Hagen también cumple un papel fundamental en ese curioso triangulo que se forma entre ellos.
Muchos de los números musicales son simplemente memorables. Mis dos favoritos son “Cantando Bajo la Lluvia” y “Good Morning”. 
El primero fue extremadamente original para la época, y se ha convertido en todo un número icónico en la historia de los musicales. Resulta más admirable al saberse que Gene Kelly estaba seriamente enfermo durante el rodaje de dicha coreografía. “Good Morning” siempre me ha gustado, pues me parece muy simbólico de la amistad del insólito trio. Estos aspectos convierten esta película en todo un clásico.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
Don Lockwood y Lina Lamont son dos grandes estrellas del cine que acuden al estreno de su última película. A la llegada al cine, Don Lockwood adorna la historia de sus orígenes asegurando que nunca perdió la dignidad en ningún momento. En realidad sus inicios fueron modestos y a menudo humillantes. Comenzó con su mejor amigo, Cosmo Brown tocando música en bares, realizando números de baile en diferentes antros, hasta que Don logró comenzar su carrera como especialista en películas de acción, en la productora “Monumental Pictures”. 
En una de estas películas conoció a Lina Lamont, quien le ignoró considerándole muy por debajo de su nivel. Sin embargo, cuando Don recibe una oferta para trabajar como actor protagonista, la actriz comienza a mostrar interés hacia él. Cosmo continuó a su lado como compositor. A medida que la pareja crecía en éxito, en el mundo de las películas mudas, el estudio decidió alimentar los rumores de que ambos mantenían una relación para incrementar su popularidad. Lina Lamont acabó convenciéndose a sí misma de que esto era una realidad. Sin embargo, Don no la soporta considerándola vanidosa y arrogante. El estudio no permite que Lina hable en público debido a su voz extremadamente chillona.
Tras el estreno, Don se ve obligado a escapar de una horda de fans desatadas, subiendo en un coche que pasa conducido por una joven. Su nombre es Kathy Selden, y le asegura ser actriz de teatro, llegando a burlarse de las dotes actorales de Don, y en general de todas las películas mudas a las que considera ridículas. 
Esto indigna Don, pero al mismo tiempo le hace dudar de su propio talento. Kathy deja a Don en la fiesta que se celebra tras el estreno. Allí, Don y el resto del equipo de la película asisten a una demostración de un fragmento de película hablada, pero ninguno de los asistentes queda impresionado. Como sorpresa, aparece una gran tarta para celebrar el éxito de la película, de la cual surge Kathy para diversión de Don. De esta forma se descubre que Kathy no es más que una chica de coro. Furiosa ante las burlas de Don, Kathy intenta arrojarle una tarta que acaba en la cara de Lina. Don se siente interesado por la joven, pero Kathy sale corriendo.
Tras días buscándola, Don descubre que fue despedida, por lo que se siente culpable. Sin embargo, no tarda en descubrir que Lina ha sido la responsable del despido, al sentirse celosa y queriendo vengarse del tartazo. La pareja de artistas comienza a rodar su nueva película, “El Caballero Dualista”. Sin embargo, el rodaje es interrumpido por el propietario del estudio, que anuncia que el estreno de una película hablada ha sido un éxito, y que el público exige más. 
Debido a esto, “El Caballero Duelista” se convertirá en una película hablada. Durante los preparativos, Don localiza a Kathy, quien recibe un papel en la película debido a su encanto. Kathy se disculpa ante Don por todo lo que le había dicho, pero este admite que sus palabras le hicieron reflexionar. La pareja no tarda en comenzar a enamorarse. Para evitar la ira de Lina, deciden ocultarle la presencia de Kathy.
Tras someter a Don y Lina a clases de dicción, comienza el rodaje de su primera película hablada. Dicho rodaje está lleno de dificultades debido al sonido, a menudo en situaciones hilarantes. Sin embargo, el mayor problema reside en la voz chillona de Lina. Se selecciona a un público para realizar un estreno de prueba, el cual termina convirtiéndose en un absoluto desastre de sonido, y a mitad de la película en sonido y las imágenes quedan desincronizados, provocando las carcajadas de los asistentes. Tras el desastre, el equipo se percata de que solo queda un mes para el estreno. Tras la muestra, Don, Kathy y Cosmo tienen la ida de convertir la película en un musical. Sin embargo, existe un problema. Lina no sabe cantar, hablar ni bailar. 
Cosmo tiene la idea de que Kathy doble la voz de Lina en toda la película. Tras esto, Kathy y Don se despiden con un beso, y el actor canta bajo la lluvia sintiéndose feliz por primera vez.
El productor R.F. queda entusiasmado con la idea, pero preocupado por la reacción de Lina decide que todo debe quedar en secreto hasta el estreno. También considera que hay que cambiar el título, ya que “El Caballero Duelista” no es adecuado para un musical. Cosmo decide que el título pase a ser “El Caballero Danzarín”. También deciden incluir un número moderno de Broadway. Se realizan las grabaciones de la voz de Kathy, y también las de Lina para que no sospeche nada. Sin embargo, Lina descubre la verdad cuando el rodaje ha finalizado; y que R.F. le dará crédito de protagonista y prepara una gran campaña publicitaria para la joven. También descubre a Don y Kathy besándose, y se enfurece al descubrir que ambos van a casarse. Los abogados de Lina le comunican que puede denunciar al estudio. Para evitarlo, Lina exige que Kathy continúe trabajando para Lina, doblando su voz. R.F. se ve obligado a aceptar sus demandas
El estreno de “Caballero Danzarín” se convierte en todo un éxito. Tras finalizar la película, Lina le comunica a Don que Kathy no tendrá otra  opción que seguir doblándola, pues tiene un contrato de cinco años. Kathy se ve incapaz de negarse debido a dicho contrato. El público aclama a Lina Lamont y esta les dirige unas palabras llena de orgullo. Don, Cosmo y R.F. no se lo impiden para que quede en evidencia. El público se queda sorprendido ante su chillona voz, exigiéndole que cante. Don le explica a Lina que Kathy la doblara detrás del telón. De esta forma, Lina interpreta la canción “Cantando Bajo la Lluvia”. Mientras actúa, Don, Cosmo y R.F. alzan el telón revelando todo el engaño al público. Kathy sale corriendo avergonzada, pero Don declara ante todo el público que ella es la verdadera estrella de la película. Ambos cantan “Lucky Star”, y tiempo después contemplan el anuncio de su nueva película “Cantando Bajo la Lluvia”, mientras se funden en un beso.

