EL MISTERIO DE SALEM'S LOT

TÍTULO ORIGINAL
Salem’s Lot
CREADOR
Paul Monash

Basado en la Novela de Stephen King
PRODUCCIÓN

Richard Kobritz
REPARTO

David Soul (Bean Mears), James Mason (Richard K. Straker), Lance Kerwin (Mark Petrie), Bonnie Bedelia (Susan Norton), Lew Ayres (Jason Burke), Julie Cobb (Bonnie Sawyer), Elisha Cook (Gordon “Weasel” Phillips), George Dzundza (Cully Sawyer), Ed Flanders (Bill Norton), Clarissa Kaye (Marjorie Glick), Geoffrey Lewis (Mike Ryerson), Barney McFadden (Ned Tebbets), Kenneth McMillan (Alguacil Gillespie), Fred Willard (Larry Crockett), Marie Windsor (Eva Miller), James Gallery (Padre Callahan), Reggie Nalder (Kurt Barlow)
FECHA DE ESTRENO Y FINAL
Del 17 de Noviembre de 1979 al 24 de Noviembre 1979
CANAL DE EMISIÓN
CBS-TV

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL
Harry Sukman
NÚMERO DE EPISODIOS
Miniserie: Dos episodios de dos horas cada uno

CURIOSIDADES

La novela de Stephen King había sido publicada en el año 1975. Desde ese momento y debido a su enorme éxito muchos fueron los directores, involucrados en películas de terror, que mostraron su enorme interés por llevar la novela a la gran, o pequeña, pantalla. Había determinados problemas, los relativos a los derechos, y por supuesto el adaptar una novela de tanta complejidad, y tantos personajes a un guión dinámico y funcional.Larry Cohen intentó escribir un guión que resultó un autentico de desastre en lo relativo a la coherencia de la historia. Cuando Paul Monash fue el encargado de realizarlo decidió que primeramente era necesario reducir el número de personajes a la mitad, o el espectador terminaría por volverse loco recordando quién era quién. Monash decidió dejar una de las ideas de Cohen en su guión. En la novela el vampiro Kurt Barlow poseía apariencia humana, y era un aristocrático europeo con una habilidad de seducir mediante las palabras bastante notable. Monash decidió mantener la idea de Cohen y convertir a Barlow en un Nosferatu bestial y carente de capacidad de raciocinio. Los fans acérrimos de la novela mostraron un disgusto evidente ante este cambio tan radical en quién era el personaje villano fundamental. George Romero, que había mostrado su interés por realizar la serie, expreso que en lugar de ser Lord de los vampiros, Barlow había sido convertido en la bestia personal de Straker, quién se suponía era su criado.
Cuando Cohen descubrió que su idea de incorporar un Nosferatu en lugar de Barlow había usado por Monash, presento una denuncia ante el gremio de guionistas para recibir crédito. Su denuncia fue desestimada.
Sin embargo, Stephen King expresó que le gustaban las modificaciones realizadas, ya que entendía que estos eran necesarios para que la novela funcionase visualmente.David Soul, famoso en aquella época por interpretar Hutch en la afamada serie “Starsky & Hutch”, interpretaba al protagonista Ben Mears. A su lado contó con un buen reparto, en particular destacable James Mason como Straker.
La miniserie se convirtió en un éxito absoluto en todo el mundo. En España fue emitida como serie y después lanzada en video como una película titulada “Phantasma II” que no tenía nada ver con su predecesora. Esta versión fue recortada seriamente quitando prácticamente todos los elementos que no tenían la función de asustar.
Como consecuencia del éxito de la serie el género de vampiros sufrió un resurgir evidente durante la década de los ochenta. Las películas de vampiros se sucedieron constantemente y produjo claros éxitos como “Noche de Terror” o Jóvenes Ocultos”.
Cohen dirigió un intento de repetir el éxito con la secuela “Regreso a Salem’s Lot”, que nada tenía que ver con Stephen King. Fue un verdadero desastre, y objeto de burlas por lo ridículo de su argumento.
En 2004 se realizó un remake de la serie, en esta ocasión protagonizada por Rob Lowe y el genial Rutger Hauer interpretó a un vampiro Barlow completamente fiel a la novela original. Muchos opinaron que el remake era más fiel a la novela, aunque la acción se trasladaba a la época actual, pero que no conseguía inspirar el mismo terror de su original.

NOTA PERSONAL
La serie se retransmitió en España a comienzos de los ochenta, aquí dividida en tres capítulos consecutivos. Recuerdo que fue todo un fenómeno de masas. Yo era un mocoso y pase un miedo indescriptible viendo la serie, y a día de hoy todavía recuerdo que los vampiros me parecían muy bien hechos, y me lo siguen pareciendo.
Como es de entender a dicha temprana edad, yo no había leído la novela de Stephen King, con lo cual no perdí el tiempo en hacer comparaciones absurdas. La verdad es que siempre he intentado no hacer comparaciones entre libros y películas, y únicamente he fracasado con “El Señor de los Anillos”… pero eso es otra historia.
El Barlow Nosferatu pegando gruñidos daba realmente pánico, y nunca he logrado borrar de mi cabeza la banda sonora tan oscura y tétrica de Harry Sukman.
Este estilo de películas y series en la que el número de “buenos” se va reduciendo poco a poco, y hay que sobrevivir contra los “elementos malvados” me encantan. Es una temática muy utilizada porque ayuda a crear una atmósfera de tensión que ayuda al espectador a no saber que esperar.
Hace relativamente poco conseguí leer la novela, y es evidente que hay elementos que se evitan tocar en la miniserie de 1979. Y no estoy refiriéndome exclusivamente a Barlow. Para empezar Susan fallece en Salem’s Lot y no va tras Ben y Mark hasta Sudamérica. Straker es asesinado por Barlow después de fracasar como sirviente. El Padre Callahan tiene un papel más importante y se une a Mears como cazador de vampiros. Barlow se ve obligado a abandonar La Casa Masters y es asesinado en otro lugar… y faltan gran cantidad de personajes.
Volviendo a la serie, recuerdo los ataques de los vampiros como escenas que me dejaban completamente paralizado. Una de esas era la del niño vampiro, Ralphie Glick, entre niebla arañando la ventana de su hermano para atacarle. Pero la que más recuerdo es la de Ben Mears en la morgue construyendo su cruz con dos paletas para mirar la garganta, mientras Marjorie Glick se alzaba como no muerta de la mesa de la autopsia. La Mansión Marsten también tenía ese toque ajado que daba autentico pánico, y la guardilla donde dormían los vampiros también producía pavor.
Otro aspecto que me encantaba era el chaval que se veía forzado a ser un héroe, y que además era un frikkie, como servidor del cómic, del mundo del terror y la ciencia ficción. ¡Los frikkies salvaremos el mundo!
Independientemente de cualquier opinión, viviendo como lo hacemos en la era de los vampiros románticos y encantadores, resulta refrescante ver este tipo de producciones donde los vampiros verdaderamente tenían aspecto de verdadero terror, y eran todo menos sexy o atractivos. Con esto no quiero criticar esta nueva vertiente, que tiene sus aspectos positivos y originales, simplemente expreso mi nostalgia a una época en la que los vampiros daban verdadero terror. En ese sentido me muestro contrario a aquellos que alegan que los vampiros de esta miniserie no están muy logrados. No se puede esperar reaccionar con el pánico de un chaval, al mismo material cuando han pasado treinta años desde su emisión original.
La versión de 2004, protagonizada por Rob Lowe, Rutger Hauer y Donald Sutherland esta bien hecha y es más cercana a la novela, pero no causa, ni de cerca, el mismo miedo. Claro que aquí tengo que reconocer que no es lo mismo ver algo de terror con nueve años que con treinta y cuatro. Creo que este hecho es olvidado por mucha gente a la hora de realizar determinadas comparaciones. Pero de todas maneras reconozco que el maquillaje era demasiado “vivo” para los vampiros, y la banda sonora no tenía ni de cerca ese toque inquietante de la original.
Fue a raíz de esta serie que me aficioné al mundo de los vampiros, y no he dejado de perderme una sola película o serie de esta temática. Sin embargo, recuerdo al niño de nueve años que fui muerto de miedo y expectación mientras los vampiros tomaban Salem’s Lot, y sorprendido por un final que no se podía juzgar como feliz.
Si os gustan las de vampiros os recomiendo no solo esta serie, sino la brillante novela de Stephen King.

HISTORIA (Resumen breve, debido a la extensión de la serie)
Ben Mears es un escritor afamado que regresa a su pueblo natal, Salem’s Lot. Este retorno se debe a su interés por escribir una novela sobre la Casa Marsten del pueblo. Dicha casa ha sido centro de misterios sin resolver y una constante pesadilla en la mente de Ben Mears. De niño se vio obligado a entrar en la casa respondiendo a una apuesta de chavales. Una vez dentro creyó ver el fantasma de su anterior dueño Hubie Marsten.Ahora ya como adulto ha regresado así pueblo natal para escribir sobre la mencionada casa. A su llegada observa que hay un hombre vestido de negro que parece estar haciendo uso de la misma. Ben visita a un agente inmobiliario en el pueblo llamado Larry Crockett, quién le informa que la casa ha sido adquirida por el hombre que ha visto, llamado Richard Straker.
Ben conoce a una joven llamada Susan Norton y se enamora de ella, estableciendo también una fuerte amistad con su padre, el médico del pueblo, y Burke, profesor de literatura en el instituto, y su antiguo tutor.
Richard Straker ha llegado al pueblo para abrir una tienda de antigüedades, y esta a la espera de la llegada de su socio Kurt Barlow. Mientras tanto le encarga a Crockett que contrate a dos hombres para llevar una enorme caja a la Casa. Mike Ryerson y Ned Tebbets llevan la caja por la noche. Asustados por el frío que emite la caja, la dejan en el sótano de la Casa Marsten y se van despavoridos. En la caja se encuentra Kurt Barlow, el socio de Straker que es en realidad su maestro, un vampiro de siglos de antigüedad.Barlow escapa de la caja y sale en busca de presas. El primero en caer es Crockett que ha sido descubierto con su amante por el marido de esta. Forzado ha huir de la casa de ambos, se encuentra con Barlow que le ataca. Mientras tanto Straker captura a un joven niño llamado Ralphie Click, y le lleva a la Casa Marsten para que Barlow también se alimente de él. El hermano del niño, Danny logra escapar pero a la siguiente noche recibe la visita de su hermano que le muerde. Sin saber que ocurre, los padres de Danny en el hospital donde vuelve a ser atacado por Ralphie y perece.
Después de su funeral, Mike Ryerson es el encargado de enterrar al chico, y queda suspendido en trance ante el ataúd. Mike lo obra y Danny se alza como vampiro y le ataca. Después Danny visita a su amigo Mark, que logra ahuyentarlo de la ventana de su cuerpo utilizando un crucifijo.
Durante el día Ben comenta a Burke su teoría de que la Casa Marsten actúa como un imán que solo atrae maldad y no le gusta Straker. Cuando participa en una búsqueda del niño desaparecido encuentra un trozo de tela negra, y recuerda que Straker lleva siempre trajes negros. Ben y Burke salen a cenar y se encuentran con un debilitado Mike. Preocupado por el Burke le pide que se quede en su casa esa noche. Durante la noche Burke escucha risas de un niño que entra en la habitación de Mike, justo encima de la suya, y al día siguiente Mike aparece muerto. Burke, y Ben empiezan a sospechar que el vampirismo esta invadiendo Salem’s Lot, y se lo hacen saber al padre de Susan, el Doctor Norton. Ben es golpeado por Ned, celoso de su relación con Susan. Ned es arrestado por ello.
Durante la siguiente noche Burke oye ruidos en su cuarto de invitados, y portando un crucifijo entra en ella para encontrarse con Mike, ahora vampiro. Burke le expulsa con la cruz y después sufre un ataque al corazón. En la cárcel el propio Barlow ataca a Ned. El Doctor Norton y Ben son informados de que la madre de Danny y Ralphie ha fallecido también y deciden pasar la noche en la morgue. Esa noche presencian como Marjorie Glick se alza como vampiro, y Ben la obliga a huir con un improvisado crucifijo.
Mark le habla a sus padres de la visita del vampiro Danny, estos llaman al cura del lugar el Padre Callahan para que hable con el. Durante esa charla son atacados por Barlow y Straker. Barlow asesina a los padres de Mark, a quien se le permite huir a cambio de que el Padre Callahan se enfrente a Barlow. La fe del cura es débil y es derrotado.
A la mañana siguiente, Susan, que no acaba de creerse lo que su padre y Ben le han contado, se dirige a la Casa Marsten. Allí contempla a Mark introduciéndose en ella con una estaca. Susan corre tras el para convencerle que espere para unirse a Ben y su padre, pero el chico no hace caso. Straker les encuentra y ata a Mark a una silla, mientras se lleva a Susan a otro lugar desconocido.
Ben y el Doctor Norton se dan cuenta de que Susan ha ido a la Casa y se dirigen allí, donde se encuentran con Mark, que ha logrado desatarse y huir. Straker aparece y asesina al Doctor Norton. Ben tiene que disparar varias veces su revolver para que Straker finalmente fallezca. En el sótano, Ben y Mark encuentran la guardilla donde se ocultan todos los vampiros. En ella esta el ataúd de Barlow. Ben clava una estaca en Barlow justo cuando esta llegando la noche. Después, junto a Mark, prende fuego a la Casa Marsten y dejan que el viento lleve las llamas al resto del pueblo, cuyos habitantes ya han sido convertidos, o están en proceso de serlo. Dándose cuenta de que les buscaran deseando venganza, Mark y Ben huyen juntos.
Dos años después en Guatemala, Ben y Mark observan que su frasco de agua bendita emite una tenue luz. Sabiendo que esto significa que los vampiros les han encontrado de nuevo se preparan para huir. En su cuarto Ben se encuentra con Susan que comienza a seducirle mientras se acerca a su cuello. Ben, que se ha dado cuenta de que Susan es vampiro, le clava una estaca en el corazón, y observa como la que mujer que ama fallece. Dándose cuenta de que otros vendrán, Ben y Mark siguen huyendo como fugitivos.

ESCENA

Las tres escenas de la ventana, que tanto me aterraron cuando vi la serie siendo solamente un niño.

EL AMOR ESTÁ EN EL AIRE

FECHA DE ESTRENO
20 de Agosto de 1992
TíTULO ORIGINAL
Strictly Ballroom
DIRECCIÓN
Baz Luhrmann
PRODUCCIÓN

Tristram Miall
GUION

Baz Luhrmann, Andrew Novell, Craig Pearce
REPARTO
Paul Mercurio (Scott Hastings), Tara Morice (Fran), Bill Hunter (Barry Fife), Pat Thompson (Shirley Hastings), Gia Carides (Liz Holt), Peter Whitford (Les Kendall), Barry Otto (Doug Hastings), John Hannan (Ken Railings), Sonia Kruger (Tina Sparkle), Pip Mushin (Wayne Burns), Antonio Vargas (Rico), Armonia Benedito Tapia (Yaya)
CINEMATOGRAFÍA

Steve Mason
MÚSICA
David Hisrchfelder
DISTRIBUCIÓN
Miramax Films
DURACIÓN
94 minutos

FRAN: “Vivir con miedo es como vivir a medias”

CURIOSIDADES
La película fue inicialmente un musical, de gran éxito en Australia, creado por el mismo Luhrmann que había de hecho participado en competiciones de baile de salón en su niñez.
Aunque mucha gente no lo sepa esta es la primera película de la denominada “Trilogía del Telón Rojo” de Baz Luhrmann. La segunda parte fue su “Romeo+Julieta” (1996) que provocó la histeria colectiva de infinidad de muchachitas mucho antes de Titanic. La tercera parte fue “Moulin Rouge” (2001) que supuso toda una revolución el mundo de los musicales.Evidentemente las películas tienen temáticas diferentes, pero lo que las convierten en una trilogía es la estética elegida por Luhrmann a la hora de llevarlas a la pantalla. El famoso telón rojo se puede ver en las tres, indicando el principio y final de las películas, y también es utilizado a lo largo de las mismas. La estética de la trilogía se basa en la potencia de la música, las tres tienen una excelente banda sonora, y la originalidad del vestuario. En el caso de la película que estoy discutiendo, el vestuario chillón, los peinados exagerados y variedad de estilos musicales (normal si trata de bailes de salón) fueron alabados por la inmensa mayoría de los espectadores.
La película es una comedia que hace uso de la exageración de los personajes secundarios, mientras los protagonistas van sufriendo una reducción de su histrionismo a lo largo de la misma. La intención era remarcar como Scott y Fran poco a poco se convertían en personajes más “sinceros” que aquellos que les demandaban un comportamiento normal.
Luhrmann también quiso hacer resucitar la magia de los musicales antiguos combinando dos temáticas clásicas. Por un lado tenemos la del rebelde que se enfrenta contra viento y marea para demostrar su valía independientemente de la negativa de su círculo cercano; y por otro a la chica “patito feo” torpe e inútil que evoluciona hasta convertirse en “cisne” y conquistar el corazón del protagonista.
Paul Mercurio, Antonio Vargas, Sonia Krueger, y Leonie Page fueron los únicos bailarines profesionales seleccionados en papeles de actores principales. Vargas impuso que el vestuario que el había de llevar durante el film fuera el suyo. En el caso de Tara Morice hubo problemas. Inicialmente no se le quería dar el papel ya que quería una bailarina profesional para el mismo. Al final se cambió de idea pensando que el final sería más realista si no lo fuera, a fin de cuentas era Mercurio el que interpretaba a un bailarín que había entrenado desde los seis años de edad.
La película fue aplaudida y ovacionada durante quince minutos en su presentación el Festival de Cannes, y fue definida como originalmente divertida. Sin embargo es la única de la trilogía de Luhrmann que no recibió ni una sola nominación a los Oscar.Curiosamente el Paso Doble que los protagonistas aprenden durante la película y bailan al final… es más un flamenco que otra cosa, pero se le denominó Paso Doble. La idea era que el Paso Doble es aceptado en los bailes de salón como estilo competitivo, y para remarcar “los nuevos pasos de baile de Scott” se le forzó a fusionarse con el flamenco.
Paul Mercurio bailó la escena final con el tobillo retorcido, y Pat Thompson, que interpretaba a su histérica y divertidísima madre, falleció antes del estreno de la película.Muchas películas han imitado el estilo de “El Amor Esta en el Aíre” y su temática en torno de las competiciones de baile, pero ninguna ha podido imitar su originalidad.

NOTA PERSONAL
La película es sencillamente desternillante. El vestuario, los peinados y exageradas expresiones faciales de los bailarines aportan un toque fresco y divertido. Recuerdo perfectamente como al salir de verla, mis amigos y yo no pudimos evitar irnos a bailar. Es una película que invita al baile sin complejos, a divertirse y no tener miedo de expresarte con tu propio estilo.
La historia de amor es sencilla pero efectiva. Scott, niño mimado y arrogante, esta enamorado del baile y quiere poder expresarse a través de el sin tener que hacer uso de los pasos impuestos por otros; por otro lado Fran, chica pobre, esta enamorada de Scott quiere probarse digna de el, y evoluciona de la clásica chica fea y torpe a una dulce, bella y eficaz bailarina.
Paul Mercurio esta para parar no un tren, sino todos (se pasa la mayor parte de la película en tirantes); su práctica de baile individual en el estudio es realmente intensa y remarca lo impresionantemente atractivo que es. No puedo sino recomendar verla en versión original ya que su acento australiano es realmente sexy. A medida que la película avanza vemos como disminuye su arrogancia, y adquiere un alto grado de humildad gracias a Fran.
Tara Morice es realmente dulce, y lucha por adquirir confianza en si misma, lo logra a través del baile y dándose cuenta de cómo Scott la necesita para poder probarse a si mismo. Ambos forman la pareja complementaria perfecta.
Como siempre los secundarios son brillantes. Los padres de Scott, interpretados por Barry Otto y Pat Thompson son el histrionismo personificado. Los bailes de práctica de Otto cuando esta solo, o así lo cree, son para retorcerse de la risa. Pat borda a la madre completamente histérica, borde, falsa, posesiva, que en ocasiones hasta es realmente malvada; pero podemos ver como al final recupera la “normalidad” y se da cuente del error de sus decisiones.
Bill Hunter como es frecuente resulta excepcional como villano, dos años después interpretó al imperativo padre de Muriel, en la película “La Boda de Muriel”. La idea del grupo de amigos que trabajan y asisten a clases de baile a un estudio fue descaradamente copiada en “Bailamos”… que no deja de ser una copia absoluta de su predecesora Australiana… como muchas otras que la siguieron.
El vestuario es genial, con ciertos toques histriónicos que combinan con un maquillaje y unos peinados en ocasiones parecen hasta futuristas. La estética pasa de la “elegancia” de una competición de baile de salón, por flashbacks que parecen sacados de un cómic (como la historia de los padres de Scott), hasta los barrios más humildes de Sydney, donde vive Fran. Es una perfecta combinación.
La banda sonora es variada y completa, a parte del “Love is in the Air”, al que le debemos la lamentable traducción del titulo original, tenemos una nueva versión a dúo, Mark Williams, y la propia Tara Morice, de “Time Alter Time” (originalmente de Cindy Lauper). Versiones de “Perhaps, Perhaps, Perhaps”, y temas de salsa, vals, rock o flamenco.
En definitiva es una película romántica, ágil y sobre todo divertida, quién la vea no podrá evitar el sentir un deseo enorme de salir a bailar. Cuando yo la vi hace ya quince años me obsesioné por el baile, y a base de machacar y machacar, aprendí a hacer alguna que otra cosa.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
La película empieza mostrándonos una competición de bailes de salón. Al mismo tiempo conocemos a Shirley Hastings. Shirley nos narra como era el turno de su hijo Scott de triunfar y alzarse con el titulo junto a su pareja Liz. La histérica madre rompe en lágrimas al relatar como en medio de la competición, Scott comenzó a hacer uso de pasos de baile no permitidos por la “Federación Australiana de Baile”.
Conocemos a Les Kendall, amigo gay de su madre que dirige con ella un estudio de clases de baile. Les reitera lo que Shirley ha narrado. Los pasos originales de Scott sin duda agradan al público pero no son los pasos correctos. Les explica que para entender que hay de malo en ellos se tiene que ser un profesional de su talla o de la del Presidente de la Federación Barry Fife.
Conocemos al arrogante Presidente Fife que nos indica con prepotencia que se puede bailar como uno quiera, pero que no se puede pretender ganar entonces.Scott y Liz realizan su baile hasta que el muchacho empieza a improvisar piruetas en el aire y nuevos pasos de baile para desesperación de la chica que no tiene otra que seguirle. Por supuesto, pierden la competición.
Al día siguiente Scott pregunta a todos sus compañeros de la academia de baile que opinan de los pasos que creo. Todos contestan que no lo saben, y que lo que cuenta es que no ganó. Liz se enfada y decide abandonarle como pareja de baile. Shirley y Les intentan hacer razonar al chico, que no entiende porque no puede crear nuevos pasos de baile. Sin embargo su padre Doug esta maravillado con su actuación a pesar de que no lograse ganar.
Al cerrar la academia, Scott practica solo hasta que descubre que una alumna tímida y torpe, que de hecho es principiante, le ha estado observando. En un arrebato la estudiante, llamada Fran, le pide que la acepte como nueva estudiante de baile. En un principio Scott se burla de ella, pero cuando Fran le compara con la gente que siempre le da negativas y le dice que “vivir con miedo es vivir a medias”, decide intentarlo.
Ambos comienzan a practicar y poco a poco Fran va mejorando. Esta le pregunta por una foto en la que sale su madre y un hombre de espaldas. Scott explica que son Shirley y su amigo Les que bailaban juntos y ganaron un campeonato. Los chicos siguen practicando en horas de cierre, y en ocasiones en el tejado para que no les descubra el padre de Scott, Doug que también usa la academia para practicar rocambolescos pasos de baile cuando nadie le ve.
Mientras tanto Scott pasa por las pruebas de selección que ha organizado su madre para conseguirle una compañera, pero pone pegas constantemente. Llega el día en el que el joven le comunica a Fran que ya esta lista y bailaran juntos en una exhibición.Mientras tanto Barry Fife le comunica a Les que ha elegido a la nueva compañera de Scott, Tina Sparkle, campeona de bailes de salón cuya pareja se retira. Todos se muestran encantados, y se lo hacen saber a Scott y Fran, que piensan que le has descubierto, y aprueban la idea de que bailen juntos. Pero cuando Scott se entera de la verdadera felicidad de su madre y compañeros, duda sobre si aceptar o no bailar con Tina, ante una atónita Fran.
Tras el telón rojo del escenario, Scott intenta hacerle entender a Fran que lleva intentado ganar la Final del Campeonato de Baile Australiano desde que tenía seis años. Sin embargo se da cuenta de que eso no es lo que quiere y se pone a bailar con Fran. Su familia y compañeros presencian esto y les separan cuando Fran sufre una caída. Shirley logra convencer a Fran para que se vaya, haciéndole ver que si baila con Scott arruinara su carrera y el prestigio de la academia en la que ella practica.
Les intenta razonar con Scott que se niega a bailar con Tina, y va al encuentro de Fran. Cuando el padre de esta, un gitano llamado Rico les ve juntos se enfurece. Scott explica que solo son compañeros de baile, y Rico le exige que lo demuestren. Los gitanos se burlan del estilo académico de la pareja que no tiene ritmo ni sentimiento y solo siguen pasos mecánicamente. Rico y la abuela de Fran deciden enseñarles a bailar, y consiguen que la pareja se compenetre y baile con pasión y el necesario ritmo. Durante este proceso Scott se enamora de Fran y la besa cuando ya están listos para presentarse a la final.Barry Fife no quiere que se bailen pasos nuevos, pues si el profesorado de baile no puede enseñarlos, esto supondrá un problema. Se reúne con Scott y le explica que el campeonato no lo ganó Shirley con Les, sino con su padre Doug. Este empezó a desear incluir pasos nuevos lo cual provocó que no lograran ganar el Campeonato Nacional. Fife le pide a Scott que baile según las normas por su padre.
Llega el día de la Final, y Scott se presenta a ella con Liz, para poder ganar el campeonato en honor a su padre. Intenta explicar la situación a Fran, pero no logra convencerla. En ese momento y a punto de entrar en la pista, su padre le explica que no se presentó a la final con su madre, ya que Barry Fife la convenció para que lo hiciera con Les. Como consecuencia de ello, no bailaron juntos y Les y Shirley perdieron de todas maneras. A partir de entonces ambos vivieron sus vidas dominados por el miedo.Les se enfrenta a Fife al descubrir que lo había amañado todo para que Scott pediera bailase como bailase. Mientras tanto, Scott abandona a Liz en la pista y va en busca de Fran que acepta bailar con el. Ambos realizan una exhibición que mezcla el flamenco con el baile de salón.
Barry Fife interrumpe la música y le exige a la pareja que abandone la pista. Doug comienza a dar palmas y el público se le une. La pareja recuerda las palabras de la abuela de Fran “Escucha el ritmo, no sientas miedo”… y ambos comienzan a bailar al ritmo de las palmas. Mientras Liz arrepentida de su actitud consigue que la música vuelva a sonar. La pareja termina su baile y el público les ovaciona fuera de si. Doug le pide a Shirley que salga a bailar con ella, logrando reconciliarse con su mujer, mientras Scott y Fran se besan en la pista y cae el telón.

ESCENA

Contiene dialogos en inglés pero me encanta la evolución de Fran en el baile mientras se escucha la canción "Time After Time".

SEXO EN NUEVA YORK

TÍTULO ORIGINAL
Sex and the City
CREADOR
Darren Star

PRODUCCIÓN
Michael Patrick King, Darren Star, Sarah Jessica Parker

REPARTO

Sarah Jessica Parker (Carrie Bradshaw), Kim Cattrall (Smantha Jones), Kristin Davis (Charlotte York), Cynthia Nixon (Miranda Hobbes), Chris Noth (Mister Big), David Eigenberg (Steve Brady), John Corbett (Aidan Shaw), Evan Handler (Harry Goldenblatt), Jason Lewis (Smith Jerrod), Willie Garson (Stanford Blatch), Marion Cantone, Lynn Cohen, Ron Livingston, Mikhail Naryshnikov (Aleksandr Petrovsky)
FECHA DE ESTRENO Y FINAL
6 de Junio de 1998 hasta 22 de Febrero de 2004
CANAL DE EMISIÓN
HBO

COMPOSITOR DEL TEMA MUSICAL
Tom Findlay
NÚMERO DE EPISODIOS
TEMPORADA 1: 12 Episodios
TEMPORADA 2: 18 Episodios
TEMPORADA 3: 18 Episodios
TEMPORADA 4: 18 Episodios
TEMPORADA 5: 8 Episodios
TEMPORADA 6: 20 Episodios
Un total de 94 episodios. Cada episodio dura 29 minutos (aproximadamente)

CURIOSIDADES

La serie supuso toda una revolución no solo por trata temas de naturaleza sexual sin cortarse un solo pelo, sino por que se hacía a través de la visión de cuatro mujeres. Se enfatizaba el poder sexual del sexo femenino sin barreras. De hecho la enorme mayoría de los personajes masculinos, exceptuando Mister Big y los personajes gays, eran retratados como víctimas de los constantes devaneos de las protagonistas.Lo curioso fue, además, que realmente, si uno se fija con detenimiento, no hay ningún tema relativo a relaciones sexuales que no haya sido abordado en algún momento de la serie a lo largo de las seis temporadas que duró la misma.
Las cuatro protagonistas tenían personalidades radicalmente diferentes, para poder facilitar el crear guiones que abordaran los distintos temas de una manera realista y coherente. Esto supuso también un talón de Aquiles ya que muchos criticaron la falta de credibilidad alrededor del hecho que cuatro mujeres tan distintas entre si consiguieran ese grado de unión y compenetración.
Pero esto también permitió el facilitar que una inmensa audiencia lograra sentirse identificada en un momento u otro de la serie. Muchas series basadas en temática sexuales siguieron a “Sexo en Nueva York” que supuso toda una revolución en el proceso de verbalizar aspectos sexuales a través de mujeres liberadas e independientes.El estilo de la serie fue evolucionando a lo largo de la misma. En las dos primeras temporadas teníamos a varios neoyorquinos hablando a la cámara expresando diferentes opiniones acerca de las temáticas de cada episodio. Carrie de hecho se dirigía a la audiencia directamente cuando se hacía preguntas acerca de las distintas relaciones y experiencias de los personajes. Eventualmente esto se cambió en se empleaba otro tono de voz que expresaba los pensamientos de Carrie a medida que escribía sobre sus experiencias, y las de sus amigas.
La primera temporada fue corta debido a la incertidumbre acerca de la recepción que tendría la serie. Cuando la audiencia se disparó se aumentó el número de episodios por temporada considerablemente. El bajón de episodios en la quinta temporada fue debida al embarazo de Sarah Jessica Parker y Cynthia Nixon.
A partir de la cuatro temporada se elimino de las imágenes de la introducción musical de las Torres Gemelas. Como os podéis imaginar esto se debió a los atentados del once de septiembre de 2001. La serie generó un leal grupo de fans que presionaron para que regresara a las pantallas. Por ello se comenzó el proyecto de una película que se estrenara este verano. Se rumorea que el retraso de producción de dicha película se debió a rivalidades entre Sarah Jessica Parker y Kim Cattrall que exigía más dinero para interpretar a la exuberante Samantha. Por cierto una de sus primeras películas fue “Loca Academia de Policía” donde interpretaba al romance de Mahoney.
El personaje masculino que más disparó su popularidad entre las mujeres fue el de Jason Lewis. Fácil de entender, estaba más bueno que el pan, soportaba los desplantes de Samantha, a la que era fiel a pesar de era mayor que el, y le ayudó a superar su cáncer. ¿Quién no querría un hombre así?

NOTA PERSONAL
Básicamente la serie me encantó por una simple y sencilla razón: Me hacía soltar sonoras carcajadas. Nunca me pareció que pretendiera hacer otra cosa que conmover y divertir. Generalmente la mayoría de las “comedias serias” que conozco acaban tarde o temprano en caer en el inevitable drama. Con esto no pretendo, ni podría negar que “Sexo en Nueva York” no tuviera momentos dramáticos. Pero estos eran reducidos al tiempo absolutamente necesario para dar sentido a un drama que debía continuar. No hay ni un solo episodio en el que no me haya muerto de la risa en un momento u otro, y el mensaje que enviaba siempre era esperanzador. A fin de cuentas nos enfrentábamos a cuatro mujeres triunfadoras en la treintena, que no habían encontrado el amor, y esto podía forzar un abuso del drama.
El final fue feliz, como creo que debe de ser en la mayoría de los casos, a pesar de que existía un final alternativo en el que Carrie no acababa con Big, este acabo por desecharse. Al final las cuatro protagonistas triunfaban en su búsqueda del amor, siguiendo caminos radicalmente distintos entre si. Este era un aspecto que me encantaba lo diferentes que eran entre si. No estoy de acuerdo con la crítica que alegaba que esto restaba realismo. Soy de la opinión que los más estrechos lazos se forjan con más facilidad cuando hay diferencias más remarcables entre la gente.
Curiosamente el personaje que menos me interesaba (ojo… interesar y gustar son cosas distintas) era el de Carrie. Mi favorito era sin lugar a dudas era Charlotte. Su puritanismo empujaba a convertirle en el personaje menos apreciado, pero yo encontraba que escondía una entereza, valor, y positivismo admirable. A fin de cuentas se enfrentaba al fracaso de su matrimonio, la imposibilidad de tener hijos, y al final acababa con el hombre menos atractivo de la serie aprendiendo a ver más allá de las apariencias. Su conversión al judaísmo por amor, entereza ante las dificultades, y actitud positiva me fascinaban. Su viaje fue el más interesante para mí.
Sin embargo Carrie y Big me parecieron siempre una especie de apología al sadismo relativo ya que daban vueltas y vueltas para no llegar a ninguna parte. Soy de esa porción de fans que hubiera preferido que Carrie acabara con Aidan.Por otro lado, como siempre, soy eterno defensor de los personajes secundarios. Particularmente tengo que referirme al amigo gay de Carrie Standford, y la asistenta Ucraniana de Miranda, Magda. Ambos aportan un lado realmente divertido a distintas situaciones y sirven de apoyo a los personajes a medida que evolucionan con ellos al mismo tiempo.
Soy un gran fan de la escena en la que Magda ve a Miranda dar un baño a la madre de Steve, que sufre de alzhéimer. Después se acerca y le dice que lo acaba de hacer “es amor, que ella ama”. Gran, gran momento en la serie.
Smith es formidable quizás porque también tendemos a juzgarlo como el cachas guaperas sin cerebro. Pero poco a poco nos sorprende su entereza a medida que logra destruir las barreras anti-afectivas que Samantha ha construido a su alrededor.Momentos de este calibre emocional se van encontrando a lo largo de toda la serie, que combina los mismos con un desternillante sentido del humor basado en un guión que no cesa de ser ingenioso en ningún momento.
La serie no solo relata el viaje de cuatro mujeres en busca del amor, sino la importancia de la amistad que comparten, pues es esta la que ejerce de sostén en todo momento, para todas alcancen su triunfo personal.

HISTORIA (Resumen por encima debido a la extensión de la serie)

PRIMERA TEMPORADA: Conocemos a Carrie Bradshaw. Trabaja escribiendo una columna para el “New York Star” acerca de sus experiencias, y las de sus amigas, con el sexo.

Carrie pone un énfasis particular en el hecho de cómo las mujeres pueden hoy en día estar en la treintena, y triunfar en sus profesiones. 

Pero no lograr establecer una relación estable con un hombre. Conocemos también a sus amigas.

Samantha Jones, posee su propia compañía de Relaciones Públicas, se encuentra en la cuarentena, aunque nunca lo reconozca. Es muy activa sexualmente, y no tiene ningún complejo en reconocerlo. Charlotte York trabaja en una galería de arte, y es la más conservadora del grupo. Tiene una idealista noción de lo que las relaciones deberían ser, como estas deben conducir al perfecto matrimonio, y siempre mantiene una actitud positiva. Miranda Jones es el ejemplo de mujer dura independiente, y orgullosa de serlo. Aborrece el depender de nadie y trabaja como abogado.
Carrie conoce a un hombre alto, apuesto y con un sentido del humor similar al de ella, y le bautiza como Mister Big. 
Pero a medida que dicha relación avanza surgen las dificultades, y poco a poco, Big se vuelve más distante. Carrie intenta forzar el avance de la relación conociendo a su madre, pero ambos acaban por cortar al final de la temporada. Por otro lado Miranda mantiene encuentros sexuales frecuentes con Skeaper, un amigo de Carrie que se siente atraído hacia ella, pero nunca toma el paso necesario para estabilizar dicha relación.
Samantha comienza a salir con James, hasta que descubre un grave problema, tiene un pene pequeño que no le proporciona ningún tipo de placer sexual. A pesar de ello decide darle una oportunidad.

SEGUNDA TEMPORADA: Big abandona Nueva York para ir a trabajar a Paris. Un tiempo después se vuelve a encontrar con Carrie de vuelta en América. Allí Big le comunica que se ha comprometido con una chica joven llamada Natasha. Carrie se enfurece al ver que se ha comprometido con una niñata, cuando fue incapaz de hacerlo con ella.
Charlotte continúa en su romántica búsqueda del amor, y es manipulada por un hombre que utiliza la muerte de su esposa para conseguir sexo fácil con varias mujeres.Miranda se compra un apartamento propio y conoce a un camarero llamado Steve Brady. Ambos tienen una aventura de una noche, pero al poco tiempo empiezan a salir. La diferencia de poder adquisitivo acaba por provocar la ruptura entre ambos.
Miranda sigue teniendo problemas con James, y ambos acuden a terapia para solucionarlos. Cuando ella acaba por reconocer que su pene pequeño no le proporciona placer, un enfurecido James la abandona.

TERCERA TEMPORADA: Tras salir brevemente con un político, Carrie se enamora de un dueño de una tienda de muebles llamado Aidan. La relación va viento en popa hasta que Big reaparece y consigue iniciar una aventura sexual con Carrie a pesar de haberse casado con Samantha. Carrie decide poner punto final a la aventura y decide sincerarse con Aidan que destrozado decide romper la relación.

Samantha sale brevemente con un hombre extremadamente bajito, logrando romper algunos de los prejuicios que rigen su vida, pero la relación tampoco dura demasiado.Miranda decide reintentar su relación con Steve, pero cuando este expresa su deseo de que tengan un hijo y la relación parece avanzar, ella se echa atrás y pone punto y fina a la misma. Al mismo tiempo contrata una asistenta Ucraniana con la qua ha de lidiar para que no dirija su vida sentimental.
Charlotte conoce y se enamora de un hombre llamado Trey. A pesar de no haber mantenido relaciones sexuales ambos se casan bajo la supervisión del amigo gay de Charlotte llamado Anthony Morantino. En la misma noche de bodas Charlotte descubre que Trey tiene un problema de impotencia y acaba por engañarle con el jardinero.

CUARTA TEMPORADA: Aidan decide darle una segunda oportunidad a Carrie e incluso acepta el hecho de que Big sea su amigo. Ambos hombres tienen una pelea tras la cual logran llevarse mejor. Aidan propone matrimonio a Carrie que acepta, para más tarde cancelar la boda, y volver a romper, no estando segura de que ambos estén hechos el uno para el otro.

Samantha tiene relaciones lésbicas por una temporada que no logran funcionar. Charlotte acaba por divorciarse de de Trey cuando este pierde interés en tener un niño, debido a las dificultades de Charlotte de quedar embarazada.
Tras un escarceo con Steve, Miranda queda embarazada y da a luz a un niño al que llama Brady, permitiendo a Steve formar parte de su vida.

QUINTA TEMPORADA: Carrie escribe un libro basado en su columna, sale con Jack Burger, otro escritor, y descubre encantada que su amigo Stanford ha conseguido una relación con un apuesto chico llamado Marcus. Charlotte se enamora del abogado que ha llevado su divorcio, Harry. Samantha abandona a Richard debido a sus constantes líos amorosos.

SEXTA TEMPORADA: Samantha inicia una relación con chico, aspirante a actor, al que dobla la edad, Smith, y que consigue sacar el lado romántico que tiene dentro. Este le ayuda superar su cáncer de mama y ambos acaban enamorados.Charlote se convierte al 

judaísmo para poder casarse con Harry. Queda embarazada, pero pierde al bebe, aunque ambos consiguen adoptar a una niña y superar las dificultades juntos.
Miranda acaba por volver con Steve, y ambos se casan. Acepta y cuida a la madre de su marido cuando esta empieza a presentar síntomas de alzhéimer.
Carrie es abandonada por Burger e inicia una relación con un artista ruso llamado Alexander Petrovsky. Acepta a ir a vivir a Paris con el, para convertirse en su constante segundo plano. Mister Big, enviado por sus amigos, acude en su búsqueda y ambos acaban juntos una vez más. Al final de la serie Carrie reflexiona sobre la importancia de la amistad, y se nos revela el nombre de Mister Big… John.

ESCENA

Siempre me impresionó el discurso de Samantha, mi personaje favorito, sobre el cáncer.

LADY HALCÓN

FECHA DE ESTRENO
12 de Abril de 1985
TÍTULO ORIGINAL
Ladyhawke
DIRECCIÓN

Richard Donner

PRODUCCIÓN
Richard Donner, Harvey Bernhard, Lauren Shuler Donner

GUION
Tom Mankiewicz Michael Thomas, Edward Khmara
REPARTO
Matthew Broderick (Phillip Gastone), Rutger Hauer (Capitan Etienne Navarre), Michelle Pfeiffer (Isabeau D’Anjou), John Wood (Obispo de Aquila), Leo McKern (Padre Imperius), Ken Hutchison (Marquet), Alfred Molina (Cezar), Giancarlo Prete (Fornac), Loris Loddi (Jehan), Alessandro Serra (Señor Pitou), Nicolina Pappetti (Señora Pitou)
CINEMATOGRAFÍA

Vittorio Storaro
BANDA SONORA
Andrew Powell
DISTRIBUCIÓN
Warner Bros, 20th Century Fox
DURACIÓN
121 minutos

PHILLIPE GASTONE: “¿Sois de verdad, o sois un espíritu?”

ISABEAU D’ANJOU: “Soy desgraciada.”

PADRE IMPERIUS: “Espero encontrarme contigo a las puertas del cielo ladronzuelo, no te atrevas a defraudarme.”

PHILLIPE GASTONE: “Allá nos veremos padre, aunque tenga que robar la llave.”

CURIOSIDADES

Sorprendentemente la película pasó sin pena ni gloria en el año 1985 de su estreno, y arrasó en sus respectivos estrenos internacionales. La mayor controversia de la película giro alrededor de su banda sonora. Andrew Powell declaró que su intención era que la música acompañase a la ambientación y fotografía de cada escena. Al mismo tiempo quiso mezclar música medieval con música moderna. Por este motivo en las escenas de acción trepidante utilizo sintetizadores de una manera estridente. Quería con ello, hacer notar que la historia de amor de Navarre e Isabeau era atemporal. Esta mezcla chocó con parte del público que no aceptaba la mezcla de música moderna con la ambientación medieval. Aún así muchos alabaron la originalidad, que de hecho ha vuelto a ser utilizada como por ejemplo en “Destino de Caballero”. Una vez terminada la banda sonora, Powell pidió a Alan Parsons que se encargará de su producción, por lo que a fecha de hoy muchos todavía confunden a Parsons con el creador de la misma. Al mismo tiempo se incluyeron melodías medievales como la que bailan Phillipe e Isabeau en el establo, titulada “Trotto” que data del siglo catorce.
Originalmente Richard Donner quería que Rutger Hauer interpretara al villano capitán de la guardia Marquet. Para el papel de Navarre Donner había seleccionado a un joven Kurt Russell. Cuando este se echo atrás en el último momento, el papel le fue cedido a Hauer que ya había expresado su interés en el. La belleza de Michelle Pfeiffer en la película fue elogiada por todos, aunque muchos críticos opinaron que se le habría podido ceder algo más de acción durante la película.
La película fue promocionada como una leyenda medieval real por Warner Bros, lo cual era falso. El escritor Edward Khmara consiguió una indemnización de la Warner por quitarle merito en la creación de la historia.
Khmara si investigó el eclipse y su fecha concreta para crear los acontecimientos a su alrededor. Dicho eclipse solar, que sucede al final, ayuda a situar la acción en el año 1239 (año en el que esta científicamente comprobado tuvo lugar un eclipse) en el sur de Francia. Sin embargo la armadura de Navarre y su espada no coinciden con el estilo de dicha época y representa el de una generación más tarde.
En la escena en la que Broderick cabalga al caballo Goliat después de que Navarre golpee al animal, hay una anécdota. En le primera toma Hauer golpeó al caballo demasiado fuerte, y este salió disparado con un Matthew Broderick incapaz de controlarlo. Todo el equipo tuvo que esperar a que el animal decidiese detenerse, para que Broderick pudiera regresar con el bajo su control. Otra curiosidad es que el halcón que se utilizó pertenece a una raza que solo se puede encontrar en América, y la película se desarrolla en Europa, lo cual provoca una incongruencia.
La película fue filmada en Italia aprovechando bellos entornos de las provincias de L’Aquila, Parma, Piacenza y Cremona. Costó veinte millones de dólares y solamente engrosó dieciocho y medio, pasando prácticamente inadvertida. Fue nominada al oscar por los mejores efectos especiales, sonido.

NOTA PERSONAL

“Lady Halcón” es una de esas películas que cubre prácticamente todos los géneros. Tenemos acción, romance en todos sus niveles, desde el más tierno hasta el más apasionado, intriga, un remarcable aspecto mitológico y fantástico, momentos de suspense con algún que otro susto añadido, y humor inteligente de la mano de Matthew Broderick. La vi con quince años, en video, y me dejo completamente fascinado.
Comenzando por la banda sonora, que tan criticada fue, a mi me gusto mucho, e incluso osaría calificarla de magistral. La película experimentaba con esa mezcla de música moderna y temática clásica por primera vez, y quizás por eso chocó tanto con la audiencia del momento. A mi me pareció que el uso de sintetizadores era inteligente, y daba un toque trepidante a las escenas de acción. Marcaba de una manera eficiente la distinción entre los momentos suaves, románticos y melancólicos, los siniestros y tensos, y los que representaban pura acción. Este estilo fue imitado sucesivamente en muchas películas que siguieron a esta.
El escenario natural de los paisajes y castillos de Italia le daba un toque absolutamente mágico y verídico a la historia. Por otro lado el uso de mezclas de fotogramas, si bien no proporcionan realismo a las transformaciones de Isabeau y Navarre a halcón y lobo respectivamente, era inteligente y cuidadosamente mezclado con luces y las fantásticas interpretaciones de Pfeiffer y Hauer. Resultaba evidente que la armadura, yelmo, y armas de Navarre poseían un toque más moderno que la del resto de los soldados del Obispo, elevando el aura del misterio del personaje al máximo nivel, al igual que su dolor, angustia y aislamiento. De hecho si nos fijamos es el único personaje que viste de negro en toda la película.
Pasando a los actores, humildemente opino que no hay uno solo que no borde su papel en esta película. Broderick realiza uno de sus mejores papeles como el ladronzuelo divertido y alocado, pero que a lo largo de la película nos va sorprendiendo con su enorme sensibilidad y buen corazón. Hauer como siempre no defrauda, es austero, cerrado, amargado, el eterno penitente, que poco a poco va derribando los muros que ha levantado a su alrededor con la ayuda de su nuevo escudero.
Que puedo decir de la diosa que es Michelle Pfeiffer. Si hay que elegir una película donde se la pueda describir como la pura belleza encarnada, esa película es esta sin lugar a dudas. Su ternura, pasión, y el fantástico enfrentamiento con el obispo son aspectos de una soberbia actriz, que nos deja mudos.
Los villanos son geniales, y realmente logran transmitir desasosiego. La interpretación de John Wood como el malvado Obispo que pacta con Satanás es magistral. Durante toda la película nos da la sensación de no ser humano, como una estatua sin sentimientos, pero al final cuando tiene que enfrentarse al rechazo de Isabeau vemos como toda esa fachada se derrumba. Hutchison logra convencer como el Capitán de la guardia frustrado lleno de odio hacia Navarre, que poseía el respeto de sus soldados sin utilizar la opresión, y sin ningún atisbo de bondad. Por otro lado Alfred Molina consigue verdaderamente asustar como el oscuro y desalmado cazador de lobos. No se como daba más miedo, si expresando seriedad, o riendo ante el débil Phillipe.
La película es un claro ejemplo de lo que eran las de aventuras en los años ochenta, pero esta posee mucho más aspectos además de la acción, y sin triunfar en la década en que fue estrenada, se convirtió en un clásico y película de culto con los años, como ha ocurrido con muchas otras.
No puedo sino recomendaros que disfrutéis de esta maravilla, yo personalmente creo que ya no se forjan joyas de esta categoría.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Nos encontramos en el año 1239. Phillipe Gastone, más popularmente conocido como el Ratón, es un ladronzuelo de poca mente que ha sido encarcelado en la Prisión de Aquila, de la cual nadie s ha fugado nunca, y se le ha sentenciado a la horca. En el día de su ejecución consigue deslizarse por una diminuta boca de alcantarillado, hasta la red que comunica los cimientos de la prisión con la catedral y la ciudad, de ahí el mote de Ratón, de su capacidad para deslizarse como tal por los más imposibles recovecos. Prometiéndole a Dios que no volverá a robar si triunfa, logra escapar, para de una manera hilarante racionalizar que no puede mantener su palabra.
Los soldados descubren su fuga, la primera en toda la historia de la prisión y se lo comunican al Obispo de Aquila que mantiene el orden con su puño de hierro sobre toda la región. El Obispo se muestra indignado con la fuga del Ratón, y teme que su hazaña inspire posibles futuras rebeliones, con lo que le ordena al capitán de su guardia, Marquet, que encuentre al fugitivo antes de que corra la voz.
Haciendo uso de su habilidad, Phillipe se hace con ropa y botas nuevas y llega hasta una posada, donde decide invitar a toda la gente allí reunida a una copa de vino, mientras les relata su extraordinaria fuga. Desafortunadamente Marquet se encuentra entre los comensales y le aprende tras un desesperado intento de fuga del ladronzuelo.Entra en escena un hombre rubio, vestido de negro que ataca a los soldados con su ballesta liberando a Phillipe. Uno de los soldados le identifica como Capitán Navarre, y Marquet enfurecido le empuja al filo de la espada del que fuera antiguo Capitán de la guardia del Obispo. Navarre logra vencer a los soldados y Marquet queda humillado y con las manos vacías.
Marquet regresa a Aquila para informar al Obispo del regreso de Navarre. El Obispo le ordena acabar con el antiguo Capitán pero deja una clara advertencia para Marquet. Navarre viaja acompañado de un Halcón y bajo ningún pretexto el ave debe ser dañada en la asignada misión.
Navarre narra a Phillipe que va a necesitar su astucia para entrar en la catedral, pues pretende asesinar al Obispo, aunque no revela sus motivaciones. Ambos pasan la noche en el establo de un leñador que intenta asesinarles por la noche para robarles. Phillipe es salvado por un lobo que mata al leñado, y conoce a una bella joven que parece controlar al animal. A la mañana siguiente el lobo y la mujer han desaparecido, Phillipe y Navarre continúan hacia Aquila. Phillipe quiere abandonarle, y para impedirlo Navarre le ata a un árbol justo antes de anochecer. La noche llega, y reaparece la hermosa joven, que libera a Phillipe tras ser engatusada para ver como este huye.
A la mañana siguiente Navarre descubre que Phillipe ha sido apresado por los soldados y acude a su rescate. Durante la confrontación con los soldados del Obispo, su Halcón es gravemente herido. La noche se acerca y Navarre le pide a Phillipe que lleve su halcón a un castillo en ruinas cercano. Allí el Padre Imperius sabrá que hacer. El muchacho que empieza a sospechar que ocurre, obedece, y se reúne con Imperius. Durante la noche encuentra a la hermosa joven con la flecha clavada en el hombro.
Imperius le salva la vida y extirpa la flecha. Después narra los hechos a Phillipe. Etienne Navarre era Capitán de la guardia, y se enamoró de la bella Isabeau D’Anjou que era objeto de deseo del malvado Obispo. Imperius era el confesor de los amantes, y reveló dicha relación al Obispo traicionándoles. Navarre e Isabeau escapan, y el enfurecido Obispo realiza un pacto con Satanás que le concede el poder de lanzarles una poderosa maldición. De día Isabeau será un Halcón, y de noche Navarre un Lobo. De esta manera, siempre estarán juntos, pero separados. Arrepentido, Imperius acudió al exilio. Pero hay una posibilidad de salvación, dentro de unos días habrá una noche sin su día, y un día sin noche, si en ese momento Navarre e Isabeau se enfrentan juntos al Obispo, la maldición desaparecerá.
Los soldados atacan al amanecer, Isabeau escapa transformándose en Halcón, y Navarre llega al rescate, pero no cree las palabras de Imperius, y le abandonan, aunque el Padre les sigue de cerca.
La siguiente noche Phillipe narra la posible solución a Isabeau y la anima compartiendo un baile que es interrumpido por el cazador de lobos del Obispo Cezar. Se le ha ordenado cazar todos los lobos de la zona. Isabeau le asesta un golpe, cuando esta a punto de conseguirlo, y Cezar fallece cayendo sobre uno de sus cepos. Para forzar a Navarre a acudir el día señalado, y no antes, a enfrentarse al obispo.
Isabeau, Phillipe e Imperius preparan una trampa para retenerlo cuando este en su forma lupina. Pero Navarre cae a través del hielo, y Phillipe le salva la vida recibiendo varios arañazos del lobo. Al día siguiente le revelan a Navarre que han perdido su espada, cuando en realidad la han escondido, y este enfurecido empuja al chico, hasta que descubre que le salvo la vida recibiendo zarpazos de el en su forma lupina. Navarre se disculpa y decide ir el día señalado a Aquila.
Phillipe se infiltra por el alcantarillado y abre la puerta de la catedral desde dentro. Navarre que ha pedido a Imperius que mate al Halcón, para acabar con la desdicha de Isabel, se enfrenta al Obispo. Para llegar a él mata al Capitán Marquet en duelo, y Phillipe le devuelve la espada. A punto de matar al Obispo, observa como un eclipse toma lugar (noche sin día, día sin noche). Imperius desobedece, e Isabeau llega a la Catedral cuando Navarre esta a punto de matar al Obispo.
Juntos se enfrentan a él, rompiendo la maldición, e Isabeau le arroja sus pihuelas (correas de cuero usadas en halcones), al Obispo. Este consumido por la ira intenta asesinar a Isabeau gritando que si no es de él, no será de nadie, pero Navarre le arroja su espada asesinándole.
Por fin Navarre e Isabeau se abrazan y besan por primera vez en mucho tiempo. Ambos agradecen a Phillipe e Imperius la ayuda que les han prestado. El ladronzuelo y el padre abandonan la catedral juntos dejando a la feliz pareja celebrar su reunión.

ESCENA

Dos escenas colgadas por “Mikonos01”, primera transformación de Isabeau ante Phillipe, y de ambos, Isabeau y Navarre ante el mismo.