REBECA

FECHA DE ESTRENO

12 de abril de 1940

TÍTULO ORIGINAL

Rebecca

DIRECCIÓN

Alfred Hitchcock

PRODUCCIÓN
David O. Selznick

GUION
Robert E. Sherwood, Joan Harrison, Philip MacDonald, Michael Hogan

Basado en la novela de Daphne Du Maurier

REPARTO

Joan Fontaine (Segunda Señora de Winter), Laurence Olivier (Maxim de Winter), Judith Anderson (Señora Danvers), George Sanders (Jack Favell), Reginald Denny (Frank Crawley), Gladys Cooper (Beatrice Lacy), C. Aubrey Smith (Coronel Julyan), Nigel Bruce (Mayor Giles Lacy), Florence Bates (Señora Edythe Van Hopper), Edward Fielding (Frith), Melville Cooper (Forense), Leo G. Carroll (Doctor Baker), Leonard Carey (Ben), Lumsden Hare (Señor Tabbs), Forrester Harvey (Chalcroft), Philil Winter (Robert)

CINEMATOGRAFÍA

George Barnes

BANDA SONORA

Franz Waxman

DISTRIBUCIÓN
United Artists

DURACIÓN
130 minutos

SEÑORA DANVERS: La observe cuando bajaba, como a ella hace un año. Ni con el mismo traje puede comparársele.

SEÑORA DE WINTER: Lo sabía, sabía que ella lo había llevado y me sugirió que me lo pusiera. ¿Por qué me odia? ¿Qué le he hecho yo para que me odie tanto?

SEÑORA DANVERS: Ha querido ocupar su lugar casándose con él. He visto su cara, sus ojos. Son los mismos de cuando ella murió. Solía oírle pasear arriba y abajo, arriba y abajo toda la noche, y noche tras noche. Pensando en ella, torturado porque la había perdido.

SEÑORA DE WINTER: No quiero saber más. No quiero saber nada.

SEÑORA DANVERS: Creyó que podría ser la Señora de Winter, vivir en su casa, pisar donde pisaba, tener las mismas cosas. Pero ella es muy fuerte para usted. No puede vencerla. Nadie logró nada de ella nunca, nunca. Fue abatida al final, pero no fue un hombre ni una mujer. Fue el mar.

SEÑORA DE WINTER: Calle, calle, calle.

SEÑORA DANVERS: Esta excitada señora. He abierto la ventana. Un poco de aire la hará bien. ¿Por qué no se marcha? ¿Por qué no deja Manderley? Él no la necesita; tiene sus recuerdos. No la ama, desea estar con ella de nuevo. Nada la retiene a esta casa. Nada la retiene a este mundo. ¿La retiene algo? Mire abajo. ¿Es fácil, no? ¿Por qué no lo hace? ¿Por qué no lo hace? Hágalo. Hágalo. No tenga miedo.

CURIOSIDADES

Se trata del primer proyecto Americano de Alfred Hitchcock, quien se encargó de la dirección, y su primera película producida bajo contrato con David O. Selznick. El guion fue una versión de Joan Harrison y Robert E. Sherwood basada en la adaptación de Philip MacDonald y Michael Hogan de la novela de Daphne du Maurier del mismo título, y editada en el año 1938. Rodada en blanco y negro, la película es un ejemplo de narrativa gótica. Nunca vemos a la primera esposa de Maxim de Winter, Rebeca, quien ya ha perdido la vida antes de que la historia comience.

Sin embargo, su reputación y las historias acerca de ella mantienen una presencia constante en las vidas de Maxim, su segunda esposa, y el ama de llaves Danvers.

A insistencia de Selznick, la película adaptó la trama de la novela de du Maurier fielmente. Sin embargo, existía un detalle de la trama que fue alterado para cumplir con los requisitos del Código de Producción de Hollywood. Este determinaba que el asesinato de una esposa tenía que ser castigado. En la novela, Maxim dispara sobre Rebeca, mientras que en la película solo piensa en matarla cuando ella se burla haciéndole creer que está embarazada de otro hombre. Tras esto, la muerte de Rebeca es meramente accidental, aunque más tarde se revela que se ha intentado provocar que Maxim la mate, para suicidarse y atormentarle desde la tumba. De esta forma, el personaje de Maxim no tenía que ser castigado. A pesar de las órdenes de Selznick, Hitchcock realizó otros cambios, especialmente con el personaje de la Señora Danvers. Si bien es cierto que realizó dichos cambios, no fueron tantos como los que había realizado en un guion previo, el cual había sido rechazado, pues virtualmente había alterado toda la historia.

En la novela, la Señora Danvers se asemeja más a una celosa figura materna, cuyo pasado es mencionado. Sin embargo, en la película, la Señora Danvers es un personaje mucho  más joven y su pasado no es revelado. Lo único que se revela acerca de ella es que se mudó a Manderley cuando Rebeca era la novia de Maxim. Hitchcock la convirtió en un personaje mucho más misteriosa con sutiles insinuaciones de lesbianismo, los cuales estaban inspirados con la propia bisexualidad de Daphne du Maurier.

Hitchcock deseaba que el personaje de Joan Fontaine recibiera el nombre de Daphne en honor a la autora de la novela. Selznick se negó pues el nombre de dicho personaje no es mencionado en toda la novela. Selznick deseaba que el humo que surgía de Manderley en llamas dibujara una enorme “R”, pero Hitchcock consideró que este detalle carecía de toda sutileza. Mientras Selznick estaba ocupado con la producción de “Lo que el Viento se Llevó”, Hitchcock reemplazó la “R” de humo con un camisón de seda encima de la cama, el cual tenía una “R” bordada.

Una vez Hitchcock hubo completado la película, Selznick tomó el control de la misma, volviendo a rodar varias secuencias y volviendo a grabar varias interpretaciones. Algunas fuentes han asegurado que la experiencia llevó a Hitchcock editar películas en el futuro en cámara, rodando solo lo que quería ver en la película final. Este método restringía el poder de un productor para reeditar la película.

Laurence Olivier se mantuvo frio y distante con Joan Fontaine durante todo el rodaje. Hitchcock quedó encantado por esto, pues las inseguridades que generaba sobre la actriz hacia que su personaje fuera más perfecto. La película tuvo tal éxito en España, que se optó por comenzar a llamar rebeca al estilo de chaqueta que utilizaba Joan Fontaine en la película, a pesar de que su personaje no era el de Rebeca. El Diccionario de la Real Academia España ha terminado por aceptar dicho término. La película ganó los Oscars a Mejor Película y Mejor Cinematografía en Blanco y Negro. 

Tuvo nueve nominaciones más a Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actriz, Mejor Actriz Secundaria, Mejor Guion Adaptado, Mejor Dirección Artística en Blanco y Negro, Mejor Montaje, Mejor Banda Sonora y Mejores Efectos Especiales. Estas las perdió contra “Las Uvas de la Ira”, “Historias de Filadelfia”, “Espejismo de Amor”, “Las Uvas de la Ira”, “Historias de Filadelfia”, “Más Fuerte que el Orgullo”, “Policía Montada del Canadá”, “Pinocho”, y “El Ladrón de Bagdad” respectivamente.

NOTA PERSONAL

Formidable película que me impresionó notablemente por sus cambios de estilos narrativos. En ese sentido, siempre me ha encantado como Hitchcock cambia el estilo de la trama de una película de forma tan radical, encandilando al espectador. La película comienza como una historia más bien romántica, pero al trasladar la acción a Manderley se experimenta un cambio. El espectador queda sumergido en confusión al no poder entender que es lo que puede haber ocurrido.

Tenemos el elemento inquietante de la Señora Danvers, a quien siempre he considerado como uno de los personajes más escalofriantes que he podido apreciar en una película. Todas las escenas en las que sale son las mejores de la película. La actitud de Maxim tampoco ayuda a esclarecer en qué estado se encuentra su matrimonio, gracias a lo cual el espectador puede entender la frustración y desesperación de su nueva esposa. De hecho, este personaje es tan anulado que ni siquiera está dotado de un nombre para el espectador.

Yo no he tenido la oportunidad de leer la novela, aunque mi madre siempre me la ha recomendado y supongo que acabaré por hacerlo. Sin embargo, para mí la película contiene dos temas fundamentales, uno es el de la inseguridad y otro es el de los secretos del pasado. Ambos aspectos pueden ser extremadamente dañinos para sus víctimas, en este caso la nueva Señora de Winter y Maxim. Su matrimonio se ve amenazado al principio por las inseguridades de la primera, y más adelante por los secretos del segundo.

Solo el fuego sirve como símbolo de que esas amenazas ya han logrado quedar atrás. Es raro encontrar una película que sobrepase las dos horas de duración, pero que cuya trama enganche de tal forma que la experiencia parezca mucho más corta. “Rebeca” es sin duda todo un clásico del cine que ya ha logrado convertirse en atemporal.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)

Una joven ingenua, cuyo nombre nunca es mencionado, se encuentra en Monte Carlo. Edythe Van Hooper la ha contratado para que le sirva de acompañante durante sus vacaciones. La joven tiene una personalidad frágil, y está acostumbrada a verse sometida a los demás. Durante su estancia en el hotel conocen al aristocrático y melancólico Maxim de Winter. La Señora Van Hooper le explica a la joven, que Maxim no ha vuelto a ser el mismo desde que perdiera a su esposa Rebeca y quedara viuda. Rebeca falleció en un accidente marino, cuando su barco se hundió en el mar. Maxim y la joven comienzan a pasar más tiempo juntos y ambos terminan por enamorarse.

En tan solo dos semanas, la joven debe partir junto a la Señora Van Hopper, por lo que Maxim  le propone matrimonio. Al comunicárselo a la Señora Van Hopper, esta duda de que la pareja pueda llegar a ser feliz, pues Rebeca era hermosa y sofisticada, mientras que la joven es tímida, corriente y acomplejada.

Tras su luna de miel, Maxim lleva a la nueva Señora de Winter a Manderley, su enorme e imponente residencia en Cornwall. La joven conoce a todo el servicio, en particular a la Señora Danvers, ama de llaves. La Señora Danvers se muestra fría y distante con la joven, a quien considera una intrusa, pues sentía una admiración casi obsesiva hacia Rebeca. La joven recibe una bienvenida más cálida a manos de la hermana de Maxim y su marido. Durante su estancia, la Señora de Winter recibe la visita de un hombre llamado Jack Favell, el primo de Rebeca, quien no es bienvenido en Manderley. Cuando la joven se introduce en el antiguo dormitorio de Rebeca, descubre que ha sido conservado tal y como era. La responsable es la Señora Danvers, quien ha conservado la habitación como un altar a Rebeca.

La Señora Danvers la sorprende y muestra cada uno de los detalles de los objetos personajes de Rebeca con todo detalle. Estas situaciones provocan que la Señora de Winter se sienta intimidada por sus nuevas responsabilidades, y comience a dudar de su relación con su marido. Los constantes recordatorios de Rebeca provocan que comience a pensar que Maxim sigue enamorado de Rebeca; y que ella no logra estar a la altura de la primera Señora de Winter. También se preocupa ante los enfados habituales de Maxim por lo que parecen acciones insignificantes.

Con la intención de convertirse en la esposa perfecta, la joven convence a Maxim para que organice una fiesta de disfraces, tal y como había hecho con Rebeca. La Señora Danvers le muestra un retrato ancestral de Caroline de Winter, y le sugiere que se disfrace con el traje del retrato. Durante la fiesta, Maxim se enfurece al ver a su esposa, pues Rebeca había utilizado el mismo disfraz un año atrás. La joven se enfrenta a la Señora Danvers, quien le revela que nunca logrará ocupar el lugar de Rebeca, y está a punto de convencerla para se suicide arrojándose por una ventana.

Justo en ese momento, una bengala revela que un barco ha encallado contra las rocas. Al salir afuera, la joven descubre que durante el rescate se ha encontrado un barco hundido, con el cuerpo de Rebeca en su interior.

Maxim admite a su nueva esposa que había identificado otro cuerpo como el de Rebeca para ocultar la verdad. Por primera vez le revela que odiaba a Rebeca, ya que su matrimonio no era ideal como todos pensaban, sino una farsa. Al comienzo de su matrimonio, Rebeca le había explicado a Maxim que tenía la intención de seguir con la vida de escándalos que había llevado hasta el momento. Maxim la había odiado por ello, pero ambos llegaron a un acuerdo. En público, Rebeca pretendería ser la esposa y anfitriona perfecta; y Maxim ignoraría su promiscuidad. Sin embargo, Rebeca había sido descuidada llegando a tener una aventura con su primo, Jack Favell. Una noche, Rebeca le había comunicado a Maxim que estaba embarazada del hijo de Favell. Durante una discusión, Rebeca terminó por caerse, golpeándose la cabeza u perdiendo la vida.

Maxim llevó el cadáver al barco, el cual hundió después.

La nueva Señora de Winter decide dejar de lado su inocencia infantil, e instruye a su marido sobre como ocultar el modo en que Rebeca murió de las autoridades. Durante la investigación de la policía, el daño deliberado sobre el barco indica la posibilidad de un suicidio. Sin embargo, Favell le muestra a Maxim una nota de Rebeca que parece probar que no estaba dispuesta a suicidarse. Favell intenta chantajear a Maxim, y al fracasar decide hablar con la policía. Esto provoca que Maxim se convierta en sospechoso de asesinato. La investigación revela que Rebeca había realizado una visita secreta para ver a un médico en Londres; y Favell asume que esto se debía a su embarazo ilícito. Maxim y Favell acompañan al forense y equipo de investigación a Londres, para entrevistar al médico en cuestión. Una vez en Londres, el médico revela que Rebeca no estaba embarazada, pero que sufría de cáncer terminal y apoya que estas noticias podrían haber provocado que la primera Señora de Winter deseara suicidarse.

Maxim queda libre de toda sospecha, aunque tanto él como su esposa y Frank Crawley, amigo de Maxim, saben la verdad. Rebeca había mentido a Maxim con su falso embarazo, con la intención de provocarle para que la matara y así suicidarse de forma indirecta, a la vez que se aseguraba de arruinar a su marido, y que este pudiera llegar a ser ejecutado por asesinato.

Al regresar a Manderley, Maxim se encuentra con que la residencia está ardiendo. La Señora Danvers se ha vuelto loca y ha provocado el incendio. Maxim encuentra a su esposa, quien ha abandonado el edificio en compañía del resto del servicio. Sin embargo, la Señora Danvers se encuentra en la habitación de Rebeca, donde pierde la vida cuando el techo se derrumba sobre ella. Un camisón de seda, con una “R” bordada, es consumido por las llamas mientras Maxim y su esposa observan como Manderly arde desde el exterior, y libres del pasado.

ESCENA

Escalofriante escena en la que la Señora Danvers le enseña la habitación de la primera Señora de Winter a la segunda Señora de Winter.

FANTASÍA

FECHA DE ESTRENO
13 de noviembre de 1940
TÍTULO ORIGINAL
Fantasia
DIRECCIÓN
James Algar, Samuel Armstrong, Ford Beebe, Norman Ferguson, Jim Handley, T Hee, Wilfred Jackson, Hamilton Luske, Bill Roberts, Paul Satterfield, Ben Sharpsteen
PRODUCCIÓN
Walt Disney
GUION
Joe Grant, Dick Huemer

REPARTO (Voces)
Leopold Stokowski (Dirige la orquestra), Deems Taylor (Narrador), Julietta Novis (Solista en el Ave María), Walt Disney (Mickey Mouse, felicitando a Stokowski)
CINEMATOGRAFÍA
James Wong Howe
BANDA SONORA´
Stephen Csillag
DISTRIBUCIÓN
Walt Disney Productions & RKO Radio Pictures
DURACIÓN
125 minutos

CLÁSICO ANTERIOR

Pinocho

CLÁSICO SIGUIENTE 

Dumbo

CURIOSIDADES

Se trata del tercero de los clásicos animados de Walt Disney. A final de la década de 1930, la popularidad de Mickey Mouse estaba en declive, y sus series de dibujos animados se habías visto eclipsadas por la creciente popularidad del Pato Donald. Walt Disney no estaba dispuesto rendirse en su constante intento de revitalizar a su personaje más querido, y creó un corto especial para el personaje que sería producido como un intento de revitalizarlo dentro de una película. El corto recibió el titulo de “El Aprendiz de Brujo”, basado en el poema de Goethe, “Der Zauberlehrling”. Como el corto había de ser mudo, varios miembros del equipo insistieron en que el personaje del aprendiz lo interpretara Mudito de Blancanieves, pero Disney se mostró tajante, señalando a Mickey Mouse como el destinatario del papel.
El trabajo relacionado con el corto comenzó en 1938, y fue por aquel entonces que Disney conoció a Leopold Stokowski en un restaurante. Este se ofreció voluntario para conducir la orquestra del tema del corto sin cobrar, y comenzó a trabajar en el proyecto. El departamento de animación puso un esfuerzo considerable en que el corto fuera de una calidad que superara a cualquier otro proyecto. El personaje de Mickey fue rediseñado por Fred Moore obteniendo más volumen para, entre otros efectos, poder proporcionar pupilas a sus ojos, para que estos tuvieran mejor expresión. El mago del corto recibió el nombre de Yensid, que no era otra cosa que Disney, deletreado al revés. Stokowski tuvo la idea de expandir el proyecto en un tono de conciertos, con distintos cortos, y fue además quien sugirió que el titulo fuera Fantasía. Los cortos contendrían música programática o descriptiva, cuyo propósito es el de sugerir historias a través del sonido. Un narrador introduciría cada corto, dando información sobre la obra musical presentada, y el propósito original de su compositor. Algunas de las selecciones tuvieron que ser reducidas para poder mantener una duración lógica de la película. De las ocho piezas seleccionadas, cuatro fueron presentadas por completo.
Walt Disney tenía claro que el proyecto debía ser más que una película, y se propuso que se convirtiera en todo un evento en distintos cines con asientos reservados y exigida etiqueta. Se crearon programas para poder seguir la película que incluían fotogramas del film, y dedicatorias por parte de Disney y Stokowski. Cada cine fue dotado de treinta o más altavoces alineados en el perímetro del techo. El formato de la película siguió la estructura de un concierto, y como nota inusual no incluyó créditos ni al principio, ni al final del film.
El estreno en 1940 resultó desastroso, los requisitos de instalación de equipo de sonido provocaron que fuera estrenada en tan solo doce cines. El elevado presupuesto del film, más de dos millones de dólares, provocó que no se lograra recaudar beneficio alguno en su estreno, y provocara grandes pérdidas. Un año más tarde se realizaron varios cortes en el film, y se le dio una nueva oportunidad estrenándolo a nivel nacional, sin embargo la segunda oportunidad supuso un nuevo fracaso, y no duró demasiado en cartel. El fracaso financiero de “Fantasia”, dejo al estudio Disney con grandes apuros económicos, y por ello fue necesario producir una nueva película de animación, con reducido presupuesto, para poder recuperarse. Dicho proyecto sería “Dumbo”. Aunque la película fue apreciada por los que asistieron a verla, y disparó la industria de la música clásica, “Fantasía” pasó a la historia de Disney como su primer gran fracaso cinematográfico. A pesar de varios intentos de reestrenar la constantemente reeditada película, no fue hasta 1969, casi treinta años más tarde, que logró comenzar a recaudar beneficios. Adoptando una promoción “psicodélica”, el film logró triunfar entre el público adolescente, y los estudiantes universitarios. Como curiosidad se llegó a extender la idea de que la película adquiría toda una nueva dimensión, contemplada bajo los efectos de la marihuana. En 1982, debido a los avances de la tecnología en lo relativo a sonido, la película se volvió a estrenar, convirtiéndose en la primera grabada haciendo uso de tecnología digital. Esta versión se volvió a estrenar en 1985 tras una campaña publicitaria considerable, que logró volver a disparar los beneficios de nuevo. La película siguió disfrutando de otros reestrenos, por su cincuenta aniversario en 1990. Una edición especial de DVD incluyó otro corto que hacía uso del “Claro de Luna” de Claude Debussy.
Bela Lugosi sirvió como modelo para Chernaborg, el demonio del Monte Calvo. Lugosi pasó varios días en los estudios Disney, donde fue grabado adquiriendo poses y gestos diabólicos, con la intención de que los animadores utilizaran las grabaciones como referencia para sus dibujos. Sin embargo, el animador del corto, Bill Tytla, no quedó satisfecho con el trabajo de Lugosi, e hizo que el director de secuencia, Wilfred Jackson repitiera la grabación para utilizar sus poses como referencia.
De todos los clásicos animados de Walt Disney, es el único hasta la fecha que ha logrado superar las dos horas de duración, y el segundo en generar una secuela para cine, igualmente considerada clásico animado, “Fantasía 2000”. El primer clásico en lograrlo fue “Los Rescatadores”.
La película logró hacerse con dos Oscars de la academia en 1941. Uno fue a parar a Walt Disney por su contribución al avance del uso del sonido en el cine. El otro fue para Leopold Stokowski por sus logros en la visualización de la música como forma de arte. En 1990, la película fue seleccionada por el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos, y por la Biblioteca del Congreso al contener importancia cultural, histórica, y estética.

NOTA PERSONAL
Sin duda hay que empezar por admitir que resulta increíble pensar que esta película fuera creada hace ya sesenta años (a fecha de esta entrada), pues la calidad de su animación, y la genialidad del uso de la música clásica es francamente impresionante. Yo no vi esta película en el cine, sino que la alquile en video a finales de los años ochenta. Recuero muy bien que había una fuerte campaña de promoción, y que regalaban recortables con una de mis chucherías favoritas, los palotes.
Si he de ser sincero, la película me resultó bastante cansina la primera vez que la vi, haciéndolo en tres partes. Creo que uno de los motivos de su fracaso al estrenarse, es que dos horas de dibujos animados con música clásica resulta en una excesiva monotonía para un niño. Probablemente se trate de la película más adulta de Walt Disney, y esto presenta otro problema, y es que hay muchos adultos que no sienten excesiva pasión por la animación. A día de hoy creo que la película es una de mis favoritas, y que he llegado a apreciarla de una manera que me era imposible cuando era un adolescente. Aún así creo que la película no adquiere el necesario ritmo hasta llegar al corto de “El Aprendiz de Brujo”, que por algo sigue siendo el que cualquier niño disfruta con más identidad. Otros extraordinarios cortos me parecen excesivos para un niño. En particular me refiero a “La Consagración de la Primavera” utilizada para mostrar la creación de la Tierra, hasta la extinción de los dinosaurios. El otro es sin duda “Una Noche en el Monte Calvo”. Comenzando con el primero, la fabulosa mezcla de explosiones volcánicas con la música escogida, ya logran de por si crear una sensación de agitación difícilmente digerible por un niño. Ni que decir tengo que el segundo segmento escogido es probablemente la escena más aterradora de todos los clásicos Disney. Chernaborg esta terroríficamente logrado, y creo que es el villano más diabólico de toda la galería de Disney. Son momentos de una crudeza excesiva, y la música clásica no logra sino intensificar dicha crudeza. Si la mencionada escena consigue inquietarme cada vez que la veo, es lógico imaginar que para un niño el efecto sea más aterrador.
Esto es curioso cuando uno considera que hace sesenta años, existía un puritanismo aún mayor en la sociedad americana. De hecho el corto mitológico creó bastante polémica debido a la desnudez que algunos de los seres mostraban, y evidentemente porque el festival de Baco, no dejaba de ser una alegoría a la orgía griega, bastante clara. Además mostraba un inusual consumo de alcohol, y flirteos basados en la atracción física. Esto a día de hoy no supone mayor problema, pero en 1940, la historia era bastante diferente.
Como conclusión, uno logra entender que esta película se adelanto a su tiempo, e independientemente de si uno consigue, o no apreciarla, o disfrutar de ella, ya ha pasado a la historia por sus innovadores aspectos.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
TOCATA Y FUGA (Johann Sebastian Back): Muestra a la orquestra cubierta por colores y sombras en su primera interpretación de la película. De ahí se pasa a animación
EL CASCANUECES (Tchaikovsky): El corto muestra la animación de hadas, peces, flores, setas y hojas. En ocasiones es simple movimiento, y en otras simboliza una danza, pero no hay una trama general que los una, excepto un implícito cambio de estaciones. El amanecer muestra como distintas hadas distribuyen gotas de rocío en las flores. Un grupo de setas, que llevan pequeñas túnicas, y representan un parecido con el estilo chino bailan en sintonía, mientras una más pequeña parece perderse en el compás. Distintas flores florecen simbolizando a bailarinas en la Danza de las Flautas, mientras peces dorados realizan una sugerente danza árabe. Cardos vestidos como cosacos se unen a orquídeas vestidas como campesinas en la Danza Rusa. Hadas del otoño cambian el color de todo lo que tocan, pasando a tonos marrones, con sus varitas, hasta que las Hadas de las Heladas le otorgan un aspecto congelado entre copos de nieve, al compás del Vals de las Flores.
EL APRENDIZ DE BRUJO (Paul Dukas): Mickey Mouse es el joven ayudante del brujo Yensid. Tras observar como este utiliza su magia para convocar astros por todo el universo, recibe la tarea de rellenar una pila de piedra con agua del pozo. Al no estar Yensid presente, Mickey toma su sombrero mágico y crea un hechizo para que una escoba cobre vida y realice la tarea. Mickey se duerme y despierta al ver que la pila se ha desbordado, e incapaz de detener a la escoba, utiliza un hacha para acabar con ella. Cada astilla crea una escoba nueva que vuelve a intentar rellenar la pila. Mickey se ve desbordado mientras toda la sala comienza a inundarse. Es entonces cuando Yensid llega al lugar, y con un simple gesto pone fin a la crisis iniciada por su aprendiz. Tras esto, Mickey es arrojado de la sala con un puntapié, pero también con una inevitable sonrisa de Yensid. Tras el corto, Mickey y Stokowski se felicitan por el trabajo conseguido.
LA CONSAGRACION DE LA PRIMAVERA (Igor Stravinsky): Muestra una historia condensada de la historia del planeta desde su formación, a la aparición de las primeras criaturas vivas, a la aparición, reinado y extinción de los dinosaurios. La animación incluye criaturas prehistóricas tales como Tyrannosaurus, Dimetrodon, Parasaurolphus, Apatosaurus, Triceratops, Ornithomimus, y Stegosaurus.
INTERMEDIO, PRESENTANDO A LA BANDA SONORA: Muestra como una línea animada vibra al compás de distintos instrumentos, con la intención de visualizar la intensificación de sonido que estos producen en formas de ondas. Los instrumentos son el harpa, el violín, la flauta, trompeta, fagot, y otros de percusión como bombo, tambor militar, platillos y el triángulo.
SEXTA SINFONÍA (Beethoven): Ambientado con temas mitológicos, muestra como distintas criaturas como centauros, pegasos o faunos preparándose para la celebración de un festival en honor al Dios del vino Baco, que llega a lomos de su burro con cuernos Jacchus. La celebración es interrumpida por Zeus, que comienza a divertirse lanzando rayos desde las nubes, hasta que cansado, decide retirarse a dormir. La tormenta que ha provocado se apacigua, y todas las criaturas vuelven a salir a la luz.
DANZA DE LAS HORAS (Amilcare Ponchielli): Las bailarinas de la mañana están representadas por Madame Upanova y sus avestruces, que danzan hasta que una confrontación por unas uvas provocan que de la fuente a la que se han acercado surjan Hyacinth y sus bailarinas hipopótamos representando el mediodía. Las bailarinas de la tarde consisten en Elephanchine y sus Elefantes que emiten pompas de jabón por sus trompas. La noche llega con Ben Ali Gator y sus cocodrilos, que culminan el día en una frenética persecución entre todas las criaturas hasta que todos deciden bailar al unísono, hasta que el palacio en el que se encuentran se derrumba.
UNA NOCHE EN EL MONTE CALVO (Modest Mussorgsky): El demonio nocturno Chernaborg emerge del monte calvo para convocar a las almas sin descanso de sus tumbas, para enviarlas al pueblo al pie de las montañas durante la noche de Walpurgis. Fantasmas, esqueletos, demonios, brujas, harpías, duendes y zombies invaden la noche y bailan al compás del fuego y la lava que Chernaborg convoca. Chernaborg destruye a algunas de sus propias criaturas mientras crea criaturas nuevas a partir del fuego. Todo el horror que se ha despertado encuentra su final cuando suena la Campana del Angelus. Es en ese momento cuando el demonio Chernaborg vuelve a fusionarse con la montaña.
AVE MARIA (Schubert): Continúa de manera directa los eventos del segmento anterior. Al finalizar la Noche de Walpurgis, un grupo de monjes amanecen a desfilando por los bosques acompañados por el Ave María de Schubert.

ESCENA
No hay mejor selección que el corto de “El Aprendiz de Brujo” del compositor francés Paul Dukas.

PINOCHO

FECHA DE ESTRENO
7 de febrero de 1940
TÍTULO ORIGINAL
Pinocchio
DIRECTOR
Hamilton Luske & Ben Sharpsteen
PRODUCCIÓN
Walt Disney
GUION
Aurelius Battaglia, William Cottrell, Otto Englander, Erdman Penner, Joseph Sabo, Tead Sears, Webb Smith

Basado en el cuento de Carlo Collodi
REPARTO (Voces)
Dickie Jones (Pinocho), Cliff Edwards (Pepito Grillo), Christian Rub (Gepeto), Walter Carlett (Honrado Juan), Charles Judels (Stromboli), Evelyn Venable (Hada Azul), Charles Judels (El Cochero), Frankie Darro (Polilla)
CINEMATOGRAFÍA
Inaplicable
BANDA SONORA
Leigh Harline & Paul J. Smith
DISTRIBUCIÓN
RKO Radio Pictures
DURACIÓN

88 minutos

CLÁSICO ANTERIOR

Blancanieves y los siete enanitos

CLÁSICO SIGUIENTE

Fantasía

PINOCHO: ¿Tentaciones?
PEPITO GRILLO: Si, tentaciones, escucha. A veces las cosas malas parecen buenas, y aunque a veces las cosas buenas suelen parecer malas, otras veces las buenas se vuelven malas, cuando esas malas parecen buenas, o viceversa. ¿Entendiste?
PINOCHO: No.

PEPITO GRILLO: Bueno, creo que ya no le hago falta. ¿Y para qué quiere conciencia un actor?

HADA AZUL: Ya ves Pinocho, las mentiras crecen y crecen, hasta verse como la nariz en tu cara.

CURIOSIDADES

Basado en el cuento de Carlo Collodi, “Las Aventuras de Pinocho”, este el segundo clásico animado de Walt Disney, que surgió debido al enorme éxito de Blancanieves.
Sin embargo el plan original para la película era considerablemente diferente al resultado final que se estrenó. En el guión original se hacía uso de numerosos personajes de la novela. Walt Disney detuvo el proyecto pues no estaba contento ni con la idea que ejercía de impulso para la historia, ni con el diseño de muchos de los personajes. Originalmente Pinocho estaba concebido como un personaje listillo, alborotador y sarcástico, tal y como se presenta en la novela original. Disney consideró que nadie en la gran pantalla podría sentir simpatía hacia un niño de las mencionadas cualidades, y el aspecto más similar al de un muñeco sin vida. Lo que provocó que tuvieran que rediseñar la marioneta de una forma radical, siendo el resultado final fuera más similar a un niño. De hecho en el diseño final solo se apreciaba que los brazos y piernas de Pinocho eran de madera.
Originalmente, Pepito Grillo ni siquiera estaba en la película. Cuando se le incluyó inicialmente no era más que un grillo, sin forma antropomórfica. Una vez más, Disney decidió que necesitaba un personaje más fácil de agradar al público. Pepito Grillo pasó a ser humanizado lo más posible, y de hecho las únicas características de un insecto que poseía era el color verde, y la carencia de orejas. Siguiendo en ese rumbo se expandió el propósito del personaje hasta el punto en que se convirtió esencial para la historia.
Mel Blanc, famoso por dar voz a muchos personajes animados de Warner, fue contratado para dar voz al Gato Gideon. Sin embargo se acabó por decidir que el personaje fuese mudo, al estilo de Harpo Max. Esta decisión se basó en el éxito del personaje de Mudito en la anterior película animada. Todo el dialogo de Blanc ya había sido grabado y tuvo que ser eliminado, solo quedó un simple ataque de hipo en un momento determinado.
El Hada Azul de Pinocho fue creada usando la técnica del rotoscopio, que también había sido usada con el Príncipe de Blancanieves.
Sin embargo, al contrario de Blancanieves, Pinocho no fue un éxito financiero en su estreno. La película había costado alrededor de dos millones doscientos mil dólares, de los cuales apenas se recuperaron la mitad en los consecutivos siete años. El comienzo de la Segunda Guerra Mundial provocó que se tuviera que retrasar su estreno en Europa y Asia. Sin embargo la película fue elogiada por la crítica, y se consideró que la animación había logrado avanzar eliminando los escasos defectos de su predecesora. La canción de Pepito Grillo, “When You Wish Upon a Star”, se convirtió en todo un éxito y con el paso de las décadas en todo un clásico, que ha sido usado como música identificable con la compañía de Walt Disney. Dicha canción le valió el Oscar a la mejor canción, y la banda sonora original ganó otro más. De esta forma esta fue la primera película en ganar Oscars en las mencionadas categorías, y al mismo tiempo además.
Con el tiempo, y los constantes reestrenos en el cine, cada diez años aproximadamente, la película no solo recuperó el dinero perdido, sino que logró hacer un sustancial beneficio de hasta ochenta y cuatro millones de dólares. Fue además la primera película de Walt Disney en ser lanzada en DVD.

NOTA PERSONAL
“Pinocho” es una de las películas de Walt Disney que siempre me han parecido de lo más peculiar, por una serie de razones que procedo a enumerar.
Para empezar es una película donde tenemos más villanos que héroes. Juan el Honrado, no solo estafa y trafica con niños, sino que da a entender en una memorable escena, que por un módico precio esta dispuesto a cargarse a quien sea. Gideon el Gato es el villano clásicamente utilizado como recurso cómico. Stromboli simboliza al esclavista exclusivamente preocupado por la riqueza personal. Por último tenemos al Cochero, cuyo nombre desconocemos, aunque parece de origen diabólico no solo por la transfiguración de su rostro en un momento determinado, sino por la extraña forma de sus habitantes. Su técnica es la de corromper y tentar a la juventud para luego traficar con ella. Pero lo que más me sorprende de todo es que al final de la película todos los villanos se van de rositas, y ni uno solo de ellos se encuentra con el fatídico destino que encuentran los villanos Disney por tradición.
Por otro lado tenemos escenas que son impensables a día de hoy en el cine de Disney. El héroe Pinocho, que no deja de ser un niño, aparece bebiendo alcohol, fumando y destrozando la propiedad pública, así como el resto de los niños en la Isla de la Diversión. Por mucha moraleja que el comportamiento esconda, esos actos perorados por niños son inconcebibles en una película infantil casi setenta años después. Supongo que esto se debe a la manía presente de atribuir comportamientos violentos a las películas y no a una deficiente educación.
Por otro lado tenemos la recompensa a la ineficiencia. Me estoy refiriendo, por supuesto, a Pepito Grillo. El personaje me parece muy bien diseñado, y divertido en repetidas ocasiones. Sin embargo, si uno se fija con atención, fracasa estrepitosamente como conciencia de Pinocho, que no le hace caso ni usa sola vez en toda la película a pesar de sus repetidos errores.
Todos estos puntos no los mencionó como una crítica, sino más bien todo lo contrario. Me parece que, considerando que este el segundo clásico de Disney, tenemos aspectos que con el paso de las décadas se han convertido en inusuales y únicos.
Que decir de las distintas moralejas, algunas clásicas, y otras que pueden ser tomadas por contemporáneas. No mientas o te crecerá la nariz es ejemplo de la primera; y no dejes de ir a la escuela para convertirte en actor, o quedarás atrapado en una jaula de la que no podrás salir, no solo es la segunda, sino además muy actual.
Es una película, que inevitablemente me hace pensar que quizás a día de hoy estemos plagados de niños malos. Al final, lo único que consigue redimir a Pinocho es el sacrificio propio, aunque no enteramente altruista, para poder rescatar a su padre.
Si bien hay películas de Disney que encontrado más entretenidas o divertidas, ninguna de ellas me ha logrado sorprender, ni creo que lo haga ya a estas alturas, como este clásico que no puedo dejar de recomendar.

HISTORIA (esta sección contiene detalles de la trama y el argumento)
El pequeño Pepito Grillo llega al pequeño taller del creador de marionetas llamado Geppetto, para poder refugiarse del frío.
Pepito llega a tiempo para ver como Geppetto termina su última marioneta a la que bautiza como Pinocho ante sus mascotas, el gato Fígaro, y el pez Cleo. Tras utilizar la marioneta por primera vez, Geppetto menciona el deseo de que Pinocho fuera un niño de verdad. Al ver pasar una estrella fugaz, expresa su deseo en voz alta antes de irse a dormir.
Por la noche, el Hada Azul llega al taller de Geppetto. Por haber otorgado tanta felicidad a tantos niños, ahora el suyo se va a ver hecho realidad. De esta forma, el Hada le otorga la vida a Pinocho, aunque aún no es un niño de verdad. Para que el cambio sea absoluto deberá probar ser un niño digno de dicho regalo, escuchando a su conciencia. Pinocho no sabe que es Pepito Grillo se introduce en ese momento para explicárselo. Ante esto, el Hada le propone que sirva como conciencia de Pinocho, y Pepito acepta la tarea.
Inacostumbrado a moverse, Pinocho crea un alboroto despertando a Geppetto que observa entusiasmado como su deseo se ha hecho realidad. Al día siguiente, Pinocho se despide de su padre para dirigirse a la escuela. Cerca de allí, se encuentran el Honrado Juan y su colega Gideon observando un cartel que anuncia la llegada del gitano titiritero Stromboli. Al ver pasar a Pinocho de camino, se percatan de que es una marioneta viviente que les puede proporcionar una fortuna con Stromboli. Ambos consiguen convencerle para que se convierta en un actor al servicio de Stromboli.
Pepito llega a la escena tarde, pues se ha quedado dormido e intenta hacer que Pinocho regrese a la escuela, pero fracasa. Pinocho debuta como marioneta sin hilos en la caravana de Stromboli, convirtiéndose en un éxito rotundo, y generando grandes ingresos para el titiritero. Cuando Pinocho pretende regresar a casa, Stromboli le encierra en una jaula. Pepito Grillo se entera al intentar despedirse de él, y fracasa al intentar abrir la jaula. El Hada Azul regresa y le pide a Pinocho que explique lo que ha ocurrido. Este comienza a mentir y como consecuencia le comienza a crecer la nariz. Pepito intercede por él para que el Hada le perdone, y esta acepta reestableciendo su nariz, y abriendo su jaula.
Mientras tanto, Juan el Honrado y Gideon reciben la tarea por parte de un misterioso Cochero de reclutar niños para la Isla de la Diversión de donde no regresan jamás. Juan el Honrado se vuelve a encontrar con Pinocho, fingiéndose escandalizado por lo sucedido con Stromboli, logra convencerle de sufrir una extraña alergia y de necesitar relajarse en la Isla de la Diversión para recobrarse. Pinocho sube al carruaje del cochero, donde conoce a un muchacho llamado Polilla, y Pepito Grillo le acompaña para asegurarse de que no le ocurra nada.
En la Isla de la Diversión, los niños pueden involucrarse en actividades normalmente prohibidas para ellos, tales como romper cristales, pelearse con los demás, asó como beber alcohol o fumar cigarros. Pepito intenta razonar con Pinocho en vano, mayormente debido a la interferencia de Polilla con lo que decide marcharse. De camino a la salida, descubre el secreto de la Isla. Los niños que se comportan como burros en ella, terminan convirtiéndose en burros de verdad. El Cochero exporta los burros a distintas empresas, logrando sacar beneficio de ello.
Mientras tanto, y para espanto de Pinocho, mientras están fumando unos puros y bebiendo cerveza, Polilla se transforma en burro. Pinocho comienza a transformarse con dos grandes orejas y un rabo, justo cuando Pepito Grillo llega para advertirle de lo que esta sucediendo en la isla. Ambos escapan lanzándose al mar, y logrando llegar de vuelta al pueblo.
Al llegar a la casa de Geppetto, ambos descubren que el anciano no esta allí, debido a que ha estado buscando a Pinocho desde que desapareciera por primera vez. Gracias a una carta proporcionada por el Hada Azul, Pinocho y Pepito Grillo descubren que Geppetto, en compañía de Fígaro y Cleo se aventuró en el inmenso mar con la intención de poder localizarles. Sin embargo han acabado siendo engullidos por la gigantesca ballena Monstruo. Pinocho esta decidido a rescatar a su padre. Tras atarse una roca al rabo de burro que aún posee se lanza al mar, y comienza a explorar las profundidades en compañía de Pepito Grillo.
Donde quieran que pregunten por Monstruo, todas las criaturas marinas salen despavoridas. Mientras tanto, dentro de Monstruo, Geppetto se dedica a pescar los peces que la ballena engulle. Pinocho logra dar con la ballena, y es engullido también logrando reencontrarse de nuevo con Geppetto. Pinocho no se resigna a permanecer atrapado, y crea un fuego con la intención de que la ballena no tenga más remedio que estornudarles fuera. El plan funciona, Geppetto y Pinocho salen despedidos en una balsa que el anciano había creado. Una vez fuera logran escapar a la ira de la ballena al refugiarse tras un acantilado. Sin embargo, y para disgusto de Geppetto, Pinocho muere ahogado debido al esfuerzo.
De vuelta en casa, Geppetto llora la perdida de su hijo. Sin embargo, el Hada Azul considera que su capacidad para sacrificarse por su padre ha probado la valía de Pinocho. Así, este es devuelto a la vida, y se convierte en un niño de verdad. Geppetto entusiasmado comienza una celebración, mientras Pepito Grillo recibe una medalla por haber sido una conciencia ejemplar.

ESCENA
Pinocho actúa en el carromato de Stromboli.