ESCENA
No puede haber otra escena más memorable que la del número musical de Gene Kelly “Cantando Bajo la Lluvia”.

miércoles, 17 de septiembre de 2014

NAUSICAÄ DEL VALLE DEL VIENTO

FECHA DE ESTRENO
11 de Marzo de 1984
TITULO ORIGINAL
Kaze no Tani no Naushika (風の谷のナウシカ)
DIRECTOR
Hayao Miyazaki
PRODUCTOR
Isao Takahata
GUION
Hayao Miyazaki
REPARTO (VOCES)
Sumi Shimamoto (Nausicaä), Yôji Matsuda (Asbel), Yoshiko Sakakibara (Kushana), Goro Naya (Maestro Yupa), Hisako Kyôda (Obaba), Iemasa Kayumi (Kurotowa), Mahito Tsujimura (Rey Jihl), Ichirô Nagai (Mito), Kôhei Miyauchi (Gol), Jôji Yanami (Gikuri), Jiro J. Tahakushi (Emperador), Miina Tominaga (Lastelle), Makoto Terada (Alcalde de Pejite), Akiko Tsuboi (Madre de Lastelle)
CINEMATOGRAFÍA
Koji Shiragami, Yukitomo Shudo, Yasuhiro Shimizu, Mamoru Sugiuri
BANDA SONORA
Joe Hisaishi
DISTRIBUIDA POR:
Toei Company
DURACIÓN
117 minutos
ANTERIOR PELÍCULA DE MIYAZAKI:
SIGUIENTE PELÍCULA DE MIYAZAKI:

NAUSICAÄ: “Obaba, ¿qué es lo que busca el Maestro Yupa?”
OBABA: “Nausicaä, ¿pero es que acaso aun no lo sabes? Mira, ¿ves el tapiz que hay colgado en la pared? Yo ya no lo veo. La figura que hay en la esquina superior izquierda. Engalanado con sus lujosas ropas azules, descenderá de los cielos sobre un campo dorado, para unir sus lazos con la tierra y…”
NAUSICAÄ: “... guiar sus gentes hacia las tierras más puras al in. Pero Maestro Yupa, ¿yo siempre había creído que era una antigua leyenda?”
MAESTRO YUPA: “Por favor Obaba, no se burle de mí.”
OBABA: “¿Y qué? ¿No es lo mismo?”
MAESTRO YUPA: “Lo único que quiero es resolver los misterios del Mar de Putrefacción. Los humanos no somos más que una tribu destinada a ser engullida y destruida por el Mar de Putrefacción. Necesito conocer la respuesta.”

CURIOSIDADES
Hayao Miyazaki se había estrenado como director de películas de animación en el año 1979. Su primera película fue “El Castillo de Cagliostro”, la cual fue toda una novedad comparada con las antiguas películas de la serie Manga “Lupin III”. A pesar de esto, recibió el Premio Ofuji Noburo en los “Premios Manichi Film” de 1979. Debido al éxito de la película, fue contactado por la revista de Anime conocida como “Animage” para que produjera trabajos para la compañía. Miyazaki tenía nuevas ideas para películas, las cuales fueron desafortunadamente rechazadas, por lo que “Animage” le solicitó que realizara un Manga. Esto desembocó en la creación de “Nausicaä del Valle del Viento”.
El trabajo de Miyazaki en “Nausicaä del Valle del Viento” se vio inspirado por una serie de trabajos. Estos incluían “Terramar” de Ursula K. Le Guin, “Invernáculo” de Brian Aldiss, “Nightfall” de Isaac Asimov y “El Señor de los Anillos” de J.R.R. Tolkien. Daniel Cavallaro también ha sugerido que puede haber inspiración en la fábula “La Dama que Amaba a los Insectos”, y los trabajos de William Golding.
El personaje de Nausicaä se inspiró, tanto en nombre como en personalidad, en la princesa de los Feacios de “La Odisea” de Homero. Son muchos los que han realizado una conexión con “Dune” de Frank Herbert, pero nunca ha habido confirmación alguna al respecto, excepto que el nombre de los Oms es similar a Worms (en inglés gusanos). La imaginación de Miyazaki se vio inspirada por la contaminación de mercurio que tuvo lugar en la Bahía de Minamata, en las décadas de 1950 y 1960, y en como la naturaleza respondió sobreviviendo en un medio ambiente contaminado. De ahí utilizó la idea de crear el mundo contaminado del mundo de “Nausicaä del Valle del Viento”.
Miyazaki comenzó a escribir y dibujar el Manga en el año 1982, y la historia se convirtió en todo un éxito una vez fue publicado. Tokuma Shoten, propietario de “Animage” y presidente de “Tokuma Shoten”, animó a Miyazaki para que lo convirtiera en una película. Inicialmente, Miyazaki se negó, pero terminó por ceder con la condición de que se le permitiera dirigir el proyecto.
Durante las primeras etapas, el productor Isao Takahata se unió al proyecto muy a su pesar, incluso antes de que se decantaran por un estudio de animación. Se requería de un estudio externo para producir la película, debido a que Tokuma Shoten no era propietario de un estudio de animación. Finalmente, Miyazaki y Takahata escogieron un pequeño estudio llamado “Topcraft”. Ambos eran conocedores del trabajo de producción del estudio, y lo escogieron porque su talento artístico podía transponer la atmosfera sofisticada del Manga a la película. El treinta y uno de mayo de 1983, se comenzó a trabajar en la preproducción de la película. Miyazaki se enfrentó a serias dificultades para crear el guion, ya que solo contaba con dieciséis capítulos del Manga con los que podía trabajar. Debido a esto, el director y guionista utilizó elementos fragmentados de la historia, y decidió concentrar la narrativa y los personajes en la invasión de Tolmekia sobre el Valle del Viento. Takahata se encargó de reclutar al compositor experimental y minimalista Jo Hisaishi, para que realizara la banda sonora de la película.
En agosto se comenzó el trabajo de animación de la película, producido por animadores contratados específicamente para la película, y que fueron pagados por toma realizada. Uno de los animadores más destacables fue Hideako Anno, quien más adelante escribiría y dirigiría la serie de televisión “Neon Genesis Evangelion”, estrenada en 1995. Anno recibió la tarea de dibujar la secuencie del ataque del Dios Guerrero, considerada la secuencia más complicada a nivel de animación y la cual Toshio Suzuki consideraba un momento climático de la película. La película fue finalmente estrenada en marzo de 1984, con un horario de producción de solo nueve meses, y un presupuesto equivalente al de un millón de dólares.

NOTA PERSONAL
Siempre me han encantado las películas que tienen lugar en un mundo post apocalipsis. Sin duda este uno de esos casos, en el que nos sumergimos en un planeta con serias dificultades para sobrevivir a las contaminaciones y desastres que los propios humanos han generado. 
Esta segunda película de Hayao Miyazaki fue la primera que yo pude ver, hace ya muchísimos años. No cabe duda que el afamado director intenta darnos una lección acerca de la osadía del hombre, y sobre cómo la misma puede acabar por destruir todo aquello que nos sustenta, en este caso el planeta. Pero además, la genialidad de Miyazaki va más allá, haciéndonos ver que somos muy capaces de tropezar dos veces con la misma piedra.
El personaje de Nausicaä siempre me ha parecido simbolizar esa última oportunidad que tenemos de rectificar, ya que mantiene un vínculo de cariño con aquello que amenaza toda vida en la tierra. De hecho, siempre me ha encantado la escena de la muerte de su padre, única ocasión en la que la joven se deja consumir por el odio, dispuesta a matar a los asesinos. Pero de nuevo, la genialidad es su arrepentimiento posterior, y el hecho de que admite haberse a sí misma y haber sentido miedo por primera vez en su vida. La verdad es que siempre me ha parecido un personaje muy completo e interesante de observar a medida que se desarrolla la trama. 
En general tenemos personajes muy bien desarrollados, y que complementan de forma diferente el tipo de trama que el director está intentando desarrollar.
La animación es simplemente sobresaliente. Me parece que esta película de 1984 tiene poco que envidiar a muchas películas de animación actuales. Resulta muy acertadamente acompañada de una gran banda sonora, en ocasiones muy emotiva. En términos generales resulta una aventura muy agradable de ver, con una moraleja que se vuelve cada vez más significativa con el paso del tiempo.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
Han pasado mil años desde la caída de la civilización industrial; y la tierra en ruinas está siendo invadida por miasmas letales procedentes de un bosque contaminado y formado por hongos, y en el que habitan insectos mutantes gigantes. 
Una joven llamada Nausicaä se introduce a menudo en el bosque llevando una máscara de oxígeno, y haciendo uso de un ala delta propulsado por motor, el cual maniobra gracias a su control sobre el viento. El propósito de sus expediciones es el de descubrir los misterios del bosque, e intentar establecer relaciones amistosas con los insectos. Durante una excursión, Nausicaä localiza el caparazón cristalizado de uno de esos insectos gigantes, llamados Om. Al oír disparos, Nausicaä se percata de que hay alguien siendo atacado por un Om, y realiza varios disparos para intentar alejar al insecto. La joven contempla como un hombre escapa del Om, ayudándolo a escapar mientras usa un estallido de luz y un silbato de insectos, para que la criatura regrese al bosque. Nausicaä reconoce al hombre como el Maestro Yupa, quien le regala una pequeña ardilla zorro que ha encontrado en el bosque. Nausicaä es la princesa del Valle del Viento, uno de los últimos refugios habitables, y su padre el Rey Jihl ha tenido que dejar de volar debido a la enfermedad que extiende el llamado Mar de Putrefacción.
Ambos llegan al valle, donde la curandera Obaba habla de una leyenda que asegura que un hombre con ropajes azules descenderá sobre un campo dorado para establecer lazos con la tierra, y guiar a los hombres a tierras puras y libres de contaminación. Esa misma noche, la princesa y Yupa divisan una nave procedente del vecino Reino de Tolmekia, la cual se estrella tras haber sido atacada por insectos. De entre los restos, Nausicaä rescata a la prisionera Princesa Lastelle de Pejite, quien le implora que destruya el cargamento, ya consumido por el fuego. Lastelle fallece. Nausicaä vuelve a usar su silbato para conducir a un insecto volador que también ha sobrevivido de regreso al bosque. De vuelta al Valle, el cargamento resulta ser el embrión un Dios Guerrero, armas diseñadas genéticamente y que provocaron la destrucción del mundo; y el embrión sigue latiendo.
Al Valle llegan más naves de Tolmekia, sus guerreros atacan el castillo del Rey Jihl acabando con su vida. 
Nausicaä se enfrenta a los soldados siendo ayudada por Yupa, que le hace ver que lo mejor es rendirse para salvar a la gente del Valle. La Princesa Kushana, acompañada de su ayudante Kurotowa, expresa su deseo de unificar los reinos para destruir el Mar de Putrefacción quemándolo. Sin embargo, Obaba le recuerda que cada vez que se ha intentado, una horda de Oms había atacado a los humanos devastando innumerables tierras. Incapaz de trasladar al embrión, Kushana decide partir a Pejite con Nausicaä y otros cinco rehenes del Valle. De camino, las naves de Tolmekia son atacadas por naves de Pejite. Nausicaä, su amigo Mito y los rehenes, así como Kushana escapan del ataque en una pequeña nave, aterrizando en el bosque del Mar de Putrefacción, en medio de un nido de Oms.
Su llegada altera a un par de Oms, a los que Nausicaä logra calmar dejando que la examinen. Nausicaä parte en su ala delta y logra rescatar al piloto de Pejite que atacó a los Tolmekianos. Este resulta ser el hermano gemelo de Lastelle, Asbel. 
Ambos caen en arenas movedizas, y llegan hasta un mundo subterráneo libre de toda contaminación. Los dos jóvenes se hacen amigos, y Nausicaä deduce que los insectos tienen la función de proteger el mundo subterráneo puro de los humanos. Los árboles purifican el agua subterránea previamente contaminada por los humanos. Por su parte, el resto de los rehenes ha regresado al Valle con Kushana, que pasa a ser la prisionera de Yupa. Sin embargo, Kurotowa sigue en el Valle con su ejército, y continúa con el plan de despertar al Dios Guerrero.
Nausicaä y Asbel regresan a Pejite, para descubrir que la ciudad ha sido arrasada por los Oms. Los supervivientes explican que atrajeron a las criaturas para exterminar a los Tolmekianos que les habían invadido, y que planean hacerse con el embrión del Dios Guerrero llevando a cabo el mismo plan en el Valle. Nausicaä intenta escapar para avisar a su gente, pero es capturada. Asbel es noqueado al intentar rescatarla en vano. Sin embargo, no todos los habitantes de Pejite están de acuerdo con el fatídico plan, por lo que Asbel recibe ayuda de su madre para liberar a Nausicaä. La princesa es recogida por Mito y el Maestro Yupa. 
Yupa se queda atrás para salvar a Asbel, su madre, y los habitantes de Pejite en contra del sangriento ataque, mientras escapan en una nave. Mientras tanto, Kushana logra escapar y se une a Kurotowa para impedir un intento de rebelión por parte de los habitantes del Valle.
De camino al Valle, Nausicaä y Mito se encuentran con una estampida de Oms. La princesa descubre que hombres de Pejite están utilizando una cría Om herida para atraer a la estampida de Oms hacia el Valle. Mito llega en medio de la confrontación entre Tolmekia y el Valle, y avisa a todos de la inminente llegada de la estampida de Oms. Por su parte, Nausicaä consigue detener a los dos soldados de Pejite que transportan la cría de Om, aunque resulta herida en el proceso. Nausicaä evita que la cría se introduzca en agua envenenada, y esta utiliza sus tentáculos para sanar a la joven. En proceso, la sangre de la cría tiñe su vestido rosa de color azul. Sin embargo, los Oms siguen su camino hacia el Valle, atraídos por los disparos procedentes de los soldados de Tolmekia. 
Sin embargo, Kushana ha logrado despertar al Dios Guerrero, el cual comienza a descomponerse al haber sido despertado prematuramente. A pesar de atacar brevemente a los Oms, el Dios Guerrero termina por descomponerse del todo, perdiendo la vida.
Nausicaä logra transportar a la cría delante de los Oms, pero estos siguen enfurecidos y envisten a la princesa, que cae en medio de la estampida. Sin embargo, la cría acude a ayudar a Nausicaä ante lo cual el resto de los Oms se calman deteniendo su ataque. Al lugar llegan también Yupa, Asbel, y los pacifistas de Pejite. Los Oms utilizan sus tentáculos para devolver a Nausicaä a la vida, ante los ojos sorprendidos de los habitantes del Valle, Tolmekia, y Pejite. Nausicaä comienza a caminar sobre los tentáculos dorados de los Oms, Y Obaba se percata de que la profecía se ha cumplido. Nausicaä se reencuentra con Asbel, mientras los Oms se retiran. Kushana abandona el Valle con su ejército de Tolmekia. Los supervivientes de Pejite se unen a los Valle para reconstruirlo todo.

ESCENA
A falta de escenas, aquí dejo este tráiler en versión original de la película. 

miércoles, 10 de septiembre de 2014

TARZÁN DE LOS MONOS

FECHA DE ESTRENO
25 de Marzo de 1932
TITULO ORIGINAL
Tarzan the Ape Man
DIRECTOR
Woodbridge Strong Van Dyke
PRODUCTOR
Irving Thalberg
GUION
Cyril Hume
Basado en la novela de Edgar Rice Burroughs
REPARTO
Johnny Weissmuller (Tarzán), Maureen O’Sullivan (Jane Parker), Neil Hamilton (Harry Holt), C. Aubrey Smith (James Parker), Doris Lloyd (Señora Cutten), Forrester Harvey (Beamish), Ivory Williams (Riano)
CINEMATOGRAFÍA
Clyde De Vinna
BANDA SONORA
George Richelarie
DISTRIBUIDA POR:
MGM
DURACIÓN
99 minutos
SUCEDIDA POR:

JANE PARKER: “Soy Jane Parker. ¿Entiendes? Jane, Jane.”
TARZÁN: “Jane, Jane.”
JANE PARKER: “Sí, Jane. ¿Y tú? Jane.”
TARZÁN: “Jane.”
JANE PARKER: “¿Y tú? Tú.”
TARZÁN: “Tarzán. Tarzán.”
JANE PARKER: “Tarzán.”
TARZÁN: “Jane, Tarzán. Jane…”
JANE PARKER: “Eso es.”
TARZÁN: “Tarzán. Jane, Tarzán. Jane, Tarzán. Jane, Tarzán. Jane, Tarzán.”
JANE PARKER: “¡Oh, calla por favor! Déjame ir, no puedo soportarlo. ¿Para qué me quieres aquí?

CURIOSIDADES
“Tarzán de los Monos” fue la primera película que contó con Johnny Weissmuller y Maureen O’Sullivan como protagonistas; y la primera de catorce películas que contarían con el primero. También marcó la primera aparición del chimpancé Chita, siendo el verdadero nombre del animal entrenado, Jiggs. 
El personaje de Chita fue creado especialmente para esta película, ya que nunca había aparecido en las novelas originales de Burroughs.
Inicialmente se consideró contar con Clark Gable para interpretar el papel de Tarzán, pero se optó por descartarle debido a que se le consideraba poco conocido en aquel entonces. Entonces fue que los productores se decantaron por Johnny Weissmuller, quien había sido uno de nadadores más rápidos a nivel mundial, en la década de 1920. De hecho, se había hecho con cinco medallas de Oro en los Juegos Olímpicos, u una de bronce en water polo. Cuando se contactó con Weissmuller para que interpretara a Tarzán, tenía un contrato con BVD para anunciar ropa interior y trajes de baño. La BVD se opuso ferviente a que su figura de publicidad apareciera en taparrabos, y no llevando alguno de sus diseños. A cambio de que la BVD le dejara a Weissmuller interpretar a Tarzán, la MGM permitió que dicha compañía realizara anuncios con intérpretes femeninos del estudio llevando sus trajes de baños. Algunas de estas fueron Greta Garbo, Joan Crawford, Jean Harlow y Marie Dressler.
Durante toda su vida, Maureen O’Sullivan insistió que el famoso grito de Tarzán había sido creado por el propio Weissmuller, sin ningún tipo de asistencia técnica. Sin embargo, fue creado por el experto de sonido Douglas Shearer, quien utilizó efectos especiales de sonido. Estos incluían el sonido de cantos yodel australianos, reproducidos de forma invertida a una velocidad acelerada. EL propio Weissmuller aseguró que había sido el creador del grito en un concurso de cantos yodel que había ganado siendo solamente un niño. Más adelante, aprendió a imitar el sonido para que la gente asumiera que era él quien lo producía durante sus películas. Independientemente de quien dijese la verdad, esta fue la primera película en la que se pudo escuchar el clásico grito del Hombre de los Monos.
En el caso de los monos, los animales adultos eran actores con disfraces, mientras que las crías eran chimpancés de verdad. Esta fue una práctica que se optó por abandonar tras esta primera película. Uno de los hombres que llevaba un traje de simio era Ray Corrigan. 
Los elefantes que se utilizaron en las primeras películas de Weissmuller no eran africanos, sino asiáticos. A estos se les habían puesto extensiones a las orejas, práctica habitual debido a que los elefantes asiáticos son mucho más dóciles que los africanos. En películas posteriores, las orejas falsas dejaron de usarse al considerar que nadie se percataría de la diferencia. El leopardo que lucha contra Tarzán cuando este conoce a Jane, era en realidad un jaguar. Fue utilizado porque era mucho más barato de importar desde Méjico, que los verdaderos leopardos desde África. Los miembros de la tribu de pigmeos que aparecían en la película era en realidad un reparto de gente pequeña de raza blanca, a los cuales se les había pintado de negro.
 La frase “Yo Tarzán, Tú Jane” no se menciona en ningún momento de la película. Cuando Jane y Tarzán se conocen, es ella quien inicia el intercambio verbal entre ambos personajes, repetidamente refiriéndose a sí misma y proporcionando su nombre hasta que Tarzán lo logra repetir. 
Es entonces cuando le señala, indicándole su deseo de saber si existe una palabra para que pueda dirigirse a él, equivalente al de Jane. En poco tiempo, el hombre la entiende y responde: “Tarzán”.
La película utiliza grandes cantidades de metraje de la película “Trader Horn” del año 1931, y también dirigida por Van Dyke. Esto provocó que algunas escenas fueran superpuestas sobre el antiguo metraje de una forma demasiado obvia. Esto sucedía más especialmente al principio de la película, cuando James Parker le muestra a Jane distintas tribus locales. A dicho metraje de archivo se añadieron varias escenas rodadas en el Lago Toluca, región del norte de Los Ángeles. La película fue producida y distribuida por los Estudios MGM. Uno de los fundadores del estudio fue Szmul Gelbfisz, aunque inicialmente el estudio se denominaba “Goldwyn Pictures”. Gelbfisz decidió cambiarse su nombre por el de Samuel Goldwyn. La compañía acabaría por convertirse en “MGM”. Su nieto, Tony Goldwyn, le proporcionaría la voz a Tarzán en la adaptación de Disney estrenada en 1999.

NOTA PERSONAL
Debo comenzar mencionando que Tarzán siempre ha sido uno de mis personajes de ficción favoritos, y este hecho se remonta hasta cuando era solo un niño. La primera adaptación que vi de Tarzán, fue la mística serie de animación de la década de 1970. Después de esto comencé a iniciarme en las clásicas películas de Weissmuller cuando aún no había cumplido los diez años. Aunque debo admitir que la primera que vi fue “Tarzán en Nueva York” (1942).
Creo que es importante saber contextualizar determinadas películas y la época en la que fueron rodadas. Menciono esto debido a que siempre he leído innumerables referencias a determinados tonos racistas que pueden encontrarse en la película. Sin embargo, uno tiene que tener la suficiente objetividad para entender lo que la década de 1930 simbolizaba en términos raciales. Es evidente que los nativos africanos no son caracterizados de forma muy afortunada, y la escena de la tribu “pigmea” puede resultar incluso ofensiva. 
Sin embargo, yo no percataba de esas connotaciones cuando era un niño, y ahora prefiero considerarlo errores históricos que han logrado ser corregidos con el paso del tiempo.
Concentrándome en los aspectos positivos de la película comenzaré con Johnny Weissmuller. Sin duda nadie ha sabido interpretar a Tarzán como él. La película tiene escenas que hacen un despliegue evidente sus habilidades como nadador; y siempre me causó hilaridad como conservaba su impecable permanente al salir del agua. Aunque el personaje de Jane me parecía algo irritante en ocasiones, reconozco que siempre me ha gustado el trabajo de O’Sullivan a la hora de representar como una chica de ciudad acaba seducida por la vida en la selva. De hecho, siempre he considerado que acaba por enamorarse de Tarzán, porque el personaje representa la personificación de dicha vida en la selva. Luego tenemos el formidable chimpancé Chita, que sin lugar a dudas era la delicia de cualquier niño, por sus formidables escenas, en ocasiones cómicas. 
La mezcla con escenas de la fauna africana es evidentemente superpuesta en ocasiones, y en otras se nota con las animales son construcciones. A pesar de esto, las escenas de acción siempre me han parecido muy logradas, sobre todo considerando que es una película de 1932.  
En términos definitivos, la primera película de la saga de catorce films es formidable, si bien no mi favorita, y marcó el inicio de inolvidables películas de acción.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
James Parker se encuentra en África con su joven ayudante Harry Holt. Ambos desean encontrar un legendario cementerio de elefantes, para poder obtener todo el marfil posible. La hija de James, Jane Parker, llega también a África, cansada de verse alejada de su padre. Inicialmente, James desea enviarla de vuelta, pero el fuerte carácter de su hija hace que esto sea inviable. 
Por otro lado, el joven Harry no tarda en sentirse atraído hacia Jane, con quien intenta conectar, defendiendo su deseo de quedarse en África. James le presenta a su hija a varias tribus locales, y la joven no parece tener problemas para adaptarse a su nuevo entorno, así como a las costumbres de los locales. James y Harry le comunican su deseo de encontrar el cementerio de elefantes, y la joven no duda en asegurar que les ayudará en su empresa. Con un pequeño grupo de hombres guiados por el local Riano, los tres comienzan su viaje a través de la jungla, a pesar de no tener pistas. La primera noche, Harry le solicita a Jane que considere la posibilidad de que ambos puedan iniciar una relación, algo que Jane no descarta. La expedición continúa y tiene un breve encuentro con una tribu que venera a los elefantes como animales sagrados. Al escalar una montaña, Jane está a punto de caer despeñada, pero se salva gracias a la cuerda a la que está amarrada. Harry tira de la cuerda, rescatando a la joven. Poco después, la expedición escucha un extraño grito, el cual James identifica como procedente de un hombre. 
James está a punto de detener la expedición, pero Jane le asegura que no está asustada y que deben proseguir en su búsqueda.
Sin embargo, los nativos que les acompañan comienzan a sentir un gran temor. La expedición consigue cruzar un río repleto de hipopótamos. Para evitar el ataque de los animales, Jane demuestra gran destreza con el rifle. Durante el cruce, Harry cae al río y Jane se percata de la presencia de cocodrilos, uno de los cuales logra devorar a un nativo. Tras cruzar el río, la expedición se encuentra con un hombre salvaje encaramado a un árbol. La expedición es atacada por una tribu de pigmeos, y se ve obligada a escapar. El hombre salvaje se lleva a Jane ante la desesperación de James y el resto de la expedición. Inicialmente, Jane se siente aterrada ante el salvaje y el chimpancé que le acompaña. Pero el hombre se muestra protector, llegando a enfrentarse a un leopardo con el que logra acabar. Jane también descubre que era él quien emitía el sonoro grito que había oído, y es transportada de árbol en árbol, mediante el uso de lianas por parte del hombre.
Sin embargo, Jane no tarda en darse cuenta de que el hombre la está protegiendo de los distintos peligros de la selva. Jane consigue comunicarse con dificultad logrando explicarle su nombre al hombre, quien le replica que se llama Tarzán. Este ayuda a la joven consiguiéndole alimentos, ya que utiliza su grito para comunicarse con los animales de la selva. Mientras Tarzán busca alimentos, la expedición logra localizar a Jane en el árbol, y dispara sobre un chimpancé hembra, dejando a su cría, Chita, bajo el cuidado de Tarzán, quien llega en ese momento. Harry falla un disparo sobre Tarzán, y Jane le implora que le deje tranquilo y que prosigan su camino. Sin embargo, Tarzán les sigue a distancia. James conversa con Jane, quien le explica que al principio estaba asustada, pero que había perdido el miedo. Aunque James intenta explicarle que es un hombre salvaje, Jane le asegura que no es así. Cuando Harry no muestra remordimientos por haberle disparado al mono, Jane se enfada con él. Tarzán comienza a matar a miembros de la expedición, y Jane intenta explicar que es consecuencia de haber matado al mono.
Antes de que intenten acabar con Tarzán, Jane se ofrece voluntaria para hablar con él. Sin embargo, Harry vuelve a disparar sobre Tarzán, fallando de nuevo; mientras los monos se llevan a Jane de regreso al refugio de Tarzán en un árbol.
Tarzán es herido mientras lucha contra un león, y los monos conducen a Jane hasta él. La joven atiende sus heridas, y logra hacerse con el afecto de los monos. Tras esto, la pareja comienza a pasar más tiempo en compañía, y Jane comienza a sentirse atraída hacia el hombre salvaje. Sin embargo, Jane se percata de la preocupación de su padre y se siente triste, por lo que Tarzán decide llevarla de regreso con la expedición y se marcha ante la desolada joven. Poco después, la expedición es capturada por una tribu de enanos, pero Jane consigue ver a Chita a lo lejos, y le pide que vaya en busca de Tarzán. Con su grito, Tarzán convoca a los elefantes de la jungla y logra escapar del río plagado de cocodrilos, para acudir al rescate.
En el campamento de la tribu, Jane, Jame y Harry son arrojados a un foso que contiene un gorila gigante. El resto de los miembros de la expedición es sacrificado. Tarzán llega a tiempo para salvarles, logrando acabar con el gorila en combate. Poco después, aparece una manada de elefantes que ataca el poblado, mientras Tarzán, Jane, Harry y James escapan a lomos de dos elefantes. Sin embargo, el elefante en el que se encuentra James está a punto de perecer. James insiste en que dejen que el elefante le lleve más tiempo, ya que les conducirá hasta el cementerio de elefantes. Sin embargo, James perece nada más llegar. Jane decide que no es el momento de profanar el cementerio de elefantes, y los tres lo abandonan. Jane procede a despedirse de Harry, indicando que ella se quedara en la selva con Tarzán. Cuando Harry regrese a por el marfil, no correrá ningún peligro, pues Tarzán se encargará de protegerle. Tarzán, Jane y Chita regresan a la selva para iniciar una nueva vida.

ESCENA
Solo he conseguido esta escena en la que la expedición sube por la montaña, y Jane está a punto de caer. 

miércoles, 3 de septiembre de 2014

NOSFERATU EL VAMPIRO

FECHA DE ESTRENO
4 de Marzo de 1922
TITULO ORIGINAL
Nosferatu, eine Symphonie des Grauens
DIRECTOR
Friedrich Wilhelm Murnau
PRODUCTORES
Enrico Dieckmann, Albin Grau
GUION
Henrik Galeen
Basado en “Drácula” de Bram Stoker
REPARTO
Max Schreck (Conde Orlok), Gustav von Wangenheim (Thomas Hutter), Greta Schröder (Ellen Hutter), Alexander Granach (Knock), Ruth Landshoff (Annie), Wolfgang Heinz (Primer Oficial del Empusa), Georg H. Schnell (Harding), John Gottowt (Profesor Bulwer), Gustav Botz (Profesor Sievers), Max Nemetz (Capitán del Empusa), Heinrich Witte (Guardia en el asilo), Guido Herzfeld (Posadero), Karl Etlinger (Estudiante con Bulwer), Hardy von Francois (Doctor del hospital), Fanny Schreck (Enfermera del hospital)
CINEMATOGRAFÍA
Fritz Arno Wagner, Günther Krampf
BANDA SONORA
Hans Erdmann
DISTRIBUIDA POR:
Film Arts Guild
DURACIÓN
94 minutos


CURIOSIDADES
“Nosferatu” fue la única producción de “Prana Film”, compañía fundada en el año 1921 por Enrico Dieckmann y Albin Grau. Este último tuvo la idea de rodar una película sobre vampiros, inspirándose en una experiencia personal. En el invierno de 1916, un granjero serbio le había dicho que su padre era un vampiro, un no muerto. Dieckmann y Grau le entregaron a Henrik Galeen la tarea de escribir un guion inspirado que estuviera inspirado en la novela de Bram Stoker, “Drácula”, del año 1897. Sin embargo, “Prana Film” no se había hecho con los derechos de la película. Galeen era un especialista experimentado en el romanticismo oscuro; y ya había trabajado en la película de 1913, “El Estudiante de Praga”, así como en el guion de la película de 1920 “El Golem”.
Galeen estableció la historia en una ciudad ficticia llamada Wisborg, supuestamente situada en un puerto del norte, y cambió los nombres de los personajes. Añadió la idea de que el vampiro provocara que la población pensara que las muertes provocadas por él, fueran causa de la plaga. Dejó de lado el personaje del cazador de vampiros Van Helsing. 
El guion de Galeen poseía un estilo poéticamente rítmico, sin resultar tan desmembrado como otros libros influenciados por el Expresionismo literario.
El rodaje comenzó en julio de 1921, y las tomas exteriores tuvieron lugar en Wismar. Se utilizó una toma de la torre sobre el mercado de Wismar para establecer las escenas de Wisborg. En Lübeck, el abandonado Salzpeicher (Almacén de Sal) sirvió como la nueva casa de Nosferatu en Wisborg, una en el cementerio para la casa de los de Hutter. Los exteriores de la película que sirvieron para las escenas en Transilvania, tuvieron lugar en la región del norte de Eslovaquia. El equipo rodó las escenas de interiores en el estudio JOFA de Berlín. Por motivos de escaso presupuesto, el cámara Fritz Arno Wagner solo disponía de una cámara, y por lo tanto solo hubo un negativo original. El director siguió el guion de Gallen cuidadosamente, siguiendo instrucciones escritas sobre el posicionamiento de la cámara, la luz y otros temas relacionados con el rodaje. A pesar de esto, Murnau reescribió doce páginas del guion por completo debido a que faltaba el texto de Galeen en la copia del guion que el director había recibido. 
Dichos cambios eran en relación con la última escena de la película, en la que Ellen se sacrificaba y el vampiro fallecía bajo los primeros rayos del sol. Murnau se preparó cuidadosamente; y existían borradores que correspondían a cada una de las escenas rodadas. También utilizó un metrónomo para controlar el ritmo de las interpretaciones.
La banda sonora original fue compuesta por Hans Erdmann para ser interpretada por una orquesta durante la proyección de la película. Sin embargo, la mayor parte de la música se ha perdido, y lo que queda es solo una reconstitución de lo que fue interpretado en el año 1922. Este es el motivo por el que muchos compositores y músicos han improvisado su propia música para acompañar a la película. Por ejemplo, Hames Bernard, compositor de muchas bandas sonoras de las películas de terror de Hammer en las décadas de 1950 y 1960, ha reescrito una banda sonora para ser reutilizada. En 1989, el venerable Art Zoyd, incondicional  del rock progresivo, lanzó “Nosferatu” en Mantra Records. 
Thierry Zaboitzeff y Gérard Hourbette compusieron las Pieces, para corresponder con una versión truncada de la película que se estaba distribuyendo con fuerza. En 2010, los “Mallarme Chamber Players of Durham”, en Carolina del Norte, contrataron al compositor Eric Schwartz para componer una partitura de música de cámara experimental para ser interpretada en directo junto a emisiones de la película.
“Nosferatu” logró reforzar la imagen del director Murnau a los ojos del público, especialmente cuando su película “La Tierra en Llamas” fue estrenada unos días más tarde. La prensa realizó numerosos artículos sobre “Nosferatu” en su estreno. Añadido a los elogios, también hubo críticas ocasionales. Estas se concentraron en la perfección técnica y la claridad de las imágenes, las cuales se argumentaban que no iban a la par con un tema de terror. Se llegó a declarar que el vampiro aparecía demasiado corpóreo y con una luz brillante, por lo que no parecía todo lo aterrador que se podía esperar. 
A pesar de esas críticas ocasionales, la película terminó por convertirse en una obra maestra a los ojos de mucho, así como en todo un clásico del cine de terror. Se realizó un remake de la película, el cual se estrenó en el año 1979 titulada “Nosferatu, Vampiro de la Noche”. En esta ocasión, no se trató de una película muda.

NOTA PERSONAL
La primera vez que pude ver esta película era solo un crío, y lo hice gracias a una copia que había conseguido un tío mío. De hecho, fue la primera película muda que vi, y me causó un impacto tremendo. A pesar de su carencia de diálogos, me tuvo enganchado a la pantalla y recuerdo pasar un verdadero pánico. Fue tanto que apenas pude dormir durante la noche, y el recuerdo se me quedó grabado. Pasaron muchos años hasta que pude ver la película una vez más, y ya no me produjo miedo alguno. Supongo, que esto se debe a que es un film enmarcado en una época y estilo muy contrato. Sin embargo, me sigue pareciendo una película excepcional, y es innegable que sigue estando cargada de una atmosfera inquietante.
La interpretación de Max Schreck es sencillamente espeluznante. De hecho el aspecto del peculiar vampiro sería utilizado repetidamente en el futuro, como en la serie de televisión “El Misterio de Salem Slot”. Por otro lado, la música es excepcional y consigue combinar un estilo poético con algo tan dispar como una historia de terror. Me fascinan las interpretaciones exageradas del resto de los personajes, así como todos los entornos elegidos para la película.
Acabaré señalando que no soy un gran fan de las películas mudas, pero reconozco su mérito y cuanto menos interesante estilo. En este caso, esta película nunca se me ha hecho lento, y siempre me ha mantenido atento a la pantalla. No cabe duda de que se trata de todo un clásico.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
ACTO I
En la ciudad de Wisborg, Alemania, Thomas Hutter vive feliz en compañía de su esposa Ellen. Una mañana en el trabajo, su jefe Knock le comunica su decisión de enviarle a Transilvania con la intención de que se reúna con un nuevo cliente llamado el Conde Orlok. Este desea trasladarse a Wisborg, y Knock le encarga que le venda una lúgubre casa abandonada. El trabajo es una gran oportunidad para Thomas, quien se reúne con su esposa Ellen para comunicarle el encargo. Su amigo Harding, en compañía de su hermana Annie, le tranquiliza asegurándole que cuidara de Ellen durante su ausencia. De esta forma, Thomas parte hacia Transilvania.
Cerca de su destino en las montañas de los Cárpatos, Hutter se detiene en una posada para cenar. El posadero se muestra muy amable, pero cuando Thomas menciona que ha viajado  para reunirse con el Conde Orlok, todos se muestran atemorizados, y le aconsejan que no viaje allí durante la noche, pues un hombre lobo merodea por las proximidades. Thomas no se toma en serio esas supersticiones y se ríe ante esas historias. 
Tampoco se toma en serio la supuesta existencia de un ser sobrenatural llamado el Nosferatu, que se alimenta de la sangre humana. A pesar de esto, decide quedarse a dormir en la posada.
A la mañana siguiente, Thomas toma un carruaje en dirección al castillo de Conde Orlok. Sin embargo, los cocheros se niegan a llevarle más allá de un puente, ya que está a punto de caer la noche, y según ellos un diablo reside por esos lugares. Thomas sigue sin tomarse estas historias en serio, y parte caminando hasta que es recibido por un carruaje negro. Su cochero le indica mediante gestos que suba al carruaje. De esta forma, Thomas es llevado hasta el castillo donde es recibido por el Conde Orlok, quien le da la bienvenida.
ACTO II
El Conde Orlok invita a Thomas a cenar mientras lee con detenimiento el contrato de compra de su nueva casa en Wisborg. Durante la cena, Thomas comienza a inquietarse por el lúgubre aspecto del Conde, y se corta un dedo con el cuchillo mientras corta una hogaza de pan. 
El Conde percibe la presencia de la sangre e intenta chupar la sangre fuera, pero Thomas retira su mano sintiendo repulsa. Sin embargo, Orlok le hipnotiza para que se quede un rato más en su compañía.
A la mañana siguiente, Thomas se despierta y percata de dos perforaciones en su cuello, las cuales atribuye a las mordeduras de mosquitos o arañas. Thomas le escribe una carta a su esposa, y hace que un local se encargue de llevarla a caballo. Esa misma noche, Orlok firma los documentos de compra de su nueva casa, justo en frente de la casa de Thomas. Durante la firma, Thomas deja caer una fotografía de Ellen, y Nosferatu queda prendado de ella elogiando la belleza de su cuello. Cada vez más inquieto, Thomas comienza a sospechar que Orlok es Nosferatu. Llegada la noche, intenta refugiarse en su habitación, pero no hay manera de bloquear la puerta, y la ventana da a un acantilado. La puerta de su habitación se abre y Orlok entra en si interior revelando su verdadera naturaleza. Thomas cae inconsciente, mientras en Wisborg Ellen tiene una horrible pesadilla que le hace temer por la suerte de su esposo.
Al día siguiente, Thomas comienza a explorar el castillo hasta llegar a una cripta. Allí descubre a Orlok descansando dentro de un ataúd. Aterrorizado, Thomas se refugia en su habitación. Horas más tarde observa como Orlok está cargando varios ataúdes en un carruaje, y como se introduce en el último antes de que el carruaje parta. Aterrorizado al pesar que Ellen corre peligro, Thomas intenta salir del castillo por la ventana, pero acaba despeñándose y queda inconsciente.
ACTO III
Thomas despierta en un hospital, donde una enfermera le explica al médico que fue encontrado con alta fiebre. Los ataúdes de Orlok son cargados a bordo del barco conocido como el Empusa. Los ataúdes son inspeccionados por la tripulación, revelando que contienen tierra, mientras uno de ellos está lleno de ratas. Mientras tanto, en Wisborg, el Profesor Bulwer explica la naturaleza de las plantas carnívoras a sus alumnos, comparándolas con los vampiros. También se revela que Knock ha estado siempre bajo la influencia de Nosferatu, y ante su proximidad pierde la razón y es encerrado en un asilo donde consume insectos asegurando que la sangre es vida. En su locura, Knock llega a atacar al director del asilo.
Por su parte Ellen ha caído en la melancolía, añorando la compañía de su esposo. Harding y Anna reciben la carta de Thomas y corren a entregársela a Ellen. Al mismo tiempo, Thomas se recupera y parte hacia Wisborg preocupado por el peligro que corre su esposa. El Empusa prosigue su viaje hacia Wisborg, y su tripulación ignora el peligro que llevan consigo. Sus marineros comienzan, uno tras otro, a enfermar con altas fiebres. La situación se vuelve insostenible cuando solo quedan con vida el Primer Oficial y el Capitán. Sospechando lo que ocurre, el Primer Oficial se dispone a destruir los ataúdes. Sin embargo, Orlok se despierta y el Primer Oficial, aterrorizado salta al mar. El Capitán, inconsciente del peligro, se ata al timón, convirtiéndose en la última víctima de Orlok.
ACTO IV
En Wisborg, Ellen ha comenzado a caminar dormida, sintiéndose hipnotizada por una fuerza extraña. El Empusa llega a Wisborg, y Orlok parte a su nueva residencia sin ser observado y portando su propio ataúd.
Al sentir la llegada de su amo, Knock ataca a un guardia del asilo y consigue escapar. Thomas también logra regresar a casa y reunirse con Ellen.
A la mañana siguiente, las autoridades portuarias examinan el Empusa y encuentran a su Capitán sin vida. Al inspeccionar el cuaderno de bitácora, asumen que sus tripulantes fueron víctimas de la peste. El pánico por la peste se desata en Wisborg, y se insta a los ciudadanos a que permanezcan en sus casas.
ACTO V
Varias muertes comienzan a tener lugar por toda la ciudad, pero son achacadas a la plaga. Mientras tanto, Ellen lee el libro de Thomas sobre la existencia de Nosferatu, y descubre que la criatura solo puede ser detenida si una mujer virtuosa consigue que se olvide del canto del primer canto del gallo. Las muertes siguen sucediendo, y los habitantes de Wisborg, deseosos de encontrar un responsable, culpan al demente Knock al que comienzan a perseguir hasta capturarle.
Ellen decide abrir su ventana para invitar a Nosferatu con la esperanza de acabar con él, pero se desmalla. Thomas la acuesta y corre para avisar al Doctor Bulwer. Una vez sola, Ellen se recupera a tiempo para recibir a Orlok. Nosferatu comienza a beber la sangre de la joven y pierde la noción del tiempo hasta que el gallo canta anunciando el amanecer. En el asilo, Knock se desespera ante el peligro que corre su amo. Orlok intenta abandonar la habitación, pero se desintegra en humo ante la luz del sol, perdiendo la vida. Thomas llega con el Doctor Bulwer a tiempo de ver como Ellen pierde la vida, habiéndose sacrificado para acabar con el vampiro. Las muertes dejan de tener lugar en Wisborg, mientras que en Transilvania, el castillo de Orlok queda en ruinas.

ESCENA
Genial y escalofriante escena en la que el Conde Orlok visita a Hutter por la noche, y como el joven lo descubre en su ataúd a la mañana siguiente